English Pop Archives - Adman's Rants 廣告風涼話

2008《Fearless》vs 2021《Fearless (Taylor’s Version)》

曲目幾乎是一樣的兩張專輯，前後相隔13年，樂迷仍會願意埋單嗎？說的是Taylor Swift的「新作」《Fearless (Taylor’s Version)》。事情是這樣的，因為與前經理人的續約談不合攏，於是被前經理人把她的舊作版權，刻意全數賣給與她素有私怨的樂壇大鱷。因為仍然擁有所有作品的出版權，於是，在兩年前，Taylor Swift決定把這批被賣掉的舊專輯，逐一重新灌錄。 Taylor Swift的鐵粉甚多，支持她把舊作重錄的聲音甚眾。更何況，她近期的兩張專輯《folklore》和《evermore》，音樂更見成熟，口碑甚佳，收納了不少新一代樂迷。千呼萬喚，Taylor Swift第一張推出的重灌舊作專輯，先揀來她在19歲那年推出的第二張專輯《Fearless》，這可說是她的成名作，當年亦平地一聲雷，奠定了她成為鄉村搖滾界新星的地位。我個人並非鄉村搖滾樂迷，但Taylor Swift的歌曲，卻成功吸納了像我這類主流流行樂的樂迷，無論你是那個年齡的樂迷，聽她的歌，除了琅琅上口的輕鬆旋律，你總難以不被她活力充沛的能量感染。基本上，整張《Fearless (Taylor’s Version)》專輯內的編曲，與原作《Fearless》都幾乎一模一樣，每首歌也是原Key重唱，就連樂隊及和音，都差不多是同一班底。 Taylor Swift的動機，明顯不過，她就是要讓「今天的我，打倒昨日的我」。因為基本上真的是舊作重錄，那，這張「新」專輯的賣點在那裡？年輕時的她，歌聲甜美而充滿爆發力，如今重新演譯舊作的時候，無論唱功和情感的掌握上，她也來了幾個翻的大躍進，每到副歌部分，聲線來得更剛強、更有能量。事實上，近年Taylor Swift的作品，開始走獨立搖滾的路向，2021年版的《Fearless (Taylor’s Version)》，雖然編曲與2008年的《Fearless》一式一樣，但歌手樂手的演繹，卻微妙地，令歌曲產生了迥然不同的化學作用。《Fearless》、《Love Story》、《The Way I Loved You》、《You Belong With Me》等當年上榜的大熱作品，可以明顯地令你聽得出，Taylor Swift的歌唱技巧，已提升到另一層次，從前彷似是不知天高地厚的她，如今已變得世故起來，聲線更是剛中帶柔，變得更搖滾。畢竟是不同時代的錄音，整體而言，新錄音在樂器的聲音效果上，亦顯著地有更強的層次感，低音結他的聲效更是火候十足。我聽的是24-96的HD Tracks，尤其感到Taylor Swift如脫胎換骨的溫暖歌聲，感染力加持。除了原作的19首歌，亦追加了一首未有收錄在當年《Fearless》中的同期舊作，《Today Is A Fairytale》當時只收錄在電影原聲專輯，是一首中板的Country Pop，旋律、歌詞和歌手的聲音都點到入心，難怪當年成為了Taylor Swift第一首打上流行榜冠軍的作品。此外，最吸引樂迷的是，還新增了6首於差不多同期創作(2008年前後)，當時沒有收錄進《Fearless》專輯內，被稱爲”From The Vault”的舊作。 6首舊作雖然並非重新演譯，但旋律曲風和編曲上，還是保留了接近2008年那個時空、較接近主流鄉村搖滾的Taylor Swift的聲音。找來了Maren Morris搭檔和唱的《You All Over Me》，是回歸鄉村搖滾歌謠之作，兩把聲音的和音重唱，旋律逐步推進，副歌部分感情尤其細膩，令人聽出耳油。 …

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《McCartney III》一個人一隊Band

搖滾公路真心英雄Bruce Springsteen

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Bruce Springsteen今年71歲，最近，我除了在Netflix看過他在2016年，現場演出的獨腳戲《Springsteen on Broadway》，還有就是留意到他近年陸續新作推出，螢幕上，他的身形一貫健碩如牛，聲音亮如洪鐘，「波士(The Boss)」這個綽號，依然匹配。老實說，當年我對他在1984年推出的大熱作品《Born in the U.S.A.》，那時少不更事的我，最初以為那只不過大美國主義者的校歌，到後來，我買了一套五張黑膠片Box Set的Bruce Springsteen & The E Street Band Live/1975–85，我才重新發現「波士」歌曲中的魅力。 Bruce Springsteen的現場演出，聽到他像震遍整個場館的歌聲，總能夠給你一股很振奮人心、很在地草根的美式搖滾氛圍。他歌曲的旋律並不艱深，他的歌詞，敘事手法亦十分平實。歌曲中描繪的人物，往往就是普羅大眾，尤其是那些在每天在苦幹，追尋美國夢的藍領階層，此外，還有不少在大城市中被遺忘的小人物。他的歌曲，間中也會有對社會的控訴，但更多的時候，他是會透過歌曲給大家打打氣，難怪有不少美國樂迷，都會視他為搖滾音樂的人民英雄。《Letter to You》是他的第20張個人專輯，今次再次聯同他的長期拍檔，The E Street Band這音樂班底，一起在他家中的私人錄音室，花了四天的時間灌錄，歌曲的編曲甚至是部分的創作，都是半即興下完成，因此，整張專輯都富饒現場氣氛的活力和空氣感。有別於迷戀永遠28歲長青不老的香港歌神，Bruce Springsteen卻展現出屬於他那個年齡與資歷應有的感性，由向已故舊樂隊的隊友致意啟發，專輯中，他亦同時探討生與死、年老、人生懊悔等等生命課題。但不要誤會，整張專輯，風格上卻未有流露太多的傷感，反而是充滿能量，有樂也有怒，部分歌曲，會讓你感到仿如置身音樂場館，想舉手隨著節奏一起吶喊。在這個迷失的時代，「波士」試圖透過搖滾力量，為大家帶來一點實實在在的心靈安慰。《Janey Needs a Shooter》、《Song For Orphans》和《If I Was the Priest》，無論是旋律和編曲，當中的口琴聲、hammond organ聲、slide guitar、以致是「波士」嗓音的演譯風格，都充滿著一股70年代搖滾的懷舊氣氛，亦有濃濃Bob Dylan薰陶下的情懷，當然，「波士」的能量感卻是十級加持，副歌部分更是分外振奮人心。「波士」組成E Street Band前，其實還有另一隊樂隊Castiles，但去年，除了他以外，最後的一位成員也離開了，於是，他真真正正成為樂隊的《Last Man Standing》，同時間，《Ghosts》又是對另一位離去的樂隊成員的懷念，《I’ll See You in My Dreams》基本上就是將懷念摯友的心情，化解成一道心靈雞湯。專輯主題曲《Letter …

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Madonna Madame X 流行女皇回歸凡間

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人始終會老。問題是，如果，那些年，你曾經是走在潮流尖端，然後榮膺潮流教母，受到萬人景仰。今年，你已經過了60大壽，你還很努力在開山劈石，尋找新的聲音，試圖再與天比高，你還要繼續四出巡迴演出，跳跳紮紮，演出巴辣。人言可畏，對你批評得毫不留情的大有人在，因為，這是娛樂圈，不是樂壇。但奇怪的是，可能是男女大不同的關係，年紀比你大，還在活躍樂壇的Bruce Springsteen、Mick Jagger，卻會被稱讚是老而彌堅。說的，正是剛剛推出第14張專輯《Madame X》的Madonna。我是喝MTV奶水長大的那個時代的樂迷，當時的音樂影像，重新定義了不少流行音樂人的形象，亦幾乎改寫了整個流行音樂史。印象中，在當時的電視公仔箱，音樂錄像響起，其中最令大家為之雀躍的幾個名字，除了Madonna，就是已經先後作古的Michael Jackson和Prince。如今，只剩下Madonna還在單打獨鬥，想起這刻，難免有點唏噓。在今年的Billboard Music Awards中，60歲的Madonna，在後台遇上青春無敵的後起之秀K-POP少男組合BTS，在社交媒體上載合照後，居然有網民留言“LEGENDS MEET LEGENDS”。我不知道，當年Madonna如日方中，像面前20多歲的BTS的那個年紀的時候，是否已有資格被封為LEGENDS？我只知道，在屬於年輕人的流行音樂的世界，的確歲月不饒人，長江後浪推前浪亦一定是真的，這個世代，K-POP的確已經席捲全世界，包括美國。可是，這麼多年來，我依然欣賞Madonna無論在形象，以及音樂品味上的勇敢嘗試，看她絕對超越了她那個年紀的體力的飛躍舞台演出，這麼多年來，試問有誰還可以比她更光芒四射？ Madonna實在沒有像大部分在享受「收成期」的樂壇中人般，每次出場，隨便唱幾首經典歌就可以了事，有留意到的話，都知道她每次推出新專輯後的巡迴演出，依然是以新主題新形象新歌曲作主打。不要說與她同期的，即使是她的後輩，環顧整個樂壇，我真的找不到多少名歌手，這麼多年來，可以比她更多堅持更加賣力。 Madonna的對上兩張「近作」，《MDNA》(2012)和《Rebel Heart》(2015)，同樣被不少樂評批評為「口水多過茶」，銷量亦每下愈況，插水式下降。如果你問我，Madonna近十年來的作品，相比起全盛期的她，實在需要更多時間去消化，有些作品，初聽時，你甚至會覺得不知所措。而事實上，近兩三年，除了世界巡迴演出，這位昔日的Material Girl已經深居簡出，住在她於葡萄牙里斯本的城堡，試圖吸收不同的養分。流行女皇回歸凡間，為小眾發聲。新專輯取名《Madame X》，據說，這個名字，是源自Madonna在19歲時，舞蹈老師給她的暱稱。這張專輯推出前，Madonna已煞有介事地，宣稱她這名戴上一邊眼罩，如獨眼龍海盜化身的Madame X，是一名出沒在世界各國、擁有多重身份的特工，她隨時可以以一名舞者、馬術師、教授、修女、歌手、老師、國家元首等等的角色出現。有不少樂評人批評Madonna的Cosplay概念故弄玄虛，老實說，這張新專輯《Madame X》，我也聽了超過一個月才開始「入戲」，但我卻聽得出她的用心良苦，在專輯的概念上所尋求的突破。這可能是Madonna目前為止，在語言上及音樂風格上最多元化的專輯，整張專輯亦涵蓋了Latin民族風、Reggaeton(Hip-hop與南美音樂的混種)、Fado(葡萄牙怨曲)、EDM、Disco、Art Pop等等不同的元素，語言上，除了英語，當中還夾雜西班牙語和葡萄牙語(大家還記得La Isla Bonita嗎？)。《Medellín》是為專輯打開頭炮的第一首主打歌，Madame X與哥倫比亞新晉歌手Maluma合唱的歌曲，全曲充滿南美風情，是她徹頭徹尾對南美音樂的愛的呼喚。《Dark Ballet》以像特務電影般、充滿懸疑的序曲展開，音樂到達中段，卻像如夢初醒，急轉成電子管弦樂曲，背景彈奏著柴可夫斯基的胡桃夾子組曲，Madame X則成為一名舞台上的說書者。《God Control》以Gospel Choir的聖詠展開，然後歌曲卻變成Daft Punk風格的電子舞曲，後半部更出現了弦樂伴奏下的Vocoder歌聲，有點70年代的士夠格的聲色犬馬味道。《Future》找來了美國年輕一代的rapper Quavo合作，歌曲內容涉獵到弱勢群體的抑壓，歌曲風格糅合了Reggae、Hip Hop及流行舞曲。《Batuka》是一首深受位於非洲西岸的佛得角(Cabo Verde)共和国民族歌曲影響的作品，歌曲以民族合唱吟詠，以及如傳統軍鼓般的敲擊樂作骨幹，伴奏的是清一色女性的Batukadeiras Orchestra，歌曲充滿革命歌曲的意味。《Killers …

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Taylor Swift 給我所愛過的男孩們

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「想心情持續美好，就要多接觸那些終日都充滿陽光感的人。」所以，實不相瞞，在我的私房Energy Boost Spotify Playlist上，永遠都有幾首Taylor Swift的歌。但拜託，請不要笑我這位大叔，為何幾十歲人還會喜歡聽Taylor Swift這類的Bubblegum Pop，其實，對於我來說，正所謂好音樂就是好音樂，為何偏要有年輕或老餅、另類或主流之分？ “We don’t stop listening to new songs because we grow old; we grow old because we stop listening to new songs”。我不怕老，但我卻很怕因為自己老了，而開始拒絕聽新歌新樂手新樂隊這心境。當然，我知我知，Taylor Swift距離新人這身份，好像已經是上個世紀的事兒。 14歲出道，今年過後才滿29歲，雖然已經不再是小妹妹，但在音樂的世界裡，她依然展現出一副活力充沛的氣息，青春，還是無敵得可以。表面上，她是徹頭徹尾的一名金髮甜姐兒，但不要以為Taylor Swift的音樂世界只有糖衣包裝的歌曲，她的音樂世界中，其實也經常有話要說，而且直話直說，包括叫她的舊愛「唔該過主」、支持LGBT，甚至是政治議題。我最欣賞她的，還是歌曲中經常貫注著極高的能量值。從鄉謠歌手轉型後發表她的第5張個人專輯《1989》，她的作品的流行值亦同步倍增，全球售出1000萬張銷量，在這個唱片市道，證明了好歌有市。《1989》推出的3年後，她發表第6張專輯《reputation》，一反甜姐兒的形象，歌曲來得更反叛、甚至帶點陰暗面及咄咄逼人。專輯依然暢銷，第一個星期便售出了超過120萬張，成為美國第一名擁有4張首週百萬銷量的專輯的歌手，《reputation》雖然整體銷量不及《1989》，但卻已進一步奠定了Taylor Swift在流行樂壇的一姐地位。今年尚未生日，執筆之時她還是28歲，Taylor Swift推出了她的第7張專輯《Lover》，依然是繼續走主流的Synth Pop及Pop Rock路線，音樂充滿她一貫的躍動能量。見到專輯主題《Lover》，已可顧名思義，再加上封面照片如粉紅色棉花糖的雲層及大藍天，相信大家已可猜到這專輯，不會再走《reputation》的沉鬱路向，今次是再次貫注正能量。《Lover》這專輯破了Taylor Swift的個人紀錄，創作力澎湃，一口氣帶來了18首新歌。部分歌曲內容，依然不失青春少艾的情情愛愛，但花開花謝本無常，男友多如天上繁星，Taylor Swift透過這張專輯，對她精彩的愛情路，來一次更豁達的自白。為專輯打開序幕的，《I Forgot That You Existed》是一首像是受到Ed Sheeran流行電子搖滾曲風影響，節奏輕快跳脫，歌詞亦一派輕鬆自若的調侃態度。《Lover》專輯中的主力音樂製作人是Jack Antonoff，他和Taylor …

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他他他都是他，一個人的床頭歌 Jacob Collier

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拜託，請先不要和我討論宗教，但我真的相信，歷史上曾經出現過的所謂天才或神童，他/她們像是與生俱來、近乎是超人般的才華與智慧，可能是累積自輪迴過不知多少回的人生旅程的成果。當然，後天的努力，還是很重要的。大概是五、六年前的2013年吧，第一次我在YouTube上，聽到Jacob Collier的獨腳戲音樂才藝表現，他重新編曲和演繹了Stevie Wonder的名作《”Don’t You Worry ’bout a Thing》，他除了施展了分身術，一手包辦所有聲部的Acapella(無伴奏合唱)，還彈奏了超過10種樂器(琴鍵、結他、低音大提琴，以及大量敲擊樂)，整個錄音錄影製作，都是在這位還是與父母同住的少年家中寢室中進行，所有的前期後期錄音錄影都是他他他和他，那一年，他只有18歲。最令最我驚訝的，除了是Jacob Collier演奏多種不同樂器的技巧，以及聲樂演唱的能力(是的，他14歲已經以全英國最高分數考穫聲樂8級文憑)，就是他對和聲的敏銳觸覺，他有一股old soul。 YouTube上有不少自家製的Acapella影片，但在Jacob Collier自家製的音樂影片中，你卻會發現，他在那些多聲部的編曲上，花了很多心思，把原曲的和弦結構和進行，改頭換面、煎皮拆骨，反轉再反轉去重新組合。若非對和聲學擁有相當深入的理解，以及除了古典音樂之外，對爵士及騷靈音樂也有廣泛認識，一般人很難會懂得爲旋律配搭到這麼結構複雜又到位的和弦。或多或少，這相信與Jacob Collier成長於音樂世家不無關係。他的母親Susan Collier是在皇家音樂學院任教的小提琴手和指揮，他的祖父，亦是同校的小提琴教授。 Jacob Collier曾經在一篇訪問中透露，小時候，他在家中的娛樂之一，就是全家人一起「玩」無伴奏和聲合唱，Bach chorales就是其中之一(這正正是和聲學的寶典哦)。話說在YouTube上發表的大批改編作品大概一年後，2013年，他被名監製Quincy Jones發掘 (一手捧紅Michael Jackson的就是他)，形容他為Stevie Wonder的接班人，除了簽約他成旗下藝人，還邀請他遠赴瑞士，到Montreux Jazz Festival觀摩。兩年後，2015年，Jacob Collier已經有機會踏足Montreux Jazz Festival舞台，這全球最多歌手雲集的爵士音樂節中，與兩大爵士琴鍵高手Herbie Hancock及Chick Corea同台演出。期間，Jacob Collier亦因為成為了YouTube紅人的關係，受到當時還是在MIT Media Lab當PhD研究生的Ben Bloomberg注意，主動聯絡他，想為他的多聲部無伴奏和聲，研究出一套專屬的軟件和硬件harmonizer，好讓他即使在現場演出，依然可以一人分演多個角色。這個音樂科技實驗的合作項目，最後在2016年，促成了一場在MIT演出的音樂會，整個演出的前因後果，亦被製作成紀錄片《Imagination Off the Charts: Jacob Collier comes to MIT》，如果你喜歡音樂又熱愛科技如我，這是一個值得欣賞的熱血音樂製作。除了演繹人家的經典作品，Jacob Collier也有創作自己的歌曲，2016年，Jacob Collier終於推出了他的首張個人專輯《In My Room》，一如他過往在YouTube的所有演出，他依然是繼續一手包辦所有歌曲的演奏、演唱、製作和錄音。這是名副其實的床頭歌，在Jacob …

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三個你要經常聽新歌的理由

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「這個年頭，大概已沒什麼新歌／新樂隊／新歌手值得聽吧。」這句話，我覺得比粗口(髒話)更難聽，年輕的時候，聽到年紀比我大的朋友或長輩對我這樣講，那個時候，我就已經很害怕，自己有天會變成有這種想法。到我年紀稍長，我發覺我身邊的同輩，有些已經成為「資深」樂迷的，也開始每隔兩天就嚷著「新不如舊」這類話，可是，我卻對這種想法更愈來愈抗拒。本來，聽音樂是很個人的選擇，每個人的習慣都不大同。但相信大家都會觀察到，絕大部人，大概過了30歲後，就會開始集中只聽自己習慣聽的音樂品種，甚至是，只重複地自己從前喜歡聽的曲目，我個人是覺得很可惜的。人的耳朵有沒有惰性？當然有。隨著人的年紀愈大，我們的耳朵，會偏好地只選擇聆聽自己熟悉的聲音，這是無可厚非的。可是，你的耳朵，其實是需要不斷尋找一些新衝擊，甚至是，你間中要挑戰一下自己的音樂底線，才可以令你的腦袋持續活躍，保持年青。美國Johns Hopkins University School of Medicine，是世界首屈一指的醫學院之一，但大家可能有所不知，這家名學府，也有從事不少音樂治療，以及音樂與腦神經關係的研究。話說某天我無意中從該醫學院的網頁，讀到一篇題為”Keep Your Brain Young with Music”的文章。文中指出了音樂與腦健康的密切關係，我們可以需要透過聽歌，或者是彈奏樂器，用來替腦袋做運動，所聽所彈奏的歌愈不熟悉愈好，音樂結構愈複雜也愈好。先不要說音樂對治療高血壓、焦慮、痛症等等的潛在功效，早有不少研究指出，音樂具備可提高集中力、記憶力、精神警覺性等等「補腦」效用。稍稍學習過音樂的朋友們，大概亦會知道，音樂其實具備相當的數學性，音符與音符之間、和弦結構、節奏拍子，其實都是數字遊戲，而且具備一定的邏輯，以及如建築美學般的結構。當你在聆聽的時候，即使沒有刻意地、具意識地去消化音樂，可是，你的大腦，其實會自動自覺進行運算。因此，但凡結構和節奏愈複雜、你的耳朵愈不熟悉的音樂，你的大腦就會被逼進行更繁複的運算，你亦需要更多的「腦力」，這情況，就有點像幫腦袋做伸展、做健身運動。 Johns Hopkins醫學院更曾經使用fMRI，掃描多副聆聽音樂期間的大腦，學者們發覺，爵士音樂對腦袋不同領域，尤其可以產生多種不同刺激。這個其實不難理解，因為爵士音樂除了具備即興性，音符與音符之間的連串性較難估計、同時亦經常會出現令聽者不易捉摸的複合節奏，因此，這些聲音對腦袋運算力的考驗，難度亦相對更高。但你其實不用刻意選擇聆聽爵士樂，研究指出，只要聆聽不熟悉的歌曲，甚至是對耳朵有一定挑戰難度的音樂，都可有助令你的腦袋保持年輕。所以，經常發掘新歌來聽，同時打開你的耳朵和腦袋的伸展性，才是最重要。類似有關腦神經與音樂的研究，在2009年的紀錄片 My Music Brain 中亦有作過深入討論。由於對這方面的研究充滿好奇，再加上作為一名出色音樂人，Sting亦曾經自動請纓，把他的腦袋被fMRI掃描，讓科學家們研究一下這位音樂天才的腦袋，究竟是如何運作。 Sting亦曾經指出，踏入50歲後，為了保持腦筋活躍，他積極嘗試駕馭一些難度較高的樂器，譬如文藝復興時期的古樂器Lute (魯特琴)，並且嘗試推出古典音樂風格的專輯。這可能是今年已經67歲的他，依然保持極佳音樂造詣狀態的原因之一。接觸新音樂雖然很重要，可是，間中懷緬一下，聽一些從前喜愛的歌曲，也是一件美好事。事實上，我久不久也會把一些自己珍藏多年的舊唱片拿出來聽，一下子間，就像回到昨日美好的日子，那種感覺，其實很美妙。再者，因為年輕時對大部分作品的認識有限，現在加上互聯網發達，上網找資料容易得多，於是，若果想重新認識一些經典作品，現在就可以用更加抽絲剝繭的角度去欣賞了，樂趣當然又是截然不同。這個年頭，由於有了Apple Music、Spotify，或者是我最近終於入局的Tidal，無論是你要「主動地」，或甚至是「被動地」發掘新歌來聽，都變得輕而易舉。音樂串流平台的推薦歌單，我覺得簡直是一個奇妙旅程，今時今日，大家都可以輕易地隨機發掘未聽過的新歌，音樂世界，更是無遠弗屆。當中，三個音樂平台我也有使用，我認為Spotify的推薦最知我口味，但長期只聽Spotify的歌單，卻可能會令我有音樂偏食的情況。此外，我亦見到網絡上有人批評Tidal背後的algorithm運作不夠完善，派給你的歌曲間中並非你所要求的品種，譬如你已經說明要聽純音樂，還會給你推薦有歌詞的歌曲。可是，反觀Tidal的推薦歌單，往往卻給我較多驚喜，無論是音樂種類，抑或是樂手的名字，都有好些較冷門的選擇，我亦喜歡在他們的Staff Picks歌單中隨機地尋寶，話說回來，我發覺Tidal對新晉歌手尤其寵愛有加。最近Tidal給我的推薦歌單，便包括了只有18歲的英國獨立女歌手Arlo Parks的Cola，剛20出頭的爵士樂界神奇小子Jacob Collier、已經不再是新人但新專輯依然給人驚喜的Esperanza Spalding、集Soul/Funk/R&B/Blues於一身的Deva Mahal、美國EDM-pop二人組The Chainsmokers、College Rock樂隊The National等單位及歌手的新曲，這種體會，就像在沒有任何前設的期待下，走進了一家少許陌生，但是充滿驚喜的音樂超級市場。今天開始，我建議你每天最少一次，走入一家陌生的音樂超級市場，隨機地聽一首新歌，我不敢保證能夠保持你的腦袋年輕，但最低限度，一定能拓展你的音樂品味和欣賞聽力。參考文章：Johns Hopkins Medicine：Keep Your Brain …

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午間音樂小聚 @KEF Music Gallery Central

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中學時代，因為家裡沒能力負擔，亦沒有空間和資格玩什麼Hi-Fi，於是，我就像《無間道》裡面的陳永仁一樣，經常在旺角深水埗一帶的音響店打躉(那個時候還未流行影音這回事)。那是80-90年代，香港人的生活節奏還沒那麼緊張，音響店內的叔叔，即使明知我是來「混吉」的塞豆窿，依然不介意播我帶來的唱片或者錄音帶。記得，有位叔叔說：「反正我都係喺度企啫，有人陪我吹下水，幾好。又話唔定，你大個咗，會有錢嚟幫襯我呢？呵呵呵。」此外，中學時代，我亦是學校音樂室的地霸，與音樂老師混熟後，經常會趁午飯時間，到音樂室炸機。後來，我當了學校銀樂隊的隊長，有音樂室的鎖匙，假期的時候，音樂室便成為了我的私人音響室。播放音樂的器材不一定要很昂貴貴，可是，有一個可以讓你肆無忌憚炸機的空間卻很重要，但我相信，對於一般香港人來說，這是一個奢望。現在我年紀大了，家裡有了可以播歌的私人空間，之不過，我還是念念不忘在人家的「場」炸機的日子。可惜，時代不同了，因為土地供應的問題，這個年代的音響店叔叔，未必可以像我那個年代的叔叔一樣，有這樣的閒情，招呼入來「齋聽」半小時的街客。對於大部分人來說，購買音響器材，絕對不是一個三言兩語就可以下的決定，消費者除了會經過三番四次的考量比較，看完又看，心思思，再看完又看，之後又會問朋友、問Google、問YouTube。如果有家室的，最後決定行動之前，你又要諮詢家人的意見，入紙申請，尤其是，如果你這套音響，是打算放在客廳內的，那就肯定不是你一個人可以話事的決定了。幸運地，我因為廣告行家的介紹(朋友H是負責這個品牌的廣告公司老闆)，認識了KEF這個我從小就恨到發燒的品牌的朋友。於是，我現在不用再在旺角深水埗一帶的音響店打躉，我會直接到位於中環的KEF Music Gallery炸機。我實在太懷念當年我會趁午飯時間，拿著飯盒，躲在學校音樂室炸機的時光，雖然只是短短的半個多小時，但聽完自己喜歡的音樂後去上課，下午飯氣攻心的問題就自然地解決了。我一直希望能夠找個機會問KEF借場，和一些朋友一起，回味一下我當年的午間短聚音樂時光。昨天，多謝KEF的朋友們的慷慨支持，我終於能夠重溫我這一份美好回憶。與其說KEF Music Gallery是一個Showroom，不如說這是一個為樂迷而設理想示範單位。當中，有可以讓我們發下夢的超級豪宅，也有中型的家庭空間，亦有較私密的個人音樂角落，總之，各適其適，豐儉由人。當日我們在KEF Music Gallery炸機的音響室，是那個名為《Collector Lounge》的音響房。多謝朋友E特意把珍藏的Bohemian Rhapsody電影Soundtrack黑膠盤帶來，在配合KEF的經典喇叭MUON先讓我們重溫了三首Queen的經典歌曲，我亦順便拋拋書包，為每首歌曲的背景，逐一介紹。之後，便來到戲肉，播放了Bohemian Rhapsody電影內的Live Aid一幕，視覺上，當然不可以和戲院相提並論，但以音響效果而論，我覺得，絕對是超越了我當日在中環娛樂行英皇戲院觀看時的震撼。事後有朋友更和我說，當中的現場感，好像連扮演Freddie Mercury的Rami Malek所散發出的熱汗也能夠感受到，簡直是讓人有毛管戙的感覺。而事實上，那套雙Subwoofer的7.2.4環迴立體聲組合，加上音響房的隔音系統，效果當然是一般戲院亦難以比擬的。再次感謝KEF的Hebe、鍾哥、Candy、和Julien的幫助，讓我過了一個小時的音樂主持癮，短短的聚會，卻是令人念念不忘，必有迴響。《利申聲明：是項活動純粹自發，本人沒有收取主辦單位的報酬，我只是純粹借場一用，至於食物亦是與會朋友們自費，由KEF的朋友代勞訂購》 KEF Music Gallery地址：中環都爹利街1號12樓

結他男神John Mayer

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2004年，我在網上看Macworld Conference，見Steve Jobs親身示範第一代的GarageBand軟件。那是一個隨Apple電腦附送，用來做音樂製作的軟件，軟件內，除了大量現成的虛擬樂器，還配備了好些虛擬Guitar Amp，把電結他連線到電腦，就可以模擬到不同的經典Guitar Amp音效，當年第一次聽到，感覺有點匪夷所思，重點是，這個軟件，還要是免費。 Steve Jobs的而且確是最佳Apple推銷員，他親身示範還不夠，半路中途，他還請了一位年輕音樂人上台，想當年，他只有27歲，但已經推出了兩張獲得不俗商業成就的專輯，他的名字，叫John Mayer。被Steve Jobs召喚上台的John Mayer，神色略帶靦腆，他身穿一件海軍藍色hoodie，配搭一條淺卡其色cargo pants，站在台上，像一個剛剛大學畢業不久在矽谷上班的小伙子。但當拿起他的Fender Strat的時候，卻立即搖身一變，成為一名老練的結他高手，旋律造句火辣，功架不亞於Eric Clapton。這，就是我對John Mayer的第一個印象。我最欣賞的，是John Mayer可以用結他奏出令人元神出竅的優美旋律的本領，他的結他獨奏旋律，既有藍調色彩，亦有騷靈韻味，老實說，我欣賞他的結他獨奏，隨時高於他的歌聲。回帶1985年，那個時候，有一套科幻奇情勵志喜劇《Back To The Future》上畫，當中有一幕，高中生男主角Marty McFly (Michael J. Fox飾)在校園的畢業舞會中，因緣際會，突然上台大顯結他神技，彈奏起50年代末結他神Chuck Berry的名曲《Johnny B. Goode》，電影上畫時，John Mayer只有8歲，卻立即迷上結他這樂器。在不止一次的訪問中，John Mayer都提及過，他的啟蒙結他手，其實是Stevie Ray Vaughan，當年，鄰居給他弄來一盒卡式帶，自此他便日播夜播，這可說是他音樂旅程的起點。到了13歲，經他向父親苦苦哀求後，他終於租借了一把結他，並且開始成為了一名名副其實的結他痴，每天都躲在房間裡，一邊聽著Buddy Guy, B.B. King、Freddie King、Albert King、Otis Rush、Lightnin’ Hopkins等等結他高手的卡式帶，一邊自學自彈。我記得我在一個John Mayer的訪問中看過，話說他成名後，經常被叔伯兄弟姨媽姑姐問，應該買什麼結他給她/他們初學結他的子女？還有就是去那裡找老師？每一次，他都不諱言告訴她/他們：「千萬不要買新的結他，最好先問人借用一台，還要，千萬不要幫他們找老師，由得她/他們自己找方法自學，讓他/她先玩一兩年，還未放棄的話，才好好打算買什麼結他找什麼老師吧。」初期John Mayer也沒有追隨過什麼名師，他除了找了一名地方琴行的老闆學結他外，大部分時間，他都是自我摸索。他的表演意欲亦很強，15、16歲左右，已經周圍找機會演出。 19歲，他考入了知名的音樂學院Berklee College of Music，但卻在兩個學期後退學，之後便拿著自己的一支結他，與在學校認識的Clay Cook，組成樂隊Lo-Fi Masters，二人隻身去到Atlanta闖蕩，爭取任何大小的演出機會，後來，因為John Mayer個性太強，很快二人就分道揚鑣。 …

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黃色魔法交響40年 | Yellow Magic Orchestra 40th Anniversary

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70年代末，在我母校培正附近的窩打老道山YMCA，門口有兩部電動遊戲機，有一部同學們戲稱為「嘭蕉嘭蕉」的電動遊戲機，畫面背景是一個馬戲團帳幕，當中有兩個玩雜耍的火柴人，左右交替跳著搖搖板彈高，遊戲目標，是要跳上頂頂撞破上面的氣球。那時都只是站在其他小朋友後面，看著人家打電動，但我對這個電動的背景音效卻印象深刻，除了搖搖板上火柴人一上一落的「嘭蕉嘭蕉」，還有就是火柴人失手直墮地面身亡一刻所奏起的哀樂。這段我印象深刻的聲效，後來居然在一隊樂隊的唱片中出現，那就是YMO(Yellow Magic Orchestra)，這首音樂，叫《Firecracker》，話說此曲旋律原作人是Martin Denny，是有名的美籍Exotic音樂作曲人，這首歌的旋律充滿外國人眼中的東方味道，原曲是用類似東南亞的竹片琴演奏，很有原始的民族特色。但《Firecracker》到了YMO手上，卻像變魔術般，把當時小朋友流行的電動音樂，變成有型有格的電子音樂，中段更來一段像協奏曲華彩樂段的古典鋼琴。當時的YMO，可能已有把音樂直接輸往英美市場的雄心，有點刻意要把外國人眼中帶著「土氣」的東方元素，來個嚇你一跳的華麗轉身，成為了樂隊橫空降世的第一首單曲。今年是YMO成軍的40週年，低音結他手細野晴臣、鼓手兼主音歌手高橋幸宏，以及鍵琴手坂本龍一，三位師兄弟都開始陸續歸位，包括好些即興現場演出。《Yellow Magic Orchestra》(1978）：回帶40年前，YMO第一張與樂隊同名的專輯，網上找到的初代日本版黑膠唱片的封面圖，封條上是大大隻字寫著細野晴臣。顯見當時樂隊剛成立時，名氣最大的，就是細野晴臣，事實上，除了作曲編曲彈奏低音結他，細野同時亦身兼此專輯的監製及混音。每次提起YMO，大部分人都會聚焦於坂本龍一，但其實，樂隊成立初期，三人中最年長的細野晴臣，才是樂隊的靈魂人物兼召集人。事實上，細野晴臣亦可能是最早意識到，電動遊戲將會影響一代人的音樂人，《Yellow Magic Orchestra》這首張專輯中，亦注入了一些電動音樂元素作音樂前奏及間場，包括《The Circus》及《The Invader》這兩款電動遊戲，回想當年，作為中學生的我，第一次聽到這種音樂，實在感到異常興奮和震撼。當其時，參與《Yellow Magic Orchestra》這專輯的重量級音樂人，還有開創Jazz Fusion先河的結他手高中正義，至於為樂隊電子合成器程序編排及編曲的松武秀樹，更加可以稱得上是YMO的第四號人物。首張專輯以純音樂的電子搖滾及舞曲為主，細野晴臣一人包辦了《Simoon》、《Cosmic Surfin’》、《Mad Pierrot》三首各具電子前衛色彩的作品，是他尋找新音樂風格，實驗意味較強的階段；《Tong Poo東風》則是坂本龍一漸露頭角的大規模電子樂曲，編曲有點像管弦樂般豐富，是日後最常被演出的YMO曲目之一；樂隊亦試驗流行曲演唱的作品，《La Femme Chinoise中國女》是由高橋幸宏操刀。《Solid State Survivor》(1979)：是YMO乘勝追擊的傑作。唱片封面上，各人身穿紅色的疑似解放軍裝束，和一個模特兒人形攻打四方城。延續了上張純音樂為主的東方電子曲風，高橋幸宏作曲的電子純音樂舞曲《Rydeen》，幾乎成為了日後YMO的主題曲。坂本龍一和高橋幸宏合寫的《Behind The Mask》亦衝出國際，被Michael Jackson(事隔多年後才公開推出)及Eric Clapton改編。《Public Pressure》(1980)：雖然是一張現場演出專輯，、卻是YMO的一個里程碑，因為這是樂隊首次出國到英美等地巡迴演出的實況記錄，YMO三子之外，演出樂手，除了電子合成器主腦松武秀樹，還有坂本的前妻矢野顕子擔綱鍵琴手與和音，不得不提，還有Jazz Fusion電子結他手渡邊香津美。當年第一次聽，令我意想不到的是，一隊我本來以為是錄音室樂隊的冰冷電子樂團，現場演出，居然可以這麼充滿樂隊默契的火花，每首歌曲的能量感亦大增。專輯除了收錄了YMO首兩場專輯的多首重點作品，也出現了坂本龍一個人首張專輯內的名曲《The End of Asia》的YMO版本。《×∞ Multiplies》(1980)：單單是封面就已經充滿劃時代意識，YMO三子人像無限重複出現，個人認為是眾多YMO專輯最經典的封面設計。歌與歌之間的Snakeman Show是一個虛構的清談節目，音樂方面亦充滿實驗性，作品像《Nice Age》和《Citizens Of Science》等，亦注入了Psychedelic/Punk Rock及New Wave等元素，部分樂評人批評這專輯是姿態多於實際，音樂上另類內容，亦令部分樂迷無所適從。《BGM》(1981)：經過上張專輯的放任與實驗後，YMO再次回到電子搖滾的初衷。外間盛傳當時開始作個人海外發展的坂本龍一，逐漸與細野晴臣及高橋幸宏若即若離，各有心病。《Cue》便正好是細野與高橋聯手撰寫的歌曲，目的是要向坂本展示二人的音樂意向，有點冷戰意味。為此，坂本亦以他的出道作《1000 Knives》，以及以細野70年代曾經名噪一時的樂隊名稱命名的《Happy End》回禮。整張專輯以冰冷低調的電子程序編曲作主調，演繹具流行意味的旋律，開創了另一種新風格，影響了後來無數歐美地區的SynthPop樂隊。《Technodelic》(1981)：繼續承接上張專輯的曲風方向，工業意味的機械聲音亦更明顯，坂本的《Taiso體操》我是先從細碟聽到，封面設計充滿日本懷舊的Pop Art味道，音樂卻是一首電子New Wave作品，樂曲內容，基本上就是日本式的大媽舞。《Key》是在細野與高橋再次聯手撰寫的佳作，旋律很有日本歌謠曲味道，但編曲卻很前衛獨特，密集式的電子低音，成了日後的風格之一。此專輯亦開始滲入了不少Ambient編曲元素，在流行旋律之餘，仍有點前衛電子實驗意味。《Naughty …

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