音樂物語

日本熱血高校銀樂隊

不少香港家長把子女送去學樂器,可能以為這是考入名校的入場券,雖然,這是無可厚非的。 但學好一件樂器,同時能夠參加樂團的合奏鍛煉,我覺得才是重點所在。 因為,透過和同學間的互動和學習,這將會是一個一生只可經歷一次的成長過程,亦會為學生的將來,成就美好的回憶。 參加過中學銀樂隊的朋友都知道,一隊優秀的樂團,從來不會崇尚個人主義,每個人都要全力追求一體性的和諧聲音。 亦不會以輩份分高下,那管你是低年班還是高年班,男生女生,全部都是講求實力。 比寶礦力廣告更有青春活力的日本高校銀樂隊演出 一如高校棒球,日本高校銀樂隊也是小說及動漫題材之一,《吹響吧!上低音號》這套日本動畫,相信有不少喜歡動漫的朋友都有看過。 亦有點像高校棒球,日本高校銀樂隊,向來是全亞洲的最高指標,樂隊的培訓、比賽和演出,基本上,就已經孕育出一個全面的音樂產業。 就以專門為不同程度的學生,而作不同難度、不同級別的編曲的樂譜為例,除了經典演奏樂曲外,為了增加學生的投入程度,選曲也極之與時並進,這音樂出版業,相當蓬勃。 基本上,你可以想像一下,時下最新的上榜流行作品,包括動漫主題曲,幾乎都在推出的一兩個月內,就會有銀樂隊編曲的樂譜出版。 YouTube分享精彩演出 我發覺,近年多了日本高校銀樂隊,會把樂團演出的錄影放上YouTube,疫症期間,大家似乎亦變得更活躍,我個人也留意得更多。 譬如在大概半年前,日本動漫《鬼滅の刃》的主題曲《紅蓮華》,甫一推出,成為流行榜大熱,網絡上,很快就見到不同的日本高校銀樂隊的演奏錄影。 這些日本高校銀樂隊的流行曲演出,瀏覽數字,絕不下於原作版本,動不動都有數十萬,以下這一個版本的《紅蓮華》,更超過140萬。 紅蓮華 TVアニメ「鬼滅の刃」オープニングテーマ曲(紅蓮華 電視動畫「鬼滅の刃」開場曲) 日本高校銀樂隊的名校-習志野高校吹奏楽部 回想我念中學的時候,也曾經是學校銀樂隊的活躍分子,期間,我亦參加音統處的青年樂團當時,幸運的我,就有不止一次的機會,見識過日本高校銀樂隊的魅力,其中,令我最深印象的,就是《習志野高校吹奏楽部》。 她們的演出,絕對是莊諧並重,演奏古典音樂時有板有眼,兼收並蓄;演奏起流行歌曲時,卻又可以邊演奏時邊載歌載舞,展現出學生應有的青春活力的一面。 無論是任何拍子、速度,節奏齊齊整整已是基本,最大的特色,是每個樂器聲部所發出的聲音,以及每個個人的音色,都相當接近,幾乎像是同一個人在重疊演奏,坐在樂隊席每一個位置的,沒有一個人,只有一隊人。 日本人凡事一絲不苟的認真,也直接反映在這些高校銀樂隊的演出之上,她們不是技術競技、亦不是鬥大聲,而是講求合奏時的完美和諧性,以及一致性。 《習志野高校吹奏楽部》在日本享負盛名,是明星級的學界樂隊,除了會參與全國的比賽和演出,間中更會在電視廣告,甚至是流行歌曲作品中出現。 學界樂壇新貴-大阪桐蔭高校吹奏楽部 除了《習志野高校吹奏楽部》,最近,我也經常留意《大阪桐蔭高校吹奏楽部》,這一隊曾經囊括四屆全國金獎的日本高校銀樂隊的YouTube頻道。 除了好些棒球賽應援、節日演出,以及一些音樂比賽的現場表演外,她們也會定期把一些在音樂室的排練演出,上載到這個YouTube頻道。 相信是因場地關係,這類演出的樂團體制,一般是30-40人左右,不會像運動會步操時般大陣仗,因此,音量亦來得收放自如。 她們在旋律的演繹,十分仔細,聲音細膩,溫暖而甜美,不會流於一般學生銀樂隊常見的粗枝大葉,頻頻爆聲這問題。 聽她們的演出,你很難不被那股充滿陽光感的青春氣息感染,如果你今天感到納悶,不妨就聽一聽以下我為大家選來的兩套名曲大串燒的演出曲,相信你一定會被這股熱血高校的管樂聲音,令你悶氣全消。 日本を勇気づける名曲メドレー (日本勵志名曲大串燒) 2020年ヒット曲をメドレーで繋いでみた(2020年日本熱門歌曲大串燒)

平成出生音樂人第一人

米津玄師《Stray Sheep》 聽米津玄師的歌,每一拍、每一顆音符,你總能夠感受到他近乎耗盡身上每一分精力的能量、毫無保留地投入的感情。 米津歌曲的旋律,表面上很大眾化的,但仍不失好些突如其來的移形換影,令人難以捉摸。當自以為是K歌之王的你以為可以跟得上,但誰知,除了轉調的位置神出鬼沒,輕描淡寫地飆上高音域的旋律,也會殺過你措手不及,這位音樂人,能量值,極高。 因此,一眾平成時代的日本音樂人之中,我幾乎可以一口咬定,米津就是當中最出色的一位。雖然其貌不揚,有點像名典型宅男,但本人卻是一名出色的舞者,並且曲、詞、編、製作可一手包辦,但實質上,他大學的本科是設計,他也畫得一手好插畫。 事實上,米津的出道,已經超過十年,當初以VOCALOID音樂軟件,配合虛擬角色Hachi這身份發表作品,到後期跳出動畫角色,以真實姓名米津玄師及真面目發片,2016年轉會到Sony,推出大賣兼備受好評的第四張個人專輯《BOOTLEG》,之後又主唱了人氣日劇《UNNATURAL》的主題歌《Lemon》,下載銷售超過250萬,迅速爆紅,正式成功晉升為一名「入屋」歌手,出席紅白歌合戰。 《Stray Sheep》是米津的第五張個人專輯,有一半以上的歌曲都像是主打單曲,包括上述的神作《Lemon》,這是一首有關懷念陰陽相隔的至親的哀歌,是劇情需要,也是米津的個人體會,米津以一副近乎是哭腔的手法演繹副歌,如泣似訴,情感澎湃。 《感電》是另一套大熱日劇《MIU404》的主題歌,風格走略偏鋒的電子爵士搖滾,旋律朗朗上口,是充滿他個人特色的上山下海的廣闊音域,節奏感令人聞歌起舞,充滿爆炸力。 說起奇特的節奏感,專輯中的《Flamingo》,同樣令人身軀無法停止晃動,見音樂錄影中米津像脫骹中行走的古怪舞步,低音結他的funky副旋律節奏,樂曲在編曲上之豐富,令人「耳」不暇給。 《Paprika》本來是應NHK2020邀約的作品,是東京奧運會的應援歌,原本是一首陽光的兒歌,今次由米津重新演譯,打造了一副同樣充滿赤子之心的日本民謠曲風情懷,我特別喜歡此曲副歌的轉調部分,令此曲增添一點不平凡的感覺。 《馬と鹿》又是另一套日劇《No Side Game》主題曲,作品旋律極之大氣,副歌部分的弦樂及戰鼓推進至歌曲高潮,你可以聽到米津無論在寫旋律及編曲上技巧的揮灑自如,驟聽起來似輕描淡寫,但細聽卻發覺是佈局細膩。 專輯主題曲《Stray Sheep》,是一首曲風帶點Cyberpunk意味的歌曲,首段的機械式鋼琴及電結他電子節奏,不協調中令人感到浮躁不安,但意想不到的,就是來到副歌卻來一個大和解,是一首略帶實驗意味的作品。

維也納靡靡之音的電影交響夢

John Williams In Vienna | John Williams/ Anne-Sophie Mutter/ Wiener Philharmoniker 「John Williams本人的主樂器究竟是什麼?為何他對我們每件樂器的特性都瞭如指掌?」 曾經坐在樂團裡,作為小號組席上成員之一的我,演出既畢,與其他樂器組的團員交流,赫然發現,原來大家都有類似感覺。 無論是史詩式科幻巨著、敘述大時代的大電影、或者是合家歡的童話故事,除了賺人熱淚、威武輝煌的大旋律,大師的管弦樂配器功力更是深厚,令樂團裡演奏其作品的樂手們,往往更能盡展所長,全力以赴,沒有躲懶的空間,是一個很暢快的演奏體驗。 演繹大師的電影音樂作品的錄音,多如恆河沙數,但對於樂迷來說,卻是多十張都不嫌多,更何況,今次這一套錄音,是由大師親自領軍,指揮Vienna Philharmonic Orchestra,還有Anne-Sophie Mutter施展出如Carmen Fantasy般的炫技功架,協奏了其中七首作品。 這其實是今年一月的現場錄音,視頻較早前已在網絡上出現,我第一首看/聽到的,是Empire Strick Back的主題曲,樂曲響起,我見大師在指揮時面露驚喜的滿意笑容,在螢幕前的我,也發出會心微笑。 Imperial March這作品,要突出黑武士的歹角角色,節奏上有股步步進逼、令人喘不過氣來的氣場,銅管樂組演奏的主旋律,也相當霸氣。而有趣的是,今次來到維也納金色大廳這演出場地,此曲竟然有一股威武的帝王魅力,每組樂器的成員,即使是擔綱主旋律的,都沒有顧住搶閘,反而,樂團有一股兼收並蓄的凝聚力,令眾人發出更具群體震撼的爆炸力。 古典樂迷一定知道,該樂團獨有的“Vienna sound”,除了來自樂團傳統的溫暖、飽滿,以及華麗得來卻帶點內斂的演奏風格之外,樂手使用的傳統歐洲風樂器,更能塑造出一種獨特的聲音。從一眼就可以看出構造上大不同的rotary trumpet和Viennese horn,還有採用傳統工藝製造的Viennese oboes等等,以至是定音鼓等,一一都成就了獨特的“Vienna sound”。  留意一下Jurassic Park的主題曲,你就會深深體會到,Viennese horn的聲音,是可以如何甜美如柔軟的蜜糖,樂團的壯麗演繹,亦重新賦予這首作品一個第二生命。 部份由Anne-Sophie Mutter獨奏的作品,其實已經在另一張專輯中出現過,可是,單單是聽到Harry Potter主題曲的這個“Vienna sound”的版本,琴弓在弦線上的瘋狂飛舞,樂團施展出的交響樂魔法,又馬上令人想再三安歌。 為擁有60年作曲生涯的大師選曲,並且要收錄在同一場音樂會內或一套專輯內,實在是一項不可能的任務,所以,我肯定總有一兩首你期待卻沒有出現的作品,打算入手的話,我會推薦有19首作品的Deluxe版本,“Vienna sound”的魅力,加上John Williams作品的這個配搭,實在是非同凡響。

在家做音樂是件幸福事

盧冠廷的家居音樂習作《HOMEWORK》 我相信,大部人都總會是不安於室的。 畢竟,長時間留在家裡,沒機會到外面逛一逛,吸一口新鮮空氣的話,即使互聯網再發達,我們的生命軌跡,很容易會脫離這世界的現實。 可是,近期的連串事件,令我們又有重新的體會,我們開始嘗試,如何習慣安於蝸居之內,繼續進行如常的工作和生活,甚至乎,在社交距離的規限下,尋找新的生活模式。 我們的生產力,沒有因家居隔離而停下來,我們與外面世界的聯繫,人與人之間的互動,又展開了另一種模式的作業常態。 譬如,最近我便見到我有一些音樂圈的朋友,開始進行遙距錄音製作,加拿大和香港兩地,不同時區,相隔兩地,音樂卻可同步。 有趣的是,原來,在疫情前的一段日子,礙於社會事件關係,盧冠廷也早已展開了他的居家音樂企劃,把錄音室的器材與樂手,一一搬到自己的家裡。 看製作特輯的片段,見到他和一眾樂手在他家的客廳,穿著拖鞋,一起夾音樂,歌曲全部都是一Take錄音,營造出一種現場演出獨有的氣氛,一股無拘無束的空氣氛圍。 我見到有網友批評他「食老本」,但畢竟盧冠廷算是一名量產型的作曲人,雖然我沒有做過統計,亦不知道盧冠廷出版過的作品,究竟有多少首,但相信數字應該是數以百計,即使翻唱自己的作品,真的要「食老本」的話,亦可以有排食。 我從來不覺得所謂的「食老本」有什麼問題,我反而覺得,一首好歌只演繹一次的話,實在是太可惜。同一首作品,如果由原作者,在不同的人生階段再次演繹,聆聽的感覺又會往往是兩碼子的事。 盧冠廷今年快將踏入70歲,但不要以為,他會只會以一派鉛華盡洗、從容隨意的手法,演繹自己的舊作。 反而,當我拿他80年代的舊錄音作比較,今時今日的他,嗓音反而更具爆炸力、演繹造句時的節奏感,更緊湊更洗練。 他就像是一名閉關練功多年的音樂真人,如今功力更加高深莫測、並且揮灑自如,除了歌唱技巧大躍進,從前我更是真的沒察覺到,他的結他技術,原來也相當狠辣。 《果子》可說是盧冠廷作品的滄海遺珠,葉振棠當年的演繹,今次這個鄉謠曲風版本的編曲,配合上童聲的演唱的counter melody,來得更令人感到如沐清風,雖然並非原key演繹,但最後一段的吟唱,高音域部分嘹亮清澈,歌唱技巧非常洗練。 《逝去的心》是盧冠廷的原唱作品,今次以一隊弦樂四重奏、木結他,以及簡單的人聲和唱重新演繹,編曲及結他都是盧盧一手包辦,情感來得更加細膩動人,有如呷一口辛辣中蘊含芳香醇和的威士忌,這首歌,建議不要只在耳筒聆聽,一定要在揚聲器播放出來,讓歌聲和樂器聲融和在空氣中的感覺,甚是令人陶醉。 《天變地變情不變》是初出道時期的張學友的名曲,當時的戇直青年,有點稚氣,這個2020年的版本,在這個大時代出現,調性忽爾變得陰暗無光,「明日會點?」這個問題唱出來,由弦樂組作出回應,卻有點點的無力感,但當大家都習慣了改變,一切卻又可以來得坦然無懼。 《快樂老實人》本身已是一首神曲,想當年第一次聽到,我已經馬上被chorus的豪邁氣派,打動得毛管直豎,然後那段由黃安源演奏的二胡solo,更是令我百聽不厭。今次的重新編曲,盧冠廷由一名市井小人物,搖身一變,成為了飛奔大漠中、策騎著一匹駿馬的蒙古勇士,二胡亦換來了馬頭琴,歌曲明顯變得更為粗獷豪邁,最後一段的民族風吟唱,更加突破了盧盧的歌唱風格,技巧上亦充滿爆炸力,這個版本的編曲人伍卓賢,實在有應記一功。 《天籟…星河傳說》這個新版本,有種淡淡然的味道,氣場亦顯得收斂了。可能是我先入為主的偏見,我還是覺得編曲上難以超越關正傑的版本,當然,當年Tony A的編曲實在亦是前無古人。 《地老天荒》當年是一首大路的K歌,原曲由關淑怡演唱。盧冠廷今次的重新編曲,鄉謠曲風的提琴、手風琴、木結他,我幻想在某個一望無際的山嶺上,遙望遠方,令人有種令人驀然回首的滄桑感覺,一下子間,你會忘記了那首經常在卡拉OK房被點唱原曲。 《緣盡》是一首劉德華的經典華Dee歌曲,盧冠廷以一把飽歷風霜的嗓音重新演繹,並請略帶少許華Dee腔調,歌曲的編曲亦變成了folk rock,小提琴穿插結他,鄉謠搖滾的曲風,接近Bruce Springsteen的調調,這是專輯中我個人覺得最有驚喜的演繹。 《十四噸空虛》當年收錄在《過路人》專輯內,我第一次聽到廣東歌居然有如此「草根藍調」風格的時候,有點像聽到一個外國人在唱廣東話,實在嚇了一跳,而正所謂Blues愈老愈辣,我覺得這個版本的新瓶舊酒,令這瓶舊酒,變得更辛辣,更令人聽得痛快。 《長伴千世紀》當年是寫給陳百強的作品,原唱的演繹有種純真率直的氣息,有趣的是,由80年代,跨越了數十年,這首歌的那份真摯情感,好像歷久彌新。我好像聽到面帶微笑的陳百強的聲線,隱約埋藏在盧冠廷的歌聲裡,我實在太喜歡那個不徐不疾6/8節奏的旋律,那個副歌是會聽上癮的。 《突破自我》是一首典型的90年代大合唱歌,當年由一眾滾石歌手李宗盛、盧冠廷、黃耀明、辛曉琪、袁鳳瑛合唱,今次找來環球新生代一批歌手,包括陳凱詠(Jace)、涂毓麟(Oscar)、ONE PROMISE主音文廸和Dusty Bottle主音Kerryta,合唱部分感覺充滿陽光溫暖,一下子間,盧冠廷的歌聲也好像回到從前,變得年輕起來。

16歲的爵士世界 | Joey Alexander

據說,莫札特在5歲的時候,就已經寫了他的第一首作品,那是一首G大調小步舞曲。 其實,每一項優秀的傳統,都需要有新一代的傳承者,他/她們在努力地把傳統傳承下去之餘,亦肩負起讓同輩認識傳統的責任。 但有趣的是,有一些傳承者,他/她們的天賦就好像是與生俱來,年紀輕輕,命運就委託他/她,擔綱係守護傳統的使命。 除了莫札特,我想所說的是,本文要介紹的Joey Alexander。 Joey Alexander是當今國際爵士樂壇一個閃亮亮的名字,但8歲初出道,9歲登上國際舞台,今年才只有16歲,卻已經推出了6張個人專輯,他演奏的,主要是新派的古典爵士樂。 更有趣的是,他並非來自爵士音樂發源地的西方國度,他是土生土長,來自峇里島的一個印尼家庭。  幸運是,他有位爵士音樂發燒友的爸爸,從小就給他聆聽非靡靡之音的hardcore傳統爵士樂。 Thelonious Monk、John Coltrane、Bill Evans和Herbie Hancock等等的音樂,才6歲的Joey Alexander就已經聽得滾瓜爛熟,聽得雀躍之餘,他便開始在爸爸送給他的一台迷你電子琴鍵上,單憑耳朵牢記,便可以模仿彈奏出Thelonious Monk經典名作《Well, You Needn’t》的旋律。 老爸知道此子絕非池中物,於是馬上給他好好培養。為了他的音樂教育,Joey Alexander的爸爸決定舉家由峇里島,搬到印尼首都雅加達,讓他有機會接觸到更多優秀的爵士音樂人。 大家可能有所不知,印尼雅加達是國際爵士音樂的重要城市之一,每年都有多個大小型的世界級爵士音樂節在這舉行。 同時,正好因為這個原因,因緣際會,8歲那一年,Joey Alexander便有幸在雅加達某音樂節中,遇上了一代爵士琴鍵大師Herbie Hancock,並受到他的鼓勵,決意投入成為全職爵士音樂人。   只有9歲,Joey Alexander已參加Master-Jam Festival,在台上與來自17個國家的43名頂尖爵士樂手,互相切磋較量,最後,他獲得了當年的Grand Prix全場大獎。 一年後,為了讓兒子成材,Joey Alexander舉家再次搬遷,但今次這一站,是美國紐約,那一年,他才只是10歲。 少年時代同樣是音樂神童,如今已是爵士音樂大師的Wynton Marsalis,無意中在YouTube發現了Joey Alexander的演奏,同時間,Marsalis又得悉他已經人在紐約,於是,便馬上邀請他出席Jazz at Lincoln Center的音樂會。 Marsalis是Jazz at Lincoln Center的話事人,同時亦是致力推廣和捍衛傳統爵士音樂的文化對手。因此,Joey Alexander這個在美國初試啼聲的演出,可說是為他打開了國際爵士樂壇的康莊大道。 音樂會上,Joey Alexander以細膩的技巧,糅合了既古典、亦有現代即興旋律與和弦變化的觸感,演繹了他「兒時」偶像Thelonious Monk的經典名作《Round Midnight》,馬上技驚四座。 他除了獲得報章如The New York Times,爵士雜誌Down Beat等刊物中,有名奄尖的樂評人們一致盛讚,就連前美國總統Bill Clinton,以及荷里活名嘴兼名演員Billy Crystal,都一一對他公開讚揚,並揚言自己是這位音樂神童的粉絲。 在Jazz at Lincoln …

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我總是想像你離開後的日子

由Netflix 紀錄片A Secret Love聯想到何韻詩的歌 那天晚上,我在公司加班,晚了一點回家,回到家裡,見到坐在沙發、兩眼通紅的太太,正在看Netflix。 電視正在播放一套名為《A Secret Love》的Netflix製作紀錄片,於是,我就靜靜地坐下來,陪她把這套紀錄片看完。 與其說這是一套紀錄片,不如說它其實是一個美麗的愛情故事。 故事講述一對相處了超過半個世紀(接近70年)的戀人Terry和Pat,因為社會的制度、世俗的枷鎖,以及家人的無形壓力,一直把二人的關係收藏起來。 40年代以至60年代的美國社會,恐同情況仍相當嚴重,有不少人,會因此而受到欺凌、排擠、找不到工作,甚至是生命威脅。 Terry和Pat原籍加拿大,40年初,Terry隻身來到美國,加入了女子棒球大聯盟。 話說美國參與二次大戰期間,不少男丁去了參軍,更有不少戰死在沙場,美國棒球大聯盟的賽事因而癱瘓。 但美國人熱愛棒球的熱情未減,於是,有棒球大聯盟班主建議,不如搞女子棒球大聯盟。 由初時球迷對她們的冷眼對待,到後來發覺原來巾幗不讓鬚眉,大家開始都看得熱情投入,並且對她們另眼相看。 可惜,到二次大戰結束,女子棒球大聯盟亦被解散,而這些女子棒球手,亦結束了她們短暫的職業生涯。 這段後來為人津津樂道的故事,後來亦被拍成電影《A League of Their Own》,由Tom Hanks、Geena Davis及Madonna主演。 香港上畫時,戲名是《驕陽歲月》,台灣則為《紅粉聯盟》,兩個戲名都翻譯得不知所謂,可能因為這樣,令很多人都錯過了這齣好戲。 說回Terry和Pat,Terry的職業棒球員的生涯結束後,二人繼續留在美國生活。但仍然隱藏著她倆的戀人關係,她們只告訴家人,兩個女孩在美國人生路不熟,一起生活會比較安全。 如是者,這段秘密戀人關係,一直維持了65年。 當Terry和Pat雙雙都步入晚年,Terry更患上柏金遜,行動愈來愈不方便,相對年輕的Pat,雖然仍對她呵護備至,只可惜,她自己的身體亦逐漸走下坡。 為了不想留下遺憾,二人決定把一直隱藏的戀人關係,告知她們的家人。 事前,二人心情一直忐忑,直至把關係公開後,才赫然發現,原來她們大部分的至愛親朋,都能夠開懷接受,並且為她祝福,二人終於可以釋懷。 於是,這兩位80多歲的古稀老人,在家人的見證下,正式舉行婚禮。 故事還在繼續,我暫且說到這裡,留待大家自行欣賞。 「如果我們其中一個先離開了,留下來的那一個,會是怎麼樣?」 當你和生命中的另一半,共同相處了一段日子後,你總難免會開始思考這個問題。 一段美好的關係沉澱後,你可能會漸漸體會到,兩個人走在一起,是緣份。 我們要好好珍惜每一分每一秒的共處,因為,距離其中一個先要離去的日子,每一刻都在倒數。 事有湊巧,看完這套紀錄片後的一天,YouTube向我推薦了何韻詩的新歌《我總是想像你離開後的日子》。 向來性格像鋼鐵的何韻詩,來了一次少見的脆弱,但歌曲卻見情感細膩真摯,令人感動。 我們都是一個人來到這世界,幸福的話,我們會遇上了生命中的另一半。 但終有一天,我們其中一個都會先離開,然後,留下來的那一個,就要一個人獨自離開。 這套紀錄片和這首歌,我都想向大家推介,希望你會喜歡,我亦誠心祝福你,能夠遇上你生命中的另一半,然後一起天長地久下去。 《我總是想像你離開後的日子》 | 何韻詩 曲:Kiri T 詞:方迦南@goomusic 編:Kiri T 監:Kiri T / hocc@goomusic 以後的清晨沒有你的吻 以後的咖啡不再一樣 只有你很在意的小事情 …

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久石讓的電影音樂夢

「電影配樂就是電影的靈魂哦。」 每一次,當我坐在戲院內,電影配樂的悠揚樂韻響起,伴隨著視覺上美不勝收的畫面時,我的腦海內,就會出現這個想法,而不止一次令我有這個感受的,就是久石讓的配樂。 21套宮崎駿動畫經典,Netflix一口氣重溫 最近,Netflix把21套宮崎駿的動畫電影系列上架,一下子間,讓大家重溫了不少老師的名作,當中有經典的,也有些是較為小眾的。 我期望,繼宮崎駿老師的作品之後,Netflix也會把北野武的經典舊作,一口氣上架。 也許你會問,除了大家都是日本名電影製作人,一位動畫界、一位導演及演員界,到底宮崎駿和北野武兩者間的共同點在那裡? 久石讓與北野武 以電影結緣音樂 事實上,兩位大師,與電影配樂作曲家久石讓,都是長期合作夥伴。 提起久石讓,相信大部人只會聯想起宮崎駿,我也一樣。但後來,我看了北野武的《花火》(1997),才赫然發現,久石讓原來並非是宮崎駿的獨家指定配樂人。 很多人認為久石讓與宮崎駿二人的作品,是天作之合,這點我也同意。但如果你認為久石讓只會把自己最好的交給宮崎駿,我覺得,這可能只是大家的一廂情願。 事實上,久石讓的音樂旋律,配在北野武的唯美暴力畫面內,居然又會產生出另一種情緒複雜的化學作用。 翻查紀錄才記起,大概是公元2000年前左右吧,當你以為北野武凡事只會訴諸暴力,他卻冷不防拍了一齣溫情小品《菊次郎之夏》(1999),那首主題曲的優美旋律,既帶點兒歌色彩的天真爛漫,同時又充滿溫馨感,於是,馬上攻陷了不少聽眾的心。 那段日子,打開收音機,DJ們都好像手到拿來,總喜歡把這首主題曲,用作劇場版獨白的配樂。 後來再翻查紀錄,我才知道,原來由《那年夏天,寧靜的海》(1991) 開始,北野武已經和久石讓多次合作。 就連北野武電影工作室的片頭音樂,都是出自久石讓的手筆。 除了上述作品,《北野武奏鳴曲》(1993)、《壞孩子的天空》(1996)、《大佬》(2000)等等,都是二人在電影及配樂交流的經典作。 我曾經擁有過一張《Joe Hisaishi Meets Kitano Films》的專輯,本來長期放在公司享受,可惜某天給某個同事借走了,之後就一去沒回頭了(如果現在正閱這篇文章的你就是這位仁兄,我想告訴你,我記得你是誰哦)。 這是一張很棒的精選專輯,收錄了上述所有北野武和久石讓曾經合作的電影配樂。 幸而,久石讓的作品,經常被反覆地重新演繹及灌錄,包括久石讓本人,純鋼琴、管弦樂、電子音樂配管弦樂等等,形形色色,精選專輯更是不勝枚舉。 今年69歲,過去十年,久石讓醉心於更多的管弦樂團的現場出現,除了擔綱鋼琴師,亦踏上指揮台,個人的作品以外,亦灌錄了全套貝多芬的交響樂,作為一名學習古典音樂出身的音樂人,相信是了自己一個心願吧。 要搜羅久石讓的新曲加精選的作品集,選擇太多,可以是一件很疲憊的事,幸好,他新灌錄的專輯,又好像源源不絕,就像最近推出的雙CD專輯《Dream Songs: The Essential Joe Hisaishi》,肯定是近年最值得收藏的一套。 這套專輯並非一般精選作品集這麼簡單,28首歌曲,有差不多一半,都是經過重新編曲的新版演繹。 第一張CD以鋼琴及大型編製的管弦樂團為主調,參與演出的,除了久石讓本人,還有他和他近年演出頻頻的新日本愛樂World Dream交響樂團,以及曾參與無數古典及電影配樂演出的倫敦交響樂團。 由鋼琴以幾個引人入勝的和弦展開,動畫電影《千與千尋》的主題曲,立即為這套專輯揭開了一個如夢幻般的序幕。 緊接著出場的,就有《魔女宅急便》女主角的主題旋律,大家相信都已經對這首歌曲耳熟能詳,久石讓刻意把原本的旋律略作修飾,加上裝飾音,鋼琴與小提琴的對話,尤其溫馨動人。 弦樂組撥奏把我們從動畫世界,帶到了《菊次郎之夏》的電影銀幕,這是一個很獨特的重新編曲,令人既熟悉,又有一點新鮮感,弦樂組與木管樂組的音樂對答,與鋼琴敲起的旋律伴隨,亦產生了微妙的化學作用。 我個人對《飛天紅豬俠》這齣宮崎駿作品印象一般,但這裡兩個音軌的管弦樂組曲,卻令我對此作產生了想要重看的衝動。此外,同樣是管弦樂交響詩般的大氣作品,《幽靈公主》又是如此地蕩氣迴腸,扣人心弦。 《那年夏天,寧靜的海》這電影配樂聽過無數次,是久石讓近年相對較少的配器曲式,前奏用上了電子音樂,同時亦配上管弦樂的伴奏,以及人聲的和唱。 回味了這麼多首舊作,令我最有感覺的,反而是電影《禮儀師》的配樂組曲。悠揚的大提琴旋律,如電影中對逝去者致敬的告別式,聽時真的令人有鼻子發酸的感覺,歌曲的中段,弦樂的大旋律繼續賺人熱淚,然後又把聽眾的情緒推進,同一個主旋律奏出充滿希望的聲音,幕幕感人的電影場面再次出現,這就是電影配樂的神奇魔法。 久石讓的電影配樂,就是《天空之城》中的魔法石 第二張CD的主角依然是鋼琴,但樂團換來編製相對較小的室樂團。部分歌曲,相信是選輯自其他較早前的電影配樂錄音,其中包括《壞孩子的天空》。 久石讓亦以純鋼琴幻想曲的曲式,重新演繹了《風之谷》、《天空之城》和《花火》等好幾首的經典,一一皆爲感動人心的作品。 而我個人的宮崎駿電影主題曲私房歌,一定要數《哈爾移動城堡》的主題曲,這首充滿浪漫歐陸風情的作品,以鋼琴配弦樂室樂團的演繹,三拍子的小步舞曲節奏,如電影中隨風移動的城堡,單憑聲音,已令人感到歷歷在目。 「電影配樂就是電影的靈魂哦。」 每一次,當我坐在戲院內,電影配樂的悠揚樂韻響起,伴隨著視覺上美不勝收的畫面時,我的腦海內,就會出現這個想法,而不止一次令我有這個感受的,就是久石讓的配樂。 與其說久石讓是一名電影配樂師,不如說他是一名音樂魔法師,他筆下的音符,其實就是《天空之城》內的魔法石,能夠一石激起我們心中情感的無限漣漪,電影未必可以讓你再三回味,但電影音樂卻可以。

致我已逝去的少年時代

幾乎每個地方的流行樂壇,每隔一段時間,就會推出一些致敬專輯,向德高望重的樂壇前輩致敬。 因為個人喜歡日本流行樂,所以我有點私心,總覺得,日本流行樂壇的致敬專輯,份外動聽。 除了是因為致敬的單位星光熠熠,跨越幾個世代,有前輩、同輩、也有後輩,更重要的是,那些被致敬的,即使隨時縱橫樂壇達半個世紀、即使應該老早上了岸,可是,他/她卻好像從來沒有離開過大家,多年來,年中無休地,依然在台上發光發熱,未有過著養尊處優的退休生活。 亦可能因為是這樣,他/她們的作品,永遠能夠做到真正的跨世代,而並非僅僅是某個年代某個時空的朋友才有共鳴。 80年代還是年輕人的樂迷,大概也聽過,當年紅極一時的樂隊安全地帶。 不說可能不知,安全地帶正式作樂隊出道前,曾經擔綱井上陽水的伴奏樂隊。 到了今天,相信安全地帶已經到了有資格被致敬的叔父輩,可想而知,井上陽水又會是那一個級數和輩份的大人物。 有趣的是,我是未聽其歌曲先認得其人,井上陽水的潮州怒漢爆炸頭配墨鏡加露齒笑容,造型50年不變,形象相當鮮明,經常在日本綜藝節目被搞笑藝人惡搞。 事實上,在日本樂壇,他是數一數二的全能創作人,曲詞皆精,亦可邊彈結他邊演唱,就連Spotify上對他的描述,也是專稱他為日本樂壇的Bob Dylan。 雖然是唱傳統日本演歌出身,但卻成為了一名Rocker。井上陽水所創作的旋律,既有鄉謠搖滾味,也間中帶點funk rock及藍調韻味。 除了是音樂人,他更是日本一代詞人,名作《酒紅色的心》和《眼淚不是裝飾品》,單單是歌名已經充滿畫面,饒富詩意,亦是不少教授日語的常用教材之一。 繼安全地帶之後,最近,井上陽水的專輯,也紛紛在各大串流音樂平台上架,讓大家可以一口氣回顧他由70年代至近年的新作。 當然,或多或少,這和紀念井上陽水樂壇出道50年有關。 最近亦無意中看到,日本潮流雜誌PEN的5月號,是井上陽水封面故事的完全保存版。 整期雜誌,超過四分之三,數十頁的篇幅,如數家珍地,除了把他加入樂壇50年來的作品,來了一次大回顧,也邀請了不同的音樂人、樂評家、學術界中人,逐一來品評他著名作品的旋律和歌詞。 我雖然不諳日語,單單是逐頁去揭,單單看圖猜測意思,已經讀得趣味盎然。 加入樂壇50年,致敬專輯當然不少了,井上陽水亦不是第一次被致敬,十多年前已經有一張卡士強勁的致敬專輯。 今次的致敬單位,陣容依然非常鼎盛,宇多田光、椎名林檎、福山雅治、槙原敬之、細野晴臣這幾個名字已經足夠令人入場湊熱鬧,當然,也少不了一些較為年輕一輩的單位,當中包括King Gnu和Yorushika等等。 大部份歌曲的旋律,大家可以已老早耳熟能詳,因此,每個單位亦不敢怠慢,施展出渾身解數,在編曲和演繹上全力發功,務求給大家一個截然不同的感受。 那一個早上,我在前往銀行的路途上,耳筒裡正好播著這張井上陽水致敬專輯,當宇多田光演繹名作「少年時代」響起一刻,我感到旋律實在是太動聽,於是,我稍稍把腳步放慢一點,把這3分55秒的「少年時代」享受完畢,才緩緩地步入銀行。 「梁先生,你打算幾時退休?」 當我處理完我慣常的私人財務工作後,客戶經理如是這樣地問我。 我赫然發覺,我的「少年時代」時代,原來已是那麼的遙遠的事情。 我出來社會工作,已踏入第28年個年頭,這些年來,我除了每天努力工作,即使我有點儲蓄計劃,但我卻從來沒有為自己的退休生活,定下一個確實的日子。 我想起了今年70歲的井上陽水,入行50年,今天還在寫寫唱唱。 只要一天還有客戶願意找我替他們辦事,還有同事願意和我並肩作戰,可以的話,我真的希望可以繼續做下去。 有些朋友總羨慕人家優哉游哉的退休生活,我反而嚮往著,可以繼續過著不退又不休,永不停步的生活。

日本長青新音樂女王 | 竹內瑪利亞

80年代美好時光 如果你說,竹內瑪利亞的歌曲代表了80年代的日本美好時光,我相信,很多今天還在聽著她的歌的樂迷,他/她們的心境,依然還是活在那個陽光燦爛的年代。 她的歌聲,總令我聯想係已故的Karen Carpenter,嗓音響亮,溫柔而充滿能量,能夠用歌聲撫慰人心,就是這種的聲音。 由初期的國民美少女包裝,到後來轉型為實力派創作女歌手,70年代初期,竹內瑪利亞背後的創作團隊,除了夫君山下達郎,名單上出現過的名字,還有杉真理、铃木茂、坂本龍一、細野晴臣、高橋幸宏、大貫妙子、矢野顯子等等,清一色都是日本新音樂界的高手。 由國民美少女轉型創作女歌手 我第一張入手的竹內瑪利亞專輯,是1980年推出的《Miss M》。此專輯遠赴美國洛杉磯製作,音樂團隊包括了金牌監製David Foster、Toto樂隊的鐵三角Jeff Porcaro、David Hungate和Steve Lukather,當時所謂的Adult Contemporary剛剛在美國西岸興起,Jazz Fusion Rock的製作班底,配合日本流行曲的旋律,當年算是一個大膽的嘗試。 除了音樂班底實力雄厚,竹內瑪利亞個人也是曲詞皆精,亦彈得一手好結他,加上清新脫俗的外型,的確是樂壇難得的才女。 值得留意,山下達郎除了擔任她的唱片監製,更參與了大部分的編曲以及和音的工作,山下達郎式一人分飾多個聲部的和音風格,亦貫穿在大部分竹內瑪利亞的作品之內。 《もう一度(再來一次)》、《告白》、《Single Again》、《元気を出して(振作起來)》、《After Years》、《天使のため息(天使嘆息)》和《Camouflage》等等我的心水歌單,雖然並非每一首都是大熱作品,但每首歌的山下達郎風格,就像是只此一家的親筆簽名一樣,是天衣無縫的完美配搭。 作風低調但創作活躍 今年已經64歲,出道樂壇足足40年,可是,過去20多年,外間對她的印象,總以為她一直處於半退隱狀態。 但事實上,向來作風低調的她,和她的丈夫山下達郎一樣,顯然只是不特別享受藝能界幕前生活,只喜歡埋首專注做音樂。 間中,他們二人都會分別或合作推出新作品、主唱日劇主題曲,或甚至是為其他歌手作曲作詞,只不過,在電視綜藝節目或其他與音樂無關的活動,他們兩夫婦都是零蹤跡。 我間中只會在日本雜誌,以及網絡上看到她現場演出的照片,見她的衣著,多年來,都依然是實而不華,像一名70年代的鄉謠歌手,站在竹內瑪利亞背後,又經常會見到正在落力地結他伴奏的山下達郎,婦唱夫隨。 有關她與山下達郎同台現場演出的錄像,非但從來沒有公開以DVD或Bluray等任何形式發行,在YouTube當然就連bootleg也找不到。 唯一一次破例,是2018年,她只招待粉絲,在戲院中播放過一段極短時間的《souvenir the movie 〜MARIYA TAKEUCHI Theater Live〜》,之後,此音樂會只有以CD專輯形式發行。 Plastic Love因YouTube而成為歐美流行作品 但有趣的是,竹內瑪利亞的作品,來到互聯網時代,拜YouTube所賜,卻不斷被新一代的歌迷發掘,她的部分作品,不斷被網友二次創作或重新混音,小眾來得,逐漸變得愈來愈大眾。 1984年收錄在她的專輯《VARIETY》內一曲《Plastic Love》,更加是成為了近年備受追捧的日系City Pop洗腦神曲,典型山下達郎的funky pop rock編曲手法,電結他的節奏及旋律,都發揮了神奇魔力,賦予此曲一個永不過時的魅力,更神奇的是,除了日本,此曲亦吸引了不少歐美哈日樂迷的青睞。 2019年趁專輯推出35週年,《VARIETY》再次被重新發行,並找來了新生代視覺藝術家、廣告導演林響太朗操刀,為《Plastic Love》拍攝宣傳MV,令此曲再次登上流行榜首。 日本樂迷亦實在長情,竹內瑪利亞幾乎每一次推出的「新」專輯,即使每張精選都有重疊的歌曲,但幾乎每一次,依然又會順利打上流行榜的第一位。 紀念出道40年精選專輯《Turntable》 2019年,適逢竹內瑪利亞出道40年,唱片公司便為她製作了一套精選另追加從未收錄於專輯的冷門作品的3CD專輯《Turntable》,順理成章,同樣打上ORICON的第一位,期間,亦再度引起了新一代日本樂迷對她的關注。 三張CD,分別為《Disc1: More Expressions》出道40年的精選歌曲回顧,當中包括她於1978年初出道時期的名作。 《Disc2: Mariya’s Rarities》從未收錄於任何專輯的稀有作品,當中以重新演繹為他人作曲的作品為主。 《Disc3: Premium Covers》翻唱經典英語歌曲的課餘習作,歌曲中不少是曾經出現在山下達郎主持的電台節目《週日歌集》播放過的歌曲。 …

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電子音樂101 | Logic System 三部曲

都說facebook已成了銀髮族的天堂,較早前,我無意中follow了今年已經68歲的松武秀樹,他近期愈來愈活躍的facebook page。 被譽為YMO (Yellow Magic Orchestra) 第四位成員的松武秀樹,是70、80年代最早玩電子音樂的先驅之一,對同期及後來出現的SynthPop,影響深遠。 那個時代的電子音樂人,大概可分為兩大類。 兩大電子音樂人門派 第一類是傳統琴師出身,電子琴鍵只是他們的新樂器,譬如Wendy Carlos、Vangelis、富田勳(松武秀樹師傅)等等,他們作品的音樂性,一般相對較高。 第二類,就是介乎於音樂與技術層面的電子音樂人,他們是典型的電子音樂器材控,為了開拓聽眾耳朵的幻想空間,除了在電子聲響方面,會作更多的設計與實驗性嘗試,他們甚至會在硬件上,進行多方的技術改造與創造。 當中包括Giorgio Moroder、Jean Michel Jarre、Kraftwerk、松武秀樹等等,再數下去,當然又少不了Robert Moog這位電子樂器的發明家。 電子音樂程式員 要知道,那個時代,電腦尚未普及,更遑論用電腦做音樂創作。 所以,做電子音樂的製作過程,除了編曲演奏,還包括硬件設計,以及電子樂器的聲音設計設定(那個時候的Syncthesizer,聲音要由演奏者自行設定,沒什麼罐頭聲音可用)。 此外,電子音樂人還需要應付大量的Programming工作,這類工作,真的有點像電腦程式員,要透過一部類似音樂打字機的機器Sequencer,逐粒音符,以及按節奏長短大小力度以數字輸入,然後控制不同的電子樂器,進行自動演奏,至於電子鼓「鼓機」,同樣需要大量消耗人手的輸入程序。 以上這類工作,對於大部分的音樂人來說,技術性層面的要求可能太過高,而且,工序亦可能會太流於機械化,於是,才有了音樂程式員這分工。 新時代電子樂器,造就新一代音樂人 松武秀樹可能是70年代最出色的音樂程式員,因此,當YMO成立之初,以及坂本龍一剛剛開始出道的時候,基本上,松武秀樹可以稱得上是他們背後的電子調音師兼音響工程師。 當其時,日本電子樂器品牌Roland,剛推出了一部名為MICRO COMPOSER MC-8(1977)的音樂器材,正正就是當時最厲害的Sequencer,與此同時,電子鼓Roland TR-808 (1980) 亦剛剛出現,成為了不少電子音樂人趨之若鶩的新星,而這兩件電子音樂的超級武器,都是松武秀樹常用的器材之一。 在最早期的YMO世界巡迴演出中,你總會在台上後中央,見到松武秀樹被一大堆電子樂器包圍,出去這些樂器,有點像幾個書櫃般的電子零件組合。 當各樂手在努力彈奏音樂的同時,松武秀樹也在背後忙着操控大局,除了把提醒節奏速度的訊號發送到各人的耳機,確保大家不會甩掉拍子。 他亦要同時一人分身多角,控制着已預先寫好在程式的音樂部分,期間,他還要製造一些像魔術般的環境電子音效。 不要以為這是一個很簡單的工作,除了需要有技術工程的知識,更要有相當的音樂常識。雖然,大家可能都以為,電子音樂都是冰冰冷冷的,但其實,電子音樂總是還有她具人性化的一面。 開天闢地,Logic System三大經典專輯 最近,松武秀樹一口氣把他早期的三張經典專輯《Logic》、《Venus》、《Orient Express》,重新發行成數碼版本,當中包括各大音樂串流平台。 Logic(1981)電子跳舞音樂 《Logic》(1981)可說是電子音樂界開山闢石的作品,80年代的年輕人,尤其是那些有稍為「蒲」過下Disco的,即使你對日本流行樂一竅不通,你一定聽過松武秀樹的經典名作《Domino Dance》,當時他化名為Logic System,推出了一張以純音樂為主的專輯。 封面有一個竹林作背景的插畫,中間的其中三支竹卻是鶴立雞群,是一支銀色的金屬機械竹,有點像日本插畫師空山基的水銀金屬感,似乎松武秀樹是想讓全世界知道,這是一張具備東方色彩的電子音樂。 勁舞節拍的《Domino Dance》,是一首劃時代的作品,在那個Disco還是黑人音樂Funk基因主宰的時代,松武秀樹可說是開了電子機械節奏舞曲的先河,歌曲的節奏重複,旋律也只有簡單的兩段,沒什麼高潮起復,所以很合適為舞池配樂,一聽就令人想手舞足蹈。 中間有很多很含蓄的電子聲效變化,其中包括當時流行的「食鬼」PacMan遊戲的音效。更有趣的是,就像早期的YMO作品,你很難將她們歸類為那個國籍的風格。 專輯內除了《Domino Dance》,還有像《Clash》和《Logic》等等,都是後來經常被紀錄片或其他影片,採用為配樂的作品之一。 要留意的,是松武秀樹雖然是這專輯的監製和編曲人,但卻並非主要的作曲人,川上了才是居功至偉,松武秀樹的工作,較多是屬於技術層面的支援。 Venus (1981)電子音樂交響詩 舞曲意味不及《Logic》,在差不多同期推出的專輯《Venus》(1981),部分歌曲卻展現出松武秀樹深受他的老師富田勳的影響,編曲相對較為管弦樂化。 專輯的同名作品《Venus》,便有點像一首電子樂的交響詩,有如作品的序曲,歌曲編排,顯得相當大氣。 這張專輯遠赴美國LA的Yamaha R …

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