音樂物語

Gwendolyn:網絡安全隱患

電音歌姬Serrini 當有人頻頻在高呼香港樂壇已死,我反而覺得,如果舊的那一套,在這個時代已經崩壞,正所謂「舊嘅唔去、新嘅唔嚟」,死了又何妨? 好了好了,舊勢力死了,新勢力有能力接棒嗎? 如果你還有心留意香港樂壇的話,一定會發現到,過去十年,這股獨立新勢力,早已醞釀得如火如荼,近幾年,多得互聯網多得ViuTV多得KKBox多得Spotify多得AppleMusic,終於來到引爆點。 自去年的音樂頒獎禮之後,坊間多了主流媒體提及Serrini這名字。 但其實,屈指一算,獨立唱作人Serrini已經出道9年,老早累積了一班忠實的粉絲,最近發表《Gwendolyn:網絡安全隱患》,是她的第六張專輯,因為不斷有新粉絲出現,於是,我身邊不少剛認識她名字的朋友,還會以為她是樂壇新人。 數碼時代獨立製作 在這個數碼時代,明明大家可以用串流聽歌,Serrini的作品,卻仍然可以在Apple Music付費下載榜大賣,實體CD更不用說。 當然,今時今日,大賣的標準,不可以和80、90年代相提並論。但正因為這樣,於是還有樂迷願意掏荷包支持,更加難能可貴。 Serrini能夠在這主流媒體大唱片公司以外的平行時空裡大紅,主要都是因為她的作品,有點顛覆有點反叛,於是就能夠成為這個時代的聲音,流行音樂世界的搖滾精神,就是這樣。 在討好別人前,先要討好自己。相信因為是獨立製作,要考慮的政治正確元素,相對較少,難怪Serrini歌曲的題材,可以較任何主流流行樂,來得更自由奔放啜核鬼馬,玩味可以玩得更徹底,有必要時,當然包括了廣東話粗口作助語詞。 但我覺得,大部分情況下,Serrini只是歌名歌詞出位,歌曲風格,其實大部份都非常易入口,是旋律優美的小清新,編曲演繹都偏向民謠Indie。 騎呢小清新先聲奪人 初出道,被譽為「騎呢小清新」,歌曲多數都是有點兒台風的小清新結他民謠作品,《蘇菲亞的波霸珍珠奶茶》、《我在流浮山滴眼水》單看歌名已經是亮點,語出驚人。 近期作品,則逐步走向較華麗的電子樂音,風格接近90年代Synthpop,歌曲如《溝晒啲仔》開始略略走向另類偏鋒,《邪童謠》整張專輯更索性大玩暗黑電子死亡,於是又開始被冠以「電音歌姬」這綽號。 但好像有多重性格的她,又會來一首旋律甜美的《油尖旺金毛玲》和《Don’t Text Him》。 Serrini的唱腔,除了可以用玩味風格演繹騎呢小清新,但認真起來,她又可以充滿騷味,第一次聽,她令我想起當年唱Mercy的電音組合《Sandii & the Sunsetz》的Sandii。 Serrini的嗓音,亦很有個性,唱起來的尾音往往帶點媚,會令我聯想起《野花》時期(90年代初) 的林憶蓮,當然,Serrini又有她獨特如標誌的聲音印記。 全新專輯《Gwendolyn:網絡安全隱患》 說回她的新作《Gwendolyn:網絡安全隱患》,單從專輯主題,已經感受到作品的貼地性,以及與時代脈搏同步。 《燎原》就像是一首舞台劇的序曲,音樂帶點暗黑神秘,電子音效的編曲,如華麗上陣的舞台服裝,Serrini如暗黑女神,置身如陰暗中,同時,卻散發著色彩閃爍變幻的燈光,。 《網絡安全隱患》的編曲,把我們帶回90年代的Pet Shop Boys舞池,Serrini的歌聲,充滿爆炸力,一句「令你令你令你令你令你令你 感覺很安全」,彷彿在向90年代曾稱霸流行榜的《相逢何必曾相識》致敬,令你令你令你發出會心微笑。 《越活越惹禍》再次把大家帶到90年的舞池,肥美的低音Analog Synthesizer,衝擊著進擊中的電子鼓,充滿霸氣,進入副歌,更醞釀著即將進行黑幫大廝殺般的危險氣息,很有畫面感。 《離原》用鋼琴的切分音節奏作前奏,是一首惹人沉思,風格較黑暗的慢板作品,Serrini的歌聲,彷如幻化成周圍Synth Pad聲音的一部分,苦中帶甜,迷幻如軟糖。 《~旋轉with me*》帶點夢幻,Serrini頃刻華麗變身,幻化成日本變身少女卡通的女主角,像是百變小櫻登場,Major 7th chord的電音Appregio,令歌曲增添一片浪漫甜美。 《要做更壞的事》是首華麗的電子Ballad,Serrini實在是媚在骨子裡,歌曲帶點性感帶點壞壞,林振強先生終於找到繼承人,曲風令我想起我的好友亞里安生前創作的Minimal式甜美電音。 《繼續玩》是首電子Chill Out風的沙發音樂,飄渺不定的電子音效,把你帶到外太空的遠處,無重力地漂浮,讓我想起90年代的日本電子組合Dip in the Pool。 《長期浪漫》回到凡間,是一首曲風平凡,旋律令人琅琅上口,帶點J-Pop味道的流行作品,中間日文那段,相信是向久保田利伸當年的《LA·LA·LA LOVE SONG》致敬。 《I’m Fine, Thx》是繼續義無反悔的電子大流行,旋律充滿90年代J-Pop偶像流行風格,但卻不會讓你感到絲毫過時的感覺,副歌部分,跳躍式地把大家帶到星光閃閃的舞池。 《I’d Like a …

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疫情來了,更要來點好音樂。

2020年日本樂壇最紅新人-藤井風 第一次聽到藤井風的歌,印象很深刻,是在2020年的夏天。 那是一個陽光燦爛的早上,我帶住口罩,在上班的路途中,透過耳機,在Apple Music的J-Pop推薦清單,第一次聽到《何なんw》(Nan-nan-w) 這首單曲。 輕爵士風的R&B節奏,聽得令人雀躍的Piano Riffs & Licks,跳蹦蹦的低音結他旋律和Guitar Riffs,令我連步伐也頓時變得輕盈起來。 藤井風的歌聲,不是刻意完美修飾的那類,他的嗓子充滿一股自由奔放的能量,後來在YouTube上聽過他的音樂會,發覺現場演出的他,歌聲與在錄音室裡的他,似乎沒有兩樣。 如果你是資深日本流行樂樂迷,你一定知道70s、80s年代盛行的City Pop一派歌手如山下達郎、竹內瑪利亞、松任谷由實等人,聽藤井風的歌,或多或少,會掀起你對這個時代的日本流行音樂的美好回憶。 流行音樂界,先後出現過很多位出色的Piano Man,國際樂壇除了殿堂級的Billy Joel和Elton John,較年輕的就有Jamie Cullum,台灣還有當年紅透的周杰倫,而去年當藤井風一出道,就馬上成為新一代日本樂壇Piano Man的代表人物。 十來歲已經在YouTube靠自彈自唱別人的歌而闖出名堂,藤井風這位天才型鋼琴小子,古典、爵士、流行皆能,既可彈得一手好鋼琴,亦是唱得之人,更喜歡在演譯人家的作品時,加入具個人風格的即興旋律。 到了22歲,藤井風終於被經理人公司發掘,召喚他從岡山縣的家鄉小鎮,向五光十色的大城市東京出發。 還是當YouTuber的時候,本來從未發表過一首原創作品,但藤井風卻以驚人的創作力,成為專業音樂人後,於2019年期間,由《何なんw》(Nan-nan-w) 這第一首單曲開始,一口氣推出了多首曲、詞、奏、唱包辦的數碼單曲,完全沒有新人的青澀,歌曲流行元素甚高,並且大受好評,令我想起當年初出道的宇多田光。 然後,到了2020年中,正式推出《HELP EVER HURT NEVER》這首張個人專輯,個人認為,當中超過一半以上的歌曲,都是單曲的材料。 專輯打上流行榜首之餘,乘勝追擊,藤井風亦於同年登上殿堂級的武道館,開了他的首個大型個人演唱會。 有如平地一聲雷,專輯《HELP EVER HURT NEVER》推出後,藤井風一直沒有怠慢下來,創作力依然旺盛,接連推出了好幾張EP和單曲。 霎眼間,已來到2021年的夏天,藤井風剛剛發表了他的最新單曲《きらり》(Kirari) ,旋律依然精彩,Disco-lite Dance的前進感,像用音樂帶著你往公路上闖蕩,節奏帶點Funk又有點Groovy,令人一聽愛上,難怪此曲被某大汽車品牌用作廣告歌之用。 去年發表的另一首單曲《青春病》(Seishunbyō),同樣是一首充滿陽光感,R&B節奏的輕快歌曲,最後一段Outro的即興吟唱,感覺上非常大氣,曲式有少許令我聯想起久保田利伸的《LA·LA·LA LOVE SONG》。 《旅路》(Tabi-ji)是藤井風寫給他中學母校師弟師妹的歌曲,本來打算在他/她們今年的畢業禮上獻唱送給他/她們,作為大家展開另一段人生旅程前的鼓勵,但只可惜因疫情關係,他未能如願以償。最後,藤井風在當地新聞電視台的直播節目中,現場用鋼琴自彈自唱了這首歌曲。錄音室的版本,和他的純鋼琴版本,分別很大,有略略的R&B Ballad味道,陽光感更充沛。 說回藤井風2020年的舊作《HELP EVER HURT NEVER》,這實在是一張百聽不厭的專輯(我聽了接近一年了),雖然擅長節奏輕快的City Pop風歌曲,但藤井風寫起大旋律的作品時,同樣是得心應手。 專輯中,《もうええわ》(Mō Ē Wa)、《優しさ》(Yasashisa)、《調子のっちゃって》(Cho Si Noccha Te) 、《特にない》 (Toku ni Nai) …

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2008《Fearless》vs 2021《Fearless (Taylor’s Version)》

曲目幾乎是一樣的兩張專輯,前後相隔13年,樂迷仍會願意埋單嗎? 說的是Taylor Swift的「新作」《Fearless (Taylor’s Version)》。 事情是這樣的,因為與前經理人的續約談不合攏,於是被前經理人把她的舊作版權,刻意全數賣給與她素有私怨的樂壇大鱷。 因為仍然擁有所有作品的出版權,於是,在兩年前,Taylor Swift決定把這批被賣掉的舊專輯,逐一重新灌錄。 Taylor Swift的鐵粉甚多,支持她把舊作重錄的聲音甚眾。更何況,她近期的兩張專輯《folklore》和《evermore》,音樂更見成熟,口碑甚佳,收納了不少新一代樂迷。 千呼萬喚,Taylor Swift第一張推出的重灌舊作專輯,先揀來她在19歲那年推出的第二張專輯《Fearless》,這可說是她的成名作,當年亦平地一聲雷,奠定了她成為鄉村搖滾界新星的地位。 我個人並非鄉村搖滾樂迷,但Taylor Swift的歌曲,卻成功吸納了像我這類主流流行樂的樂迷,無論你是那個年齡的樂迷,聽她的歌,除了琅琅上口的輕鬆旋律,你總難以不被她活力充沛的能量感染。 基本上,整張《Fearless (Taylor’s Version)》專輯內的編曲,與原作《Fearless》都幾乎一模一樣,每首歌也是原Key重唱,就連樂隊及和音,都差不多是同一班底。 Taylor Swift的動機,明顯不過,她就是要讓「今天的我,打倒昨日的我」。 因為基本上真的是舊作重錄,那,這張「新」專輯的賣點在那裡? 年輕時的她,歌聲甜美而充滿爆發力,如今重新演譯舊作的時候,無論唱功和情感的掌握上,她也來了幾個翻的大躍進,每到副歌部分,聲線來得更剛強、更有能量。 事實上,近年Taylor Swift的作品,開始走獨立搖滾的路向,2021年版的《Fearless (Taylor’s Version)》,雖然編曲與2008年的《Fearless》一式一樣,但歌手樂手的演繹,卻微妙地,令歌曲產生了迥然不同的化學作用。 《Fearless》、《Love Story》、《The Way I Loved You》、《You Belong With Me》等當年上榜的大熱作品,可以明顯地令你聽得出,Taylor Swift的歌唱技巧,已提升到另一層次,從前彷似是不知天高地厚的她,如今已變得世故起來,聲線更是剛中帶柔,變得更搖滾。 畢竟是不同時代的錄音,整體而言,新錄音在樂器的聲音效果上,亦顯著地有更強的層次感,低音結他的聲效更是火候十足。 我聽的是24-96的HD Tracks,尤其感到Taylor Swift如脫胎換骨的溫暖歌聲,感染力加持。 除了原作的19首歌,亦追加了一首未有收錄在當年《Fearless》中的同期舊作,《Today Is A Fairytale》當時只收錄在電影原聲專輯,是一首中板的Country Pop,旋律、歌詞和歌手的聲音都點到入心,難怪當年成為了Taylor Swift第一首打上流行榜冠軍的作品。 此外,最吸引樂迷的是,還新增了6首於差不多同期創作(2008年前後),當時沒有收錄進《Fearless》專輯內,被稱爲”From The Vault”的舊作。 6首舊作雖然並非重新演譯,但旋律曲風和編曲上,還是保留了接近2008年那個時空、較接近主流鄉村搖滾的Taylor Swift的聲音。 找來了Maren Morris搭檔和唱的《You All Over Me》,是回歸鄉村搖滾歌謠之作,兩把聲音的和音重唱,旋律逐步推進,副歌部分感情尤其細膩,令人聽出耳油。 …

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Kiri T 《CHILI T》 生命是甜美的,生活卻是辛辣的。

樂壇很悶,不如來點負能量。 並非每位女歌手都夢想成為樂壇天后,也不一定要上什麼流行榜頒獎禮,能夠做些可以說到自己故事的作品,聽眾又有有共鳴就好了,Kiri T可能就是其中一位這類的歌手。 對我來說,Kiri T的歌曲,一點也不另類,加上她骨子的外貌、甜美的聲線,曲詞編皆能,論條件,根本就是樂壇小天后的材料。 但坦白說,她的歌曲題材,負能量滿載,卻未必能夠獲得主流媒體的垂青。 正因為香港主流樂壇的沉悶,我更覺得Kiri T是把不可多得的「放負」聲音,外表還有點孩子氣,但原來她出道已超過十年,這已經是她的第三張專輯。 糖衣包裹著的小辣椒 《Chili T》專輯中有9首歌,大部分的歌曲,恰如其名,我會形容為「糖衣包裹著的小辣椒」。 甜美的旋律和嗓子裡,卻暗藏對社會不公的控訴、對感情世界的創傷、對作為女性所面對的抑壓等等。 透過音樂,Kiri T嘗試讓自身的情緒進行排毒,宣洩的過程中,讓感到有所共鳴的聽眾能獲得片刻的歡愉,用音樂和大家療傷,過程其實很治癒。 我不知道應如何替Kiri T的音樂作品歸類,她的音樂風格,包含了R&B、Chillout lounge、 Emo-Pop、Goth-pop、Electropop、Trip-hop、Acid Jazz等等元素,總之就一定不是典型的Canto-pop,作品的編曲,甜美中又帶點黑暗,亦放進了不同英美風格的音樂材料,是放在外國電台播放也不失禮的歌曲。 《Fuvk the fairytale》的大旋律和展現率真性情的歌詞,完全展現出Kiri T成熟而自信的音樂品味。 《10,000ft》充滿空靈的飄逸感覺,編曲簡約,卻是整張專輯最大氣的作品,我就是最喜歡這兩首歌。

《McCartney III》 一個人一隊Band

要數創作生命最「長壽」的音樂人,我認為,非Paul McCartney莫屬。 Macca (英國人普遍對Paul McCartney的暱稱)15歲的時候,就已經認識了他的創作夥伴John Lennon ,之後Beatles的豐功偉績,相信不用我多作詳述。 1970年Beatles 解散後,Macca成立過樂隊Wings,期間亦繼續推出過多張個人專輯,創作無間斷。現年78歲的他,去年年底推出了他的第15張個人專輯《McCartney III》。 先補充一下,但凡是以《McCartney》為名的專輯系列,每一張都是Macca一人分飾多個角色,以多軌混音製作的家庭錄音,是真真正正的One Man Band作品。 雖然橫跨50年,但到目前為止,《McCartney》只推出了三張專輯,而每一次推出的年份,其實都別具象徵意味,同時,亦與他的人生重要歷程有關。 第一張《McCartney》,在1970年推出,那一年,Beatles 剛剛解散,Macca正準備重新出發。 到了《McCartney II》,推出的時間則在1980年,那一年,他的另一隊樂隊Wings亦正醞釀在翌年正式解散。 到了2020年,Macca雖然已經無Band可散,但對於全球大部人來說,這可能是極之難忘的一年,包括他在內。 Macca見反正要長時間逗留在家,於是,便萌生了在家中展開製作《McCartney III》的念頭,前後花了差不多四個月,躲在他位於Sussex家附近的農莊錄音室中,One Man Band把專輯完成。 雖然並非技術超棒的樂器高手,但Macca卻有本事彈奏多種樂器,加上多軌電腦錄音的協助,成就了他的一人樂隊自家製作。 事實上,三張《McCartney》系列的專輯,雖然都有一種像Demo錄音的粗糙感,但卻因為情感真摯,歌曲都有著一股令人聽得嘴角會帶著會心微笑的魅力。 從好幾個專訪中得知,當初獨自創作這個《McCartney》系列時,Macca都會努力嘗試,擺脫他與同期其他音樂單位創作時的風格。 《McCartney》相對較為刻意地擺脫Beatles的影子,嘗試尋找樂隊聲音以外的另一個輕搖滾方向;《McCartney II》則作了較多的實驗性嘗試,包括電子音樂,旋律上,也試圖擺脫他經常被人詬病的靡靡之音。 雖然,作為四分之一的Beatles,而且是靈魂人物,要在作品中完全擺脫Beatles的影子,實在太過艱難,這張專輯也毫不例外。 到了今回的《McCartney III》,Macca反而變得較隨意,整體上,作品也貫徹了他一向Happy Go Lucky的性格,同時,他又好像要一口氣把每件私人珍藏的樂器,逐一拿出來彈一遍,因此,專輯內的編曲,樂器的多樣性,層次感亦相當高。 作為專輯的序曲,幾乎是純音樂的《Long Tailed Winter Bird》,略帶Celtic曲風的Folk Blues,以旋律如刀鋒般銳利的Guitar Lick開首,重複地彈奏,然後不同的樂器加入,不斷推進,然後,一段和唱“do you, do do do you miss me?”像忽然從天而降,歌曲的規模繼續不斷擴張。 《Find My Way》是專輯的第一首主打歌,在MV中,見到Macca一人分飾多角角色,在錄音室內滿場飛,彈奏了多種樂器,歌曲旋律和歌詞,都洋溢他一貫的樂天性情,是Macca在疫情中試圖為大家打打氣的快樂歌曲。 Beatles樂迷一定知道,Macca當年就是樂隊中的低音結他手,在一個訪問中得知,他收藏了一支古董Kay M1 Upright Bass,是當年Elvis Presley樂隊中的低音結他手Bill Black所擁有。在《Pretty …

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將小說音樂化的電音組合 - YOASOBI

因為從事廣告行業的關係,我的辦公室裡,總會有幾名20多歲的年輕同事,我經常會不恥下問,請教他們近期有什麼新樂團新歌手的作品值得一聽。 去年年中左右,他們分享了幾首日本動畫的MV給我,告知我YOASOBI這個組合,只推出了兩三首單曲,在日本社交網絡界的人氣卻很厲害,組合的聽眾,更不止於年輕人。 YOASOBI這個年輕的新晉組合,由兩位90後音樂人組成,整個成名故事,一切都和網絡有關。 創作主腦Ayase一人包辦詞曲編曲和MV動畫製作,與米津玄師一樣,初時都是透過VOCALOID發表音樂,後來,他發表的歌曲在社交網絡上爆紅,於是亦動起了物色歌唱合作夥伴的念頭,來代替電腦發聲的VOCALOID。 後來,Ayase正籌備參與網絡小說網站monogatary.com一個打算把「小說音樂化」的企劃,亦需要尋找一名歌手合作,適逢ikura是一位重唱別人的歌而成名的年輕網絡歌手,Ayase透過Instagram認識了她後,便一拍即合。 因為當時二人都有一份日間的正職,於是,二人索性把樂團命名為YOASOBI(夜遊び),意指在夜間遊玩。 「小說音樂化」,再加上動畫MV,本身已經是一個很有趣的新嘗試,YOASOBI的成名作《夜に駆ける》,內容就是建立於星野舞夜的網絡小說,YOASOBI之後發表的單曲,同樣是基於小說的不同章節。 有不少樂評人認為,《夜に駆ける》更廣為樂迷認識,是因為YOASOBI被邀請了上THE FIRST TAKE這個人氣YouTube音樂頻道,他們經常會找歌手或組合作客,以一Take過現場錄音,是一個實力的競技場。 ikura的甜美得來卻充滿力量的歌聲,加上面對鏡頭時略帶忸怩的神情,很快便俘虜了不少網絡樂迷的心。 說回Ayase這位新生代音樂人的風格,主要是以節奏輕快的電音舞曲節拍為基礎,旋律很有90年代的動漫主題曲感覺,歌手一開口唱,沒有太多鋪排,就馬上是令人琅琅上口、蠢蠢欲動的洗腦式旋律。 Ayase亦很懂得掌握電子與Accoustic樂器間的整合,除了電子舞曲的節奏襯底,編曲上亦常用Accoustic結他的riff,以及密集的鋼琴音符作點綴,予人一種清新跳躍的感覺。 YOASOBI的成名,實在來得太快,還未推出專輯,已經被邀出席2020年除夕夜的《紅白歌合戰》。 踏上了成名的高速列車,2021年1月,YOASOBI終於推出了首張專輯《THE BOOK》,整張專輯的歌曲,都是來自上述的「小說音樂化」企劃,七首歌曲,各有一支動畫,把歌曲的意境和故事內容視覺化。 大叔如我,聽到 的作品時,竟有種如沐春風的感覺,我聽完一遍又一遍,我想起了愛看日本動漫的我的無憂無慮中學時代,我赫然發覺,青春,原來也是可以跨世代的。

搖滾公路真心英雄Bruce Springsteen

Bruce Springsteen今年71歲,最近,我除了在Netflix看過他在2016年,現場演出的獨腳戲《Springsteen on Broadway》,還有就是留意到他近年陸續新作推出,螢幕上,他的身形一貫健碩如牛,聲音亮如洪鐘,「波士(The Boss)」這個綽號,依然匹配。 老實說,當年我對他在1984年推出的大熱作品《Born in the U.S.A.》,那時少不更事的我,最初以為那只不過大美國主義者的校歌,到後來,我買了一套五張黑膠片Box Set的Bruce Springsteen & The E Street Band Live/1975–85,我才重新發現「波士」歌曲中的魅力。 Bruce Springsteen的現場演出,聽到他像震遍整個場館的歌聲,總能夠給你一股很振奮人心、很在地草根的美式搖滾氛圍。 他歌曲的旋律並不艱深,他的歌詞,敘事手法亦十分平實。歌曲中描繪的人物,往往就是普羅大眾,尤其是那些在每天在苦幹,追尋美國夢的藍領階層,此外,還有不少在大城市中被遺忘的小人物。 他的歌曲,間中也會有對社會的控訴,但更多的時候,他是會透過歌曲給大家打打氣,難怪有不少美國樂迷,都會視他為搖滾音樂的人民英雄。 《Letter to You》是他的第20張個人專輯,今次再次聯同他的長期拍檔,The E Street Band這音樂班底,一起在他家中的私人錄音室,花了四天的時間灌錄,歌曲的編曲甚至是部分的創作,都是半即興下完成,因此,整張專輯都富饒現場氣氛的活力和空氣感。 有別於迷戀永遠28歲長青不老的香港歌神,Bruce Springsteen卻展現出屬於他那個年齡與資歷應有的感性,由向已故舊樂隊的隊友致意啟發,專輯中,他亦同時探討生與死、年老、人生懊悔等等生命課題。 但不要誤會,整張專輯,風格上卻未有流露太多的傷感,反而是充滿能量,有樂也有怒,部分歌曲,會讓你感到仿如置身音樂場館,想舉手隨著節奏一起吶喊。在這個迷失的時代,「波士」試圖透過搖滾力量,為大家帶來一點實實在在的心靈安慰。 《Janey Needs a Shooter》、《Song For Orphans》和《If I Was the Priest》,無論是旋律和編曲,當中的口琴聲、hammond organ聲、slide guitar、以致是「波士」嗓音的演譯風格,都充滿著一股70年代搖滾的懷舊氣氛,亦有濃濃Bob Dylan薰陶下的情懷,當然,「波士」的能量感卻是十級加持,副歌部分更是分外振奮人心。 「波士」組成E Street Band前,其實還有另一隊樂隊Castiles,但去年,除了他以外,最後的一位成員也離開了,於是,他真真正正成為樂隊的《Last Man Standing》,同時間,《Ghosts》又是對另一位離去的樂隊成員的懷念, 《I’ll See You in My Dreams》基本上就是將懷念摯友的心情,化解成一道心靈雞湯。 專輯主題曲《Letter …

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The Mandalorian新紮配樂師 Ludwig Göransson

星戰迷,出名難服侍。尤其是,當星戰系列的前傳後傳外傳長賣長有時,要從當年原班人馬接棒繼承的製作人,壓力自然更大。 雖然我也是星戰迷,但平心而論,70年代OG的星戰系列,製作其實相當粗劣,始終技術上有太多限制。印象中,始終音樂最長青,唯有John Williams的電影配樂,今天重聽,依然半點都不失禮。 橫跨40年,John Williams先後為9集星戰電影系列配樂,近年已正式收山,並揚言已完成星戰的歷史任務,拒絕再玩。 至於其他星戰外傳,都已經假手於其他作曲人,Michael Giacchino為《Rogue One》配樂,John Powell更為《Solo》一片,撰寫Han Solo的個人主題動機旋律(此乃John Williams的慣例),似乎,兩位作曲人都不敢跨越雷池半步,作品處處充滿John Williams的影子。 雖然並非電影級數的大製作,但作為Disney+這串流影音服務的主打作品,星戰外傳《The Mandalorian》(曼達洛人)卻成為了不少星戰迷近期的至愛,而為這個電視系列做配樂的瑞典裔作曲人Ludwig Göransson,亦可能成為了John Williams之後,第一個備受星戰迷接受的作曲人。 Disney+還未在香港推出,但為了先睹為快,我老早已千方百計,第一時間看了《The Mandalorian》的第一季。執筆之時,第二季接近尾聲,我正在等最後一集本季大結局。 雖然是古典音樂訓練出身,但本人卻是一名重金屬搖滾及hip-hop音樂的愛好者,Ludwig Göransson的成名作,是Rocky後傳的電影系列《The Creed》,及後他亦憑《Black Panther》的配樂獲獎,實力備受肯定。 此外,話說大導演Christopher Nolan的指定作曲人Hans Zimmer,因為同期要為另一電影《Dune》配樂,於是大導的新作《Tenet》,配樂的責任就落在Ludwig Göransson手上。 看電影時,聽得出他與大導演的合作實在不易為,一如電影中的橋段,作品中有大量高難度的技術性實驗,虛耗的力度很大,迴響卻可能一般。 直至為《The Mandalorian》配樂,Ludwig Göransson才得到最大的發揮。看完此劇的第一季後,我在Apple Music找回這電視片集的配樂來聽,赫然發現,原來作曲人為每一集(合共8集)的內容,都分別創作了大量的音樂素材,合共推出了8張迷你專輯,足證他是如何地投入。 事實上,無論故事的背景和人物設計,《The Mandalorian》都有點像Clint Eastwood的西部牛仔電影,一名浪人,帶著一名小孩,來到不同的不毛之地的荒蕪小鎮,遇上不同的冒險故事,音樂上的孤寂感,像哨子聲的旋律和西班牙結他,都難免會令人聯想起大師Ennio Morricone的作品。 當然,Ludwig Göransson亦嘗試參考了部分John Williams的星戰音樂語言,繼承了兩位大師作品的路向,再加上自己的個人風格,既有新古典意味的配器,亦有原始部落的敲擊,再配合了實驗性的電子音效設計,以及搖滾音樂節奏,成就了這新一代的星戰音樂風格。 樂器方面,作品中常用幾支不同音調的Bass Recorder,只有兩個音符的低音鋼琴音樂動機,便成為了主角每次登場時的主調,此外,亦有兩件70年代搖滾樂隊常用的電子樂器,Mellotron和Fender Rhodes,以及大量充滿exotic色彩的結他彈奏。此外,典型John Williams以銅管樂器威武進行曲作主調的管弦樂,亦令作品繼續與經典的星戰音樂對話。 據說,Ludwig Göransson創作此劇的配樂時,盡量以自己在家中的錄音室的一人樂隊包辦,來到製作第二季,因為社交隔離,難以邀請管弦樂團錄音,於是,這二季的配樂,個人演出的比重多了。而且,為了兩手準備,同一樂曲,就分別有獨腳戲和管弦樂兩組版本的編曲,這可能就是新一代作曲人優勝之處。

自己的歌自己派台,這是一個屬於Outliers的時代。

從老友袁智聰的面書得悉,HK01的「扭耳仔」突然死亡,他慨嘆,又一個寫音樂的地盤消失了。 翌日晚上,我湊巧在ClubHouse亂入,聽到了一班前「扭耳仔」員工的分享,聽得出,他們是如何熱愛這份可以推動音樂的工作。 只可惜,在香港,靠做音樂創作維生太難,靠做推廣音樂維生,更是難上加難。 大家都都有點唏噓,深感這麼多年來,大唱片公司大傳媒大台等的娛樂圈文化,都一直在扼殺了每一代的新晉音樂人的心血,也白費了許多想透過文字或媒體推動音樂的朋友們的努力。 唱片公司好、經理人公司也好,由從前很有資源到現在沒甚資源,卻以為可以繼續做其幕後玩家,仍然把精力花在操控頒獎典禮及流行榜的遊戲上。 很多時候,大家卻忘記了音樂的本質,就是每個時代都需要有代表那一個時代的聲音,小眾不小眾、動聽不動聽,為何總要被受人操控的頒獎典禮或流行榜決定? 實際一點說,到底歌手獲獎、歌曲上榜,真的是這麼重要嗎?當中有否直接幫到音樂人的音樂事業? 基本上,以上的老掉牙問題,無論是大台細台,實在有很多人還是循同一條生產線的模式,製作和推廣音樂,到頭來,轉來轉去,都只是原地踏步。 唱片公司或媒體老闆們的死症,就是很多還在努力地食老本,期望沿用同一條方程式,捧紅下一棵搖錢樹。 本地音樂市場跌進谷底,於是又有人就大聲疾呼,呼籲樂迷要支持本地音樂,但我覺得,本地音樂只是一個偽命題,有好音樂有新聲音,樂迷就自然會支持,那會理音樂本地不本地? 這個世代的樂迷,是屬於全世界的,他/她們上Spotify上Apple Music上KKBox上Tidal上YouTube,天大地大,音樂市場的競爭,老早已是全世界。 可惜的是,串流音樂的版稅太低,養活不到音樂人。 但這個時代,網絡及社交平台的商機無限,進入門檻甚低;製作音樂,成本亦不一定要像從前般高昂,有實力的話,發表歌曲,要成名,不需要再靠攏任何大機構;成名後,就可以自行找商業合作,不一定要有中介人。 雖然,我還是沒有明確的解決方案,我亦心知肚明,香港的生活成本太高,所以,我實在不忍心,隨便和大家說:「請努力加油」。 我只希望,如果大家真心喜歡音樂,請你繼續按自己的方式,做自己喜歡和音樂,以及和音樂相關的工作。 但你千萬不要參考其他人的所謂成功例子,前車並不可鑑,前車隨時只會堵塞道路。 樂壇只屬於樂迷,不是屬於唱片公司、流行榜、和音樂頒獎典禮,或甚至是任何傳媒機構。 這是一個屬於Outliers的時代,只要你有能力,始終會找到自己的出路。自己的樂壇,要自己創造。 最後,我亦期待,「扭耳仔」會以另一個形式,繼續在網絡世界,和大家相遇。

Guitar Calling 召喚全港結他英雄

上世紀的80年代初,香港曾經出現過一本《結他雜誌》,主腦人是黑鳥樂隊的郭達年先生,1982年,該雜誌舉辦過一次《Guitar Players Festival 結他大賽》,事後亦推出了一張專輯《香港結他比賽冠軍精英輯》,當中出現了的名字,包括了組成Beyond前的黃家駒、還是以獨立單非結他手身份出現的劉以達,以及現今已經是國際級的爵士結他手包以正。我還記得當日在Walkman聽到這專輯時的震撼,當時我赫然發現,原來香港樂壇有這些音樂高手和非主流聲音。 即使老一輩樂迷經常批評本地樂壇是如何一蟹不如一蟹,但我還是覺得,真正有能力的新一代樂手,因為吸收資訊與正規學習的渠道比從前多,再加上音樂科技上的普及,他/她們在音樂造詣和製作的能力上,只會一代比一代更青出於藍,最近經在聽《Guitar Calling》這張專輯,正正讓我感受到,老中青幾代的樂手,大家其實都一起在進步。 純音樂製作的本地專輯,非常罕有,更何況,這是以號召9位本地結他精英為主題的作品?這班來自不同背景年代的結他手,當中有著名的唱片製作幕後舵手、編曲和作曲人,也有新晉獨立樂隊的主音結他手,他們有一個共同點,就是全部都是技術派。 李小龍經典電影《Enter the Dragon》電結他前奏甫一響起,大家就會感到渾身是勁,Tommy Chan這趟向經典的致敬,更加入了大量的和弦改編及創新技術元素,結他、Hammond Organ和鼓的solo交戰,既熟悉又又新鮮感,令人聽得熱血沸騰。 《長髮》本來是Barry Chung本人作曲的90年代經典K歌,但這版本卻成為了一次由他一人分演多個結他手角色的結他大合唱,編曲充滿層次感,魚絲結他甜美得尤其令人聽出耳油。 光陰似箭,《刺客》原來是劉以達30多年前寫給譚詠麟的作品,這個全新結他版本,依然充滿達哥一貫的糜爛風格,Les Paul彈奏的主旋律,亦帶領我們到達一個迷幻境界。 樂隊觸執毛的Mike Orange,是我個人最欣賞新一代香港結他手,他選來80年代的《不羈的風》重新演譯,令我有點始料不及,原本的日系偶像曲風,居然可以變成這個炫技的搖滾流行版本。 Goro Wong用了大量結他音效演譯的《張氏情歌》,把原本陳奕迅滄桑悲情的聲音,變成一首動漫主題曲般的電子搖滾舞曲,很多你以為是電子合成器的聲音,原來都是電結他製造的音效。 崔展鴻把王菀之原作《畫意》的旋律,賦予了另一種人聲以外不可觸及的領域,結他的聲音,像充滿層次感的油彩,同一個旋律,卻調較出不同的色調和質感,音樂有畫面,充滿電影感。 又來一首陳奕迅的好歌,《白玫瑰》原曲是一首輕描淡寫Rock Ballad,Andrew Cheung卻把樂曲注入一股瘋狂的血,一支七弦電結他,加上重金屬搖滾的進擊節奏,熱血得令耳朵冒汗。 《荒蕪中起舞》是盧凱彤具有懷舊味道的輕搖滾歌曲,Jeff @Dusty Bottle和Tin Hang@ONE PROMISE兩位雙結他上陣,先以Flamingo結他啟動,然後再以Fender Strat電結他在副歌回應,再聯鼓花如浪花拍岸的鼓手Steffunn勳,你一邊聽,就會自自然然地舉起無形結他跟著揮舞。