Nov 23

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即使有白宮群英出謀獻策、荷里活巨星在社交網絡吶喊助威、各大主流傳媒亦近乎義無反悔地一片唱好,希拉莉最終仍黯然落敗,特朗普成為美國第45任總統,於是有人不禁問:「如果大數據可預測未來,為何今回美國大選的結果,不單止不似預期,而且還要相差得那麼遠?」

坊間有不少人歸咎大數據出錯,但其實這是大錯特錯,首先,大部份人著眼中的民調,只不過是抽樣調查的「小數據」,所謂的大數據分析,除了數字樣本要有一定數量和代表性,同時,還要有多個數據源作數據模型分析比較,歷史數據及即時數據變動,兩者同樣重要。主流傳媒或者是希拉莉團隊的大數據分析、數據模型未必有錯,問題可能出於,數字樣本的全面性、可靠性,以及該團隊如何演繹大數據。

現在才說當然有點事後孔明,但正所謂勝者為皇,根據Cambridge Analytica這家特朗普背後的數據軍師的說法,主流民調以外,他們更集中注意力在主要支持者及捐款人的數據分析,從而推論出其他的潛在支持者所在之處,當中的投票人口,又會否在投票日出來投票,繼而在Facebook打針對性的廣告,外間以為特朗普陣營在Facebook不及對手活躍,其實不然。

然後又有人問:「為什麼我在Facebook上看到的,都是一面倒希拉莉氣勢如虹的消息?」這是今屆美國大選的另一個有趣現象,同時亦反映了目前Facebook的一大缺點。首先,由於被民調唱好希拉莉,不少傳媒也隨著不少人的主觀願望,繼續順水推舟,發表更多相關的正面消息。同時間,Facebook背後的運算機制,亦只會把與你有共同興趣,或者是相近取向的朋友的內容推送給你,不自不覺地,你自己變成了一個偏食兒童,你還是懵然不知。

最後,網絡假新聞和社交網絡造謠,同樣是今屆美國大選值得注意的現象,選舉過後,Facebook和Google都分別發表相應的對策,譬如禁止這類不良內容打廣告,雖然,此舉說易行難矣。

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Nov 14

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(圖片來自New York Times

話說上回美國總統奧巴馬成功連任,整個競選團隊在熱烈地彈琴熱烈地唱之際,《時代》雜誌有個專題報道,讓背後的幕後功臣亮相,訴說他們的威水史,其中包括負責處理大數據的團隊。期間,「大數據」此一專業術語便急速冒起,印象中更有人指出這是首個靠大數據及社交媒體數據獲勝的總統大選;自此大數據亦成為普羅大眾閒話家常的話題。

有了成功案例借鏡,今屆美國大選,民主黨候選人希拉里相信也有循着接近的路向,甚至以相同的班底,為競選進行形勢分析與策略部署,當然還少不了社交網絡的造勢。選舉前夕,網絡提供的民調數據還在告訴大家,希拉里形勢一片大好。事實上,被這些數字影響,一同唱好的,還有不少主流媒體。

執筆之時,大選結果已塵埃落定,特朗普戲劇性地以大比數勝出,除了令全球譁然,更重要的是,一下子大家對所謂的民調、社交網絡口碑在選舉前所產生的錯覺,無可避免地打了不知多少個問號。為何網絡世界告訴我們的事實,居然會與現實相差得這麼遠?

數字不會騙人,但數字的由來、數字的代表性,其實都不能視為絕對的答案,因為說穿了,人心難測;更何況今次選舉,部分搖擺州份都沒有數據可尋,那些平日不上網不玩社交媒體的長者,亦可能是特朗普鐵票的來源。

近年大數據幾乎成為營銷及廣告行的潮語,我更聽說有廣告公司打着大數據之名,認為有數據就好辦事。數據除了可以幫助客戶預測未來,更可助他們制定成功策略,彷彿數據就是答案。最可怕的是,更聽到有創意主導的廣告公司,積極推動以大數據分析大創意,有了大數據,那些天才創作人都隨時要被淘汰。

到底單靠網絡民調,以及社交媒體的「民意」分析,這些大數據是否足以幫助總統候選人勝出?事實上,特朗普陣營其實也有聘用數據分析師,而那一方的專家也有透露,其陣營早已勝券在握,在Twitter上的支持度更有增無減。不過在主流傳媒、明星造勢方面,其聲浪始終不及希拉里陣營大。

經過這次大選,無論是政壇中人又或是主流傳媒,相信會重新衡量,大家是否都躲在象牙塔太久,而未能真正了解民情?民調及社交網絡所反映的世界,其實又是否真的是主流民意?

《原文刊登於2016年11月11日晴報,本人是此文作者》

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Nov 05

Tim Burton

我的高中年代,因為一齣Beetlejuice,展開了我的Tim Burton電影之旅,及後,舉凡由他執導的電影,由Edward Scissorhands、Batman、Nightmare Before Christmas、Batman、Batman Returns、Mars Attacks、Big Fish等等,我幾乎一齣都沒錯過。

喜歡Tim Burton的朋友,包括我在內,大多是因為欣賞他怪誕荒唐的暗黑氣質,偶爾在電影製作特輯看見過他筆下的草稿、故事板、隨手塗鴉,更加見識到他電影中的美學風格、場面設定、分鏡角度、人物造型等等的出處。

Tim Burton眼中的世界,總是帶點黑暗、也有點抽離,人物嘛,面容身形比例大都比畢加索的抽象畫風更扭曲,但有趣的是,往往卻還保留著一點童真,雖然,那一份童真,會有點詭異,但卻仍不失溫情,你更隨時會被嚇著地,發出會心微笑。

我家裡有一本Tim Burton的繪本《The Melancholy Death of Oyster Boy & Other Stories》,內裡都是他的鋼筆手繪作品,表面上,畫風雖然略為潦草,但見他所取的構圖、角度、透視感,都看得出他的美術修為,其實功力深厚。

收到公關公司Six Degrees的朋友A的邀請,昨天有機會與同事偷步去看了位於太古坊ArtisTree的80天《添布頓異想世界》巡迴展-香港站,我們一行三人,拿著別出心裁的入場券,有點像在Charlie and the Chocolate Factory內抽到Golden Ticket的小孩,雀躍地大踏步前去。

展場內嚴禁攝影,我們三個亦是乖孩子,沒有偷拍,所以只可以和大家形容一下。

場地其實不大,9個主題展區,展出的作品合共500件,我用了大概一個半小時左右的時間,逐一欣賞。對於我這名粉絲來說,當中最引人入勝的,首推那些在餐巾、或順手沾來的紙張上,由Tim Burton親筆繪畫的手稿,數量之多,手繪的即興性,你大概可以感受到,作者是實在是一個半瘋子半天才的藝術家。

除了手稿,展品還包括了他的個人畫作,其中,有他18歲當年投稿迪士尼而被拒絕了的作品,那封拒絕的函件,居然也在展出之列。

畫作中,不少都是用鋼筆、也有用木顏色筆、水彩、Marker筆、以至是Acrylic繪畫的大型油畫,表面上有點像塗鴉,但細看卻知道他的確畫功深厚、繪畫技巧亦十分多元化。

此外,也少不了一些他創作的電影世界內的模型,甚至是立體裝置等等,同場放送的迷你電影院,內容上我就興趣不大,因為到時平時可以在YouTube看到或已經看過的內容。

無論你是否Tim Burton粉絲,只要你對現代普普藝術有興趣的話,這個展覽,絕對值得你去走一趟。

《添布頓異想世界》巡迴展
日期:2016年11月5日-2017年1月23日
地點:香港鰂魚涌太古坊英皇道979號康和大廈1樓ArtisTree
開放時間:早上10時-晚上10時
售票點:購票通 www.goo.gl/v4W18M

 

 

Nov 02

 

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我有(很多)話要說 -盧凱彤新專輯《你的完美有點難懂並不代表世界不能包容》

大家不用數了,盧凱彤這張新專輯的名字,長達十八個字。

的而且確,盧凱彤實在有很多話要說,她還要一口氣用十首歌喋喋不休來跟你講,當中涉及很多私密對話和社會議題,核電、污染、城市人抽離、青少年自殺、同性婚姻、抑鬱症等等,要有多個人有多個人,要有多社會性有多社會性。

又和我們一樣,盧凱彤像是一個充滿無力感的旁觀者,我們都找不到答案,很無奈,只是默默地繼續在憂心忡忡,間中也帶有一點兒惶恐。我們可以做的,就是在默默地自我安慰,告訴自已,事情始終會過去,人成熟了,就會懂得怎麼樣去面對。

因為都是要說自己想說的話,整張專輯的歌詞,都是由盧凱彤一個人包辦。歌曲方面,除了方大同和林宥嘉客串的兩首,幾乎大部分都是由她曲詞編唱奏包辦。

官方資料告訴我,原來這張新專輯是盧凱彤成立個人唱片品牌Rockmui Ltd的創業作,難怪事事親力親為,個人的參與度極高,除了曲詞編唱奏,有些歌曲更幾乎是她一個人的獨腳戲。聯合監製及琴鍵手,是亦師亦友的長期拍檔蔡德才,電子樂團Pixel Toy的何山也有客串合力監製。其餘參與的樂手,主要都是The Ripples Band的成員,打鼓的阿勳、觸執毛的結他手MikeOrange、低音結他手Fergus等等。

先一口氣把整張專輯聽完,可以聽得出,除了編曲,在錄音和混音上,尤其花了頗多心思,有很多特別的音響效果,盧凱彤的聲線色彩,也有很多不同的演繹層次。

翻查資料, 我才猛然醒起,盧凱彤上一張專輯《你安安靜靜地躲起來》,已經是2012年的事,雖然,我的Playlist上還是播著《誰》和《囂張》(又話說這其實是她在2014年以Ellen & The Ripples Band推出的EP內的單曲),有趣的是,盧凱彤的歌曲,卻好像沒有太大的時間性。

1.《還不夠遠》是承接著上述《誰》和《囂張》那類一貫盧凱彤風格的Indie Rock樂隊作品,前奏先來幾下像還在試音狀態般的電結他Chord,鋒利地劈下來,然後樂隊一齊起動,由兩個重複的電結他Major 7 Arpeggio牽動著,像在公路上準備出發一起向前衝,Verse 1完結後,盧凱彤馬上奏起她充滿標誌性的Guitar Solo,這段反而更像是此曲的Chorus,來到Bridge「我們看見的宇宙是個平面」的一段,樂隊像進入另一個層次的高潮,鼓花四濺,樂隊繼續在高速公路全速進發,「只管去冒險,看我越走越遠」後,以像啟動起直升機引擎般的重複電子節奏作回應。高潮過後,稍為靜了一下,前奏的Major 7 Arpeggio再次響起,低音結他、琴鍵逐一加入,然後成員逐一離場,只留下鼓手一人。

2.《我們的皇冠》是緊接上首歌的中快板Pop Rock,前奏的Guitar Solo是先來給大家暖身,讓大家入戲後,Verse 1的歌詞「鏡頭一,我不再說從前;鏡頭二,我不再哭紅眼」就很有畫面感,進入Bridge「我,雖然虛渡了百天」時又忽然來個變調,這段的音準不易掌握,鏡頭轉到另一個場景,來到Chorus「任那風不再動雲不飄」,歌曲又回到原點主調,背後隱藏著低調又搶耳的Guitar Riffs。音樂的間奏,進擊中的鼓手以戰鼓節奏襯托著Guitar Solo,來去匆匆的,把歌曲直接帶到「恐懼就像一朵花」這尾段,響起著Delay效果的Guitar Riffs,推進歌曲再次進入Chorus的高潮,Guitar Solo的Outro把歌曲帶到另一個聲音邊緣,然後用讓人震耳欲聾的結他聲效,畫上句號。

3.《賣空氣的人》風格上立即來個大變身,帶點藍調風格的Shuffle節奏,木結他前奏一開首已經帶點控訴意味,盧凱彤一邊分身主音和唱,一邊彈著木結他一邊彈拍著手一邊同時又踏著手鼓,像個一人樂隊,「用利益,換斃命」明顯就是向文明社會對空氣污染視若無睹的控訴,歌曲重複時,低音部分加入了很多電子合成聲效的節奏,加強了歌曲的繃緊氣氛。

4.《無核》充分展示了盧凱彤的古典結他功架,編曲只有木結他、拍手、以及和音,也有點台灣民謠風的韻味,同樣是一首控訴歌,「花朵長得不像花朵,落葉像骨骸,我目不暇接,卻怎麼有點感慨?」對大自然被肆意破壞的憤怒,對核輻射後對地球帶來的傷害,訴說著她所感到的無力感。

5.《卡帶》是一首治癒系的失戀獨白,沒看MV,我已經可以幻想看到一頭瑟縮在家中角落正在舐傷口的小貓咪。溫柔的鋼琴節奏徐徐響起,零星出現的高音音符,像在琴鍵上輕輕泛起點點的淚光,著墨不多,恰到好處,盧凱彤亦展示出她在唱腔上較成熟的一面。編曲純粹得帶點驚艷,只有鋼琴和一些在第一次Chorus後出現的混音聲效,有點像是混入了鋼琴倒帶聲效的電子聲音,濛濛的感覺,像充著雙眼的淚水,但未有流於煽情,整體感覺,就是剛剛好。

6.《留一秒》是林宥嘉的曲,配上了盧凱彤的詞,是一首充滿黑暗感的作品,編曲同樣十分簡樸,素材主要就是古典吉他,以及一些電子合成器襯托著的聲效,但值得留意的是,在混音上,盧凱彤的歌聲像被先後轉移到不同的空間,Chorus後段的唱腔,她亦作出了不同階段性的變化,旋律音域上,比她平時的歌曲為廣,最後還要來得有點歇斯底里,由「站在大樓邊緣,想著什麼」與「留一秒給疑惑」到「至少有一雙臂,是我,還有我。」之間,她的聲線作出了好幾次的變化。

7.《Honesty》是一首三拍子的Folk Rock作品,找來了台灣著名編曲人兼結他手韓立康的音樂班底,聲音與整張專輯風格略有不同。很喜歡開首充滿公路感覺的電結他前奏,泛起一陣淡淡的孤獨感。原來是一首分手歌,叮囑舊情人要走就要走得瀟灑,不要拖泥帶水。音樂過門後再次回到的Chorus,節奏變得更難以捉摸,聲效電結他、節奏電結他、鼓、琴鍵等兵分幾路,高潮過後,來個瀟灑了斷,結他伴著鋼片琴與如打字機的敲擊聲,不斷在背後叮嚀,敦促歌手要堅強地獨自一人再上路。

8.《家》的前奏,一開首就是告訴你這是一首電子音樂作品,盧凱彤也索性放下了標誌性的結他,音樂材料包括了她像天使般的歌聲,一人分飾多角的和音,以及一些混音效果及電子合成器。盧凱彤也像要用歌聲把我們帶到異次元空間的Interstellar,聲音實在脫俗,低音部分用了一種古老電子樂器Moog Taurus Bass旋律襯托。「兩個女生一個家門外,沉默的風飄來,不再說謊,你是我的」道出了一段同性婚姻的承諾。

9.《懂事》電結他響起了幾個零碎的和弦前奏,同時又聽到一個像在遠方燈塔發出的求救訊號的重複電子聲音,起初很平靜,像在一望無際的大海上漂浮,Verse 1結束後,鼓手如浪花的密集節奏,Guitar Solo旋律鋒利地橫空出現,引領大家進入另一個聲音空間;Verse 2來的時候,鼓手與電結他手忽然變得浮躁,後半段低音結他手也不甘示弱,用旋律對話回應;到了Verse 3展開,又突然回到萬籟俱寂,只剩下木結他和小提琴,但安靜的時間很短,樂隊後半段再來一次集體放肆,弦樂劃破長空,樂隊一起進入「我沒有誰人的陪伴,也能隨心所欲地勇敢」;高潮過後,Outro那段的純音樂實在是精彩到世界盡頭,盧凱彤先以「心頭一片瀾漫」安靜作總結,旋即啟動亢奮激昂的Guitar Solo,節奏結他也加入戰團,鼓手更雀躍得像個瘋子,暢快地來個了結;最後,求救訊號再次響起,我們又回到黑暗的汪洋。實在有很多細節可以欣賞,整張專輯中,這是我最欣賞的歌曲。

10.《你的完美有點難懂並不代表世界不能包容》是專輯的主題曲,亦是閉幕曲,也可能是盧凱彤的夫子自道。的而且確,她的內心世界實在有點難懂,思想亦有點複雜,但整首歌曲卻像一個自癒過程,「每一道痕跡背後都有一段經歷」,就是告訴我們她老早懂得如何自我撫平傷口。在前奏和Verse 1,純鋼琴節奏襯托著孤獨的歌聲,有點像兩個人在對話;Verse 2展開,歌曲由一首Pop Ballad演變成Soft Rock,樂隊柔中帶勁,中間音樂過門後,歌曲變得氣氛變得更明朗化,「原來我只是有瘡疤的天使,原來我沒有停留在原地」歌曲推進至高潮,再來一段電結他聲效噪音,達致放縱地爆發的一刻;Chorus既畢,一切再回歸平靜,其實她的心早已平復,最後,她還告訴大家:「我很好,已經熬了過來」。

《原文刊登於MR雜誌11月號》

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Sep 09

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有別於電影主題曲,一齣電視劇的主題曲,其實又有另一種特定的功能與魅力。因為是連續多個星期的追看,集與集之間,又最少通常有一個星期(當然你看的是Netflix的話又另作別論),每集開首都要重溫一次,就像要大家擔定凳仔,乖乖地坐下來等開場。

所謂的特定功能性,就是一般的電視劇的片頭曲,雖然只是短短的一分鐘,卻是一次幫助觀眾重新入戲及暖身的過程。

除了我小時候最愛看的《Batman》、《Star Trek》、《Six Million Dollar Man》等等,到了80年代,又有《Knight Rider 》、《Miami Vice》、《A-Team》等等,踏入90年代,開始有讓我追得廢寢忘餐的《Twin Peak》、《X-Files》、《Friends》和《The Simpsons》。

踏入大美劇年代,優秀的電視劇片頭曲更是不勝枚舉,《Sex & The City》、《Mad Men》、《Breaking Bad》、《30 Rock》,至於紅到發紫的《House Of Cards》和《Games Of Thrones》,當然不用我多說吧。每首音樂甫一開始,就好像會帶著觀眾馬上入戲,聽到音樂旋律響起,猶如見到劇中人物登場。

有別於香港電視台的師奶劇,大部分美劇的片頭曲都是量身定制,很少是某某歌手專輯內的主打歌,而當中,又以純音樂的居多。

印象中,日劇也有類似的例子,自己上YouTube搜尋服部隆之及千住明這兩個名字,他們都是以撰寫純音樂日劇主題曲的大作曲家,你可能會感到詫異,他們的作品,雖然編曲不特別新穎夠潮,反而更有點復古氣氛,可是,當配上木村拓哉或竹野內豐等偶像派演員的片頭,卻依然不會感到突兀,反而,更間接令人感到該劇的認真製作。

話題扯遠了,其實我要說的,不是什麼電視劇主題曲巡禮,而是最近一齣教看得我入神,一發不可收拾的美劇《Stranger Things》的配樂。這是一齣以80年代為背景的科幻奇情劇,是Netflix的自家製劇集,首季8集,已經一口氣上架。

很多影評人已經作過深入報導,認為此劇是製作人對Steven Spielberg和John Carpenter兩位電影製作人,以及驚慄小說大師Stephen King等一次過的濃縮致敬。不打算劇透了,但我認為此劇除了橋段引人入勝、遍地彩蛋(外國已有不少影評網站逐一指出劇中細節出處)、久違了的Winona Ryder,此外,我覺得該劇的主題曲及配樂,還有片內插曲的選曲也甚有經典大劇之風。

先說主題曲,這可能是自《X-Files》以來,最洗腦的科幻劇片頭曲,擔綱製作的,是來自美國德州的S U R V I V E(這個名字一定要是全大楷然後每個字母之間都有SPACE),一隊名不經傳的電音組合的兩位成員Kyle Dixon & Michael Stein。話說《Stranger Things》的製作兄弟孖人組合Duffer brothers在賣橋給Netflix的時候,已經採用了S U R V I V E作為試片的主題音樂,及後賣橋成功,Duffer brothers便馬上直接聯絡了S U R V I V E的兩位核心成員,要求合作。

這是一首相當典型、屬於80年代電子Cinematic樂風的作品,全曲氣氛像個陰暗漩渦,第一個音符開始,就會把你帶進劇內平衡宇宙的深淵。而全曲的音樂框架,則建基於幾個Analog Synthesizer重複彈奏的1/16節奏Arpeggio,以及層層疊疊的Synth Pad霧氣聲音。Arpeggiator是當年Analog Synthesizer的指定功能,話說當樂手在琴鍵按著不同的和弦,Synthesizer就會自動彈奏出的Arpeggio的功能,像密碼般重複的音符,成為了當代電子音樂的標誌編曲手法。

有朋友認為此劇的片頭曲,部分旋律參考自經典科幻片Tron重拍版本的配樂,當時演出單位是Daft Punk,但我卻覺得只是大家都採用了Arpeggiator,以我認為,很難說這是抄襲,反正Daft Punk這配樂也大有Giorgio Moroder影子。

據一篇Rolling Stone雜誌的訪問報導,Kyle Dixon & Michael Stein二人向來鍾情於「古董」電子樂器,譬如MicroKorg和Roland SH-101等等,為了重塑出80年代情懷的電音迷離效果,這正好就是他們的秘密武器。無獨有偶,Michael Stein的正職,就是在一家中古電子樂器店當技術維修員。

事實上,此曲於配樂方面展現出的氣氛,的確很容易能帶領觀眾入戲,也有洗腦及催眠的效果。既然導演和監製的致敬偶像是Steven Spielberg與John Carpenter,擔綱配樂的Kyle Dixon & Michael Stein的致敬目標,我相信卻是60、70年代的德國電子組合Tangerine Dream、希臘電子音樂詩人Vangelis,意大利電音電影配樂大師Giorgio Moroder等等,各人的音樂都充滿獨特的迷幻氣息,亦間中略帶冥想意味。

除了Kyle Dixon & Michael Stein二人的配樂,劇中選曲也很花心思,除了上述單位Tangerine Dream的《Exit》和《Green Desert》,以及Vangelis的《Fields Of Coral》,也採用了New Order的《Elegia》,混入Kyle Dixon & Michael Stein的配樂中,卻是像同一個時代的產物。

此外,《Stranger Things》劇內也選用了多首80年代的搖滾作品,當中最突出,以及出現次數不止一次的(因為與劇情有關哦),就有The Clash的《Should I Stay or Should I Go》,由於角色之一是Joy Division的粉絲,所以也有樂隊《Atmosphere》一曲的出現。

其餘出現過的經典搖滾名曲實在太多,不能盡錄。但當中,又以某集的結尾曲讓我留下深刻印象,就是David Bowie的經典名作《Heroes》,而劇中卻選用了 Peter Gabriel於2010的翻唱版本,這個版本採用了純弦樂的編曲,弦樂部份的簡約節奏,富有點像Minimalism大師John Adams的現代音樂意味,營造出的聲音,有一種令人說不出的陰暗、壓抑、沉重。

執筆之時,《Stranger Things》的第一輯配樂,以Kyle Dixon & Michael Stein(而並非S U R V I V E)的名義,剛好在iTunes Store上架,聽罷整張專輯,電氣化的Cinematic霧氣貫徹始終,雖然有少許Vangelis與Tangerine Dream的影子,卻仍有一股獨特的新生代氣息。除了片頭曲外,描述超能力少女的主題旋律《Eleven》、一步一驚心令人有股窒息感覺的《The Upside Down》和《Walking Through the Upside Down》、如進入異度空間的《One Blink for Yes》等等,都是上乘佳作,很難想像,這是該電音組合首次登上大舞台的作品。

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Sep 09

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也許,世間上值得你期待的事物已愈來愈少,等一個人的咖啡,亦可能只是存在於某齣電影裡面的情節。

可是,只要你心存希冀,世間上永遠有一些還值得你期待的美好事物,譬如音樂。

2016年5月9日,全球有不知多少樂迷,都在社交網絡上緊貼來自@radiohead這個Twitter帳號,守候著一張事先張揚的新專輯的有關消息。

這個年頭,相信亦已經沒有多少隊樂隊還有這種魅力,足以讓樂迷如此這般地望穿秋水,就在那一天,香港時間大概凌晨1點56分,Radiohead正式宣布,樂隊的第九張錄音室專輯《A Moon Shaped Pool》推出了,並且一口氣公告發行的渠道。

首先,你可以第一時間擁有這專輯的,是在Radiohead的官方發行網,購買並下載專輯的數碼音樂檔。實在與時並進啊,你除了可以選購為320kbit的MP3,更有16-bit 或 24-bit的高清WAV檔案以供選擇,迎合像我這類早已放棄了實體CD,但卻對音質有一定要求的樂迷。

當然,還是會堅持實體唱片的死忠粉絲,也可以預訂CD、黑膠,以及特別版具收藏價值的Boxset,三個實體版本,分別在6月和9月送貨。

此外,樂迷也可以在iTunes Store、Google Play及Amazon等直接購買數碼音樂檔,至於音樂串流服務,Apple Music、TIDAL及Rhapsody也在名單上,一如所料,曾一度鬧翻了的Spotify,除了專輯第一首單曲《Burn The Witch》,暫時未見其實音軌的影蹤。

事實上,由2007年《In Rainbows》這張專輯開始,由於剛剛結束和EMI的賓主關係,Radiohead已索性自訂專輯發行的遊戲規則,不想再讓大唱片公司的面色,任由他們從中取利。除了先在網絡發行數碼音樂檔的版本,Radiohead更想與樂迷賭了一鋪,看看大家對他們的忠誠度,可以去到有幾盡。

專輯剛推出時,Radiohead採取「樂迷自定價格」制,下載者覺得這專輯值多少錢,就付多少錢,覺得一文不值的話,甚者,你更可以免費下載。

這個世界最大的力量,莫過於給予別人自由,最後,據稱,Radiohead這張專輯網絡音樂檔的平均定價(即樂迷下載及付費總數平均結算),與一般正價CD無異,真正有賺。

以一隊成軍超過30個年頭的樂隊來說,Radiohead產量算少,難怪每次發片都惹來極大關注,這一次,當然也不例外。一如既往,除了在發片前數個月玩失蹤,直至4月30日,曾經在其官網買過東西的粉絲,紛紛收到印有《Burn The Witch》歌詞的明信片;可是,在一夜之間,到了5月1日,Radiohead一口氣刪除了他們所有在官網及社交網絡帳號的內容,象徵化樂隊的「重生」意味,也好像回應了樂隊舊作《How To Disappear Completely》;5月3日,《Burn The Witch》單曲開始可以下載,同時亦在YouTube發行了官方的音樂錄像;5月9日,專輯正式網絡發行。

我也第一時間聽了,由於我沒有Apple Music和TIDAL的帳號,我聽的,是在iTunes Store買回來的版本。題外話,Mastered For iTunes的音響質素出奇地高,隨時比我平時自己用CD rip的AAC檔好。

二話不說,戴上耳筒,一口氣把整張《A Moon Shaped Pool》聽完,由第一條音軌《Burn The Witch》開始,直至第十一條音軌《True Love Waits》結束,我像到了一個遙遠的地方,欣賞了一望無際的美好風光,去了一趟離現實生活很遠的旅程。

有別於上張專輯《The King of Limbs》的抽離、冷漠,今回的部分歌曲,Radiohead稍稍回歸到一如《In Rainbows》專輯般較旋律化的靡靡之音,再混合上Kid A般糅合了Neo-Classical管弦樂和電子樂音,節奏以中慢版為主,如果聲音有顏色,這大概應該是黑白灰,是有點迷幻色彩的Psychedelic Folk。

1.《Burn The Witch》起首的1/16弦樂節奏,樂手施展col legno battuto弓法,弦樂聲像敲擊,展開了一個視野遼闊的音樂序章,是一首電子搖滾音樂交響曲。

2.《Daydreaming》以3/4和6/8拍子交替的鋼琴伴奏,同時用了不少聲音音軌逆向播放的音效,同時,歌詞卻唱出”Beyond the point of no return/and it’s too late, the damage is done” ,像甜夢,也像惡夢。

3.《Decks Dark》可能是整張專輯中,旋律及歌曲結構最具流行意味的作品,這是一首低調、沉鬱,慢版節奏的輕搖滾作品,柔弱的電子鼓節奏,襯著鋼琴與歌聲,樂曲後半部電結他節奏籠罩在電子聲效的霧氣中,聽得我元神出竅。

4.一歌未平,一歌又起,緊緊相連的《Desert Island Disk》,guitar riff的音樂動機不斷重複,folk rock配上電子,算是專輯中略具陽光感的歌曲。

5.《Ful Stop》展開,電子低音及電子鼓循序推進,算是專輯中速度感較強的聲音,但令人充滿不安的和弦及旋律,歌曲展開了三分鐘,去到3:10才進入戲肉,是一首對大自然環境充滿焦慮的交響詩。

6.開首的弦樂及鋼琴伴奏,讓《Glass Eyes》的聲音富有相當的電影感,是一首充滿Cinematic味道的Ballad。

7.主音部分採用了很奇特的混音手法錄製的《Identikit》,算是另一首旋律感及流行意味較強的歌曲,副歌的確是琅琅上口,但尾段結他獨奏的迷幻旋律,又把作品帶到另一個層次。

8.《The Numbers》開首的Acoustic Guitar,再加上充滿爵士樂味道的Bass Guitar,即興意味很強,十分富有Radiohead早期的迷幻實驗味道,後半部的弦樂則充滿東方韻味的異國情調。

9.幽怨的中板節拍的Bossa Nova展開,《Present Tense》馬上令人想聞歌起舞,歌者遲遲未出場,一分鐘才開金腔,甜美的結他節奏,卻帶有少許苦澀味。

10.《Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief》是首充滿實驗味道的作品,歌曲開首有點像Brian Eno的環境音樂實驗作,歌曲後半部,則以Cinematic Folk Rock為核心。

11.曾經只作過現場演出的《True Love Waits》,是一首最簡單不過的Acoustic Ballad,重複出現的鋼琴旋律動機,貫穿了整首歌曲,然後,更多層次的鋼琴旋律動機進入,配合電子音效,嘀嗒嘀嗒,既和諧,又充滿色彩上的衝突,最後,一個Major 7和弦,令人念念不忘,必有迴響。一曲既畢,已經期待下一張Radiohead的專輯。

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Sep 09

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在東莞電擊的士高出現之前,電子音樂曾經是一個優雅的音樂品種,是七十、八十年代文青的有品味另類選擇。

不要以為我信口開河,我是非常認真的。

那個年代,不要說電子樂器,就連電腦也尚未普及,玩得起電子音樂的,我都覺得應該是富二代的音樂人、又或者是嚴肅音樂界的前衛音樂人。而玩電子音樂又有別於夾Band,通常都是很孤獨,大多數都是一個人躲在蝙蝠洞的。

那個時代還在讀初中的我,當然玩不起電子音樂,而那些大大台的電子樂器,基本上是如聖殿中高不可攀的聖物,只不過,每一次當我能夠隨便在書友仔面前拋出一堆名字,Kraftwerk、Tangerine Dream、Brian Eno、Vangelis,以及來自日本的Tomita及YMO(Yellow Magic Orchestra),我便不難看到一些為之傾慕的眼神。

七十、八十年代的電子音樂,遊走於古典、前衛、搖滾、的士夠格之間,集科幻及夢幻於一身,除了上述一大堆名字,能夠以純樂器演奏而能夠晉身流行榜的第一人,非Jean Michel Jarre(以下簡稱JMJ)莫屬。

出生於法國的JMJ,今年已經68歲,1976年令他爆紅的一張專輯,雖然是家庭式Home Studio製作(的確係有錢人的玩意),卻成功賣出一千二百萬張,及後每張專輯都大賣,我手頭上已找到一項據2004年為止的統計,當年,他已經累積了賣出超過八千萬張專輯的紀錄,名副其實是電子音樂界勁歌金曲的第一人。

即使你未必聽過JMJ這名字,但因為他的作品廣泛地被應用於廣告,以及不同的紀錄片配樂(情況有點像後來的Moby),所以你應該或多或少都會接觸過他的音樂。

踏入80年代,當時得令的JMJ,最備受談論的,就是他配合雷射激光及舞台效果的大型現場演出。話說於1981年,他已經在北京、上海舉行過大型電子激光音樂會,配合中樂團,現場演出的一曲電子版本的《漁舟唱晚》,林子祥後來也有改編。想像一下,那是八十年代初, 是那個在中國買舶來貨品,還需要用外匯券的時代,北上搵人仔的外國音樂人,相信沒有多少人可以和他比。

1994年,JMJ也曾經來過香港大球場開音樂會,六百萬的製作費,想當年曾一度備受批評太貴(以當年的標準),並且成為城中話題,事事關心的無綫新聞也有報導,但當時他的幻彩詠香江式激光演出,實在是劃時代,相信亦令不少人留下深刻印象。

JMJ的純音樂作品,早期因為應用了大量的Sequencer:一種在電腦出現前廣泛被使用的電子音樂記錄工具,大致上是將樂器彈奏的元素,記錄成可重播、重複使用的片段,作品中有不少機械式的音樂素材,譬如,一些序列的琶音(appreggio),井然有序地重複出現,電子鼓擊節奏當然也不再話下。

但同時間,亦因為JMJ的古典音樂背景,他亦喜歡把電子樂器管弦樂化,配合純效果的電子聲音,營造出大規模的音場,有種像交響詩或者是電影配樂的味道。

此外,值得留意的是,早期的電子樂器,罐頭聲音選擇近乎零,所以,大部分電子音樂人都是會千方百計,用自己的方式製造聲效的。正如JMJ,他那個時候製造的原創聲音,不少都成為了後人的罐頭聲效。

雖然年紀老早超過半百,JMJ一直都沒有養尊處優,停下腳步,依然演出頻頻,間中還有新作面世。

先後於去年和今年推出的《Electronica 1 & 2 》,就有點像他回顧過去音樂生涯的作品展,找來的大批著名電子音樂人合作,更彰顯出他大師中的大師傅這地位,致敬意味甚濃。

《Electronica 1 :The Time Machine》就找來了法國電音新貴Air、前Depeche Mode主將Synthpop界殿堂級人物Vince Clarke、電子搖滾怪傑Moby、德國電音先驅Tangerine Dream、電子音樂女神Laurie Anderson、Trip Hop啟蒙Massive Attack的領軍人3D,老中青跨代跨界別,透過電子樂音,像與我們展開了一趟時光旅程。

來到《Electronica 2 :The Heart Of Noise》,同樣是星光熠熠,陣容一時無倆,18首歌曲,看見名單,未聽都興奮。

先負責暖身的,有來自法國的新進電子音樂人Rone,主題曲《The Heart Of Noise》分為兩個部分,同一主旋律,編曲截然不同,Part 1較為Cinematic,Part 2則節奏感較強,把聽眾帶進去不同畫面的世界。

Pet Shop Boys擔綱主唱的《Brick England》,是該組合一貫舞曲風格,只是程序化的電子聲效,變得較為JMJ化,副歌旋律相當琅琅上口,標準的流行榜作品。

來自加州的新一代女唱作人Julia Holter主唱的《These Creatures》,聲音像仙女下凡,Sample了的女聲,融入成為樂器的一部分,Minimal的音樂架構,帶來了一霎驚艷美感。

《Here For You》是典型的Gary Numan風格多於JMJ,中板Post-Punk加SynthPop舞曲,另類聲音,帶點陰暗、沉淪。

與電影配樂大師 Hans Zimmer聯手,JMJ又帶來了氣勢磅礴的《Electrees》,層次逐步推進,到樂曲中段,我已分不清究竟是電子音樂管弦樂化,還是管弦樂電子化。

除了Pet Shop Boys,整張專輯最具流行元素的,首推Sebastien Tellier的《Gisele》,但這流行元素,卻是來自八十年代的Synthpop樂類。

擅長玩電子Soundscapes的The Orb,炮製出來的《Switch On Leon》,糅合了其標誌性的Dub Basslines,再加上70年代迷幻電子樂音,有點像在向早年的JMJ致敬。

Cyndi Lauper現身於《Swipe To The Right》,曲風雖然有點八十年代,題材卻是有關時下交友社交APP Tinder,是一首令人聽得賞心悅耳的作品。

最後,配上了Edward Snowden驚世告白的《Exit》,高壓電子節拍,聲效也非常壓抑,是一首令人透不過氣的作品。

專輯中較為令人失望的,反而是Primal Scream的《As One》,不知道是否刻意大玩80年代後期的的士夠格音樂,風格不見突出之餘,還要有點老土。

感覺上,《Electronica 2》比《Electronica 1》精彩,亦納入了較多流行元素,但作品的水準卻較為參差,如果要你一口氣聆聽整張專輯,會有點難度。

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Jul 08

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20世紀的爵士音樂界,曾經也出現過東邪西毒,他倆的音樂武功,各走偏鋒,你很難用世俗人的角度,去判斷他們的音樂技巧,是否真的如何地登峰造極,但可以肯定,無論音樂與造型,甚至是他們如流星掠過般的人生,都同樣地可以追魂奪魄,抓住萬千聽眾/觀眾的神經。

回想當年我還在上大學當全職樂評兼職學生的時代,我使勁寫了很多篇關於Miles Davis和Chet Baker的長篇評論文章,而且一直還覺得永遠寫不完,我更加是三生有幸,八十年代末,為了一睹偶像風采,曾經在香港舉行的Mild Seven Live Under The Sky爵士音樂節中,我跑了去當後台小工,在近距離見過Miles Davis真身。

無獨有偶,有關Miles Davis和Chet Baker生平的兩齣傳記式電影,《Miles Ahead》和《Born to Be Blue》,最近都相繼在美國上畫,香港的戲院,相信都未必會上了,在我苦等著Blu-ray或者是iTunes Store出現之前,執筆之時,我正開始在炮製了兩個Spotify Playlist,作為自己重溫這兩位爵士樂東邪西毒的懶人包,順便作為電影前的熱身前奏。

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先介紹一下Miles Davis(1926-91)。

Miles Davis之於爵士樂,基本上就如David Bowie之於搖滾樂,他的影響力,是跨世代、跨類別的。由早期的Swing、Bebop、Cool Jazz、Third Stream、Modal Jazz、Post-bop、Jazz Fusion、Jazz Funk、Jazz Rock、Hip-Hop等等,他都不單止涉獵過,他更加是箇中領域的先行者、領導人,新音樂方向的話語權,永遠好像都屬於他的。

作為經常性的樂隊領隊,被他提攜過或因為與他合作過而成名的樂手,不單止不勝枚舉,而且是星光熠熠,隨便拿堆名字出來,John Coltrane、Wayne Shorter、Kenny Garrett、Horace Silver、Bill Evans、 Herbie Hancock、Joe Zawinul、Chick Corea、Keith Jarrett、John McLaughli、John Scofield、Mike Stern、Ron Carter、Dave Holland、Marcus Miller、Tony Williams、Jack DeJohnette,全部獨當一面,而且後來也開枝散葉,七十二家房客也嫌少。

因為音樂風格甚迥異,近乎神經分裂,單單錄音室專輯已經有48張,現場錄音更不計其數,可以想像,要形容Miles Davis的音樂風格,絕不可能可以三言兩語說完。如果有人告訴你他很喜歡Miles Davis的作品,你一定要問清楚他/她說清楚是哪一個時期的Miles Davis,否則,經驗告訴我,這位仁兄/姐九成是在「吹水」,但如果你逼我推薦,雖然取捨太難,但以下五張專輯,我認為是必聽的。

《Walkin’》:早期的經典作品,以Miles Davis All-Star的名義推出,領袖魅力,漸露頭角,當時爵士樂由Bebop伸延出來的Hard Bop,節奏與旋律都更狂燥,更急進。

《Round About Midnight》:把原有的Wow-Wow Mute前端的漏斗配件拿走,就成為了後來大家稱為的Harmon Mute,這帶有點壓抑孤獨感的獨特聲音,就是由他開創,《Round Midnight》這首主題曲則為完美示範,那種在音樂現場的煙霧彌漫、醉生夢死的陰暗沉鬱,無人演繹得比他好。

《Miles Ahead》:與Gil Evans的合作,樂隊編制較華麗,配器有點像古典室內樂,Miles Davis則像是協奏曲的主角,罕有地全程吹奏Flugelhorn,但有趣的是,他圓渾的小號聲,本身已帶幾分Flugelhorn的味道,不告訴你,一般人應該分不出來。

《Porgy and Bess》:再度與Gil Evans攜手,將Gershwin的爵士樂歌劇改編,樂隊編制更華麗,同時亦是Modal Jazz的開端,不要只聽《Summertime》,也要聽聽《I Loves You, Porgy》,這時期的他,在編曲上作出很多嘗試和實驗 。

《Kind of Blue》:把Modal Jazz的實驗性推到極致,樂手進入錄音室前,每個人只被派發一堆譜上面只有幾條不同音階和旋律的樂譜,除了《So What》之外,遊走於五個Modal音階上循環即興的 《Flamenco Sketches》,淺嚐一兩口不加冰的威士忌,隨時會讓你聽到元神出竅。

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說完東邪,西毒要出場。

被譽為是爵士樂界的James Dean,Cool Jazz的標誌性人物,Chet Baker(1929-88)幾乎可以稱得上是一名偶像派樂手,雖然絕無貶義。事實上,1953至1954年,他便連續兩年在權威爵士音樂雜誌《DownBeat》,被讀者選為最佳小號手,贏了Miles Davis,難怪傳聞他倆不和。以風格論,Chet Baker不及Miles Davis多樣化,但演奏Bebop及Swing一類音樂時,技巧仍可相提並論,雖然,這只限於他早期剛成名時期(五十年代)的演出。

事實上,Chet Baker不算得上是一名技術型樂手,聽他的現場錄音,總會聽到他好像危危乎、快要倒下來的吹奏,但他的小號吹奏卻充滿個人風格,音色清亮筆直,即興的旋律充滿歌唱性,很少顫音修飾;而他那慢條斯理、憂怨醉人的「病態美」歌聲,才是迷倒萬千少女心的必殺技,難怪大家總是最愛他演奏的Jazz Ballad,其懾人電力,直情勁過國產凌凌漆唱《李香蘭》。說他是Cool Jazz的最佳代言,真的並非浪得虛名,因為,他的Cool,真的是入心入肺,也包括了他本人浪蕩不羈、糜爛頹廢的一生。

相比起Miles Davis,Chet Baker推出過的專輯則較為零碎,有不少都是曲目重複的精選合輯,又或者是大量的現場錄音,版本多得有點混亂,而他最經典的作品,大多在Pacific Jazz及Riverside兩個Label出現。

《West Coast Live》:1953年與Stan Getz及Russ Freeman同台演出的經典錄音,是West Coast Jazz的最佳入門作品之一,那個時代大家雖然未有優皮這概念,但這些音樂,永遠聽起來都覺得很優皮。

《Jazz at Ann Arbor》:以一個標準的爵士四重奏組合,於1954年與好拍檔Russ Freeman出現在東岸的密歇根大學,剛被Down Beat讀者選為最佳小號手的他,無論自信、技術都是處於巔峰狀態,《Stella by Starlight》中他使出了最Swing的造句。這張專輯極之罕有,早期只有出現過日本版,但如今Spotify上居然出現了,Apple Music反而沒有!

《The Chet Baker Sextet》:這其實是一張精選合輯,收錄了他於1954至1957年期間在Pacific Jazz旗下的六重奏錄音,同樣是典型的West Coast Jazz,但樂隊的編製卻來得多了一點實驗性,加入了法國號、巴松管、低音單簧管、大提琴等等,在50年代來說是很創新的嘗試。

《Chet Baker Sings》:初試啼聲當歌手,老拍檔Russ Freeman全力支持,他一開腔唱出《My Funny Valentine》,世界就像要停頓下來,大家不禁會問,究竟他是一名懂得唱歌的小號手,還是一名懂得吹小號的歌手?

《It Could Happen to You》:吹而優則唱的Chet Baker,繼續以西岸爵士的靡靡之音,讓人陶醉,可能是他最重要的專輯,歌唱風格和技巧亦更見成熟,《Do It the Hard Way》完美示範了即使手上沒拿著小號的他,Scat Singing的即興旋律,也可以媲美樂器演奏。

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Jul 08

李榮浩 - 有理想

2014年當他拿到台灣金曲獎最佳新人時,作為樂迷的你,可能還不知道李榮浩是誰。

後來,聽到歌姬王菲盛讚他的歌為「帥歌」。

最近,八卦新聞又頻頻報導他和楊丞琳的戀情。

但坊間有關他的新聞,聽得最多,還是John Mayer鐵粉大罵他的歌褻瀆了大家的音樂偶像,包括同樣自認是John Mayer粉絲的李榮浩本人。

除了抄襲John Mayer的指控,網上抨擊他的抄襲指控還層出不窮,還包括E神唱腔(大家只是音域相似哦)、姐卵「矇豬眼」及談吐氣質(吓?咁都得?)。

事實上,這位來自安徽的中國音樂創作人,19歲入行,出道已經11年,曲詞編全包辦,除了唱歌,還彈得一手好結他,可能由於喜歡John Mayer喜歡到入血入骨,作品中尤其是Guitar Riff及Chord Progression,的而且確,經常流露著少許對偶像「致敬」式的影子。

可是,以歌論歌,無論大家批評他如何帶著別人的影子,但我仍實在難以否認李榮浩的才華,更何況,短短三張專輯,來到這第3張《有理想》,音樂上的驚喜,整體不及上兩張專輯,但「榮式帥歌」風格已經成形。

當然,如果你硬要挑骨頭出來,你總是有辦法找到少許人家的影子,因為在這個太陽之下無新事的世代,已很難再有什麼音樂新元素是由石頭爆出來,完全沒有出處的,但如果大家因為這些因素而抹煞了李榮浩音樂的可取之處,我覺得會是太可惜哦。

1.野生動物
唯一並非曲詞包辦,由黃偉文填詞的歌曲,為這張專輯打開序幕,一個沉鬱的minor key鋼琴前奏展開這歌曲,verse 1進入,原來是與前奏同一個的旋律,短短重複的幾個音符,旋律變化不大,於窄幅徘徊,有點像喃喃自語,「慾望的魔都」這句旋律動機,伸延至Pre-chorus一段的「等待著追捕」 ,一直伸延至副歌,才開始略帶激昂,高潮之處,「所謂的深愛或孤獨」這句假音轉得不費吹灰之力,嗓音帶點孤獨傷感。

2.滿座
Distortion電結他Broken Chord與鋼琴展開輕輕的咆哮,另一邊廂,另一支電結他加入在搭訕,有點像在控訴,慢板的輕搖滾序幕,Verse重複了兩次後,短短的Pre-chorus展開,很快便進入Chorus,「一生未必會滿座,都曾經來過」這兩句的Major7 Chord,旋律進入得實在太悅耳。中段電結他Solo再次進入Chorus,情緒一直被旋律牽引著,「我們向右偏左的墜落,琢磨著尋求自我,連帶愛人親友你我都包括」這Chorus尾段,歌者像在驀然回首。

3.有理想
這是一首較為輕快佻皮的歌曲,前奏口哨加吟唱的半音階旋律已經定調,「穿的也不算貴,黑白灰,儘量自費」有點像在自嘲,這段Verse重複了一次,便直接進入Chorus,「其實都算是有理想啊,都是廢寢食忘啊」都是前奏音樂的旋律回應,李的唱腔也顯得較平日隨意不羈。

4.爸爸媽媽
這是整張專輯中我最喜歡的一首歌,除了是因為歌詞中訴說對父母親的感恩寫得太好外,這首歌中所演繹出的情感,亦是相當真摯動人,Chorus的「爸爸媽媽給我的不少不多,足夠我在這年代奔波,足夠我生活,年少的輕狂不能用來揮霍,也曾像朋友一樣和我訴說。」旋律非常琅琅上口,加上歌詞的感染力,唱得肉緊之處,實在很難不跟著唱。但拜託不要再說他的唱腔像陳奕迅了,兩者音域實在太接近,我反而在幻想,如果這首歌交由陳來演繹,可能又會有另一番滋味。

5.流行歌曲
很中國流行小調的味道,以Chorus來開首,電結他彈奏的前奏,卻來點Country Rock的功架,來到主菜的Chorus,旋律反而變得有點平板,曲名是流行歌曲,好像有點反諷意味。

6.優點
這是整張專輯第一首讓我聯想到John Mayer的歌曲,Country Rock的慢板前奏,結他的彈奏處理手法也像在向JM致敬,進入了歌唱旋律,卻回到不折不扣的中文歌曲風貌的旋律,除了到達Chorus旋律尾段,激昂聲嘶力竭之處,才終於有點西方流行曲的味道。

7.不將就
這是一首大旋律的情歌,一開首前奏已感覺很大氣,流行情歌的意味很濃,鋼琴伴奏獨唱的Verse,令我想起周杰倫的情歌,Chorus的旋律高潮拿捏得很準,「互相折磨到白頭,悲傷堅決不放手,開始糾纏之後,才又被人放大了自由」,很難不被一擊即中,中段純音樂的弦樂間奏,初次回到Chorus,最後一次重唱「如果我說,不吻你不罷休」,感覺實在是太過周氏情歌。

8.心裡面
前奏及verse的旋律帶點曖昧,令人有點不明確的感覺,像是對不穩定的愛情,亦有點揮之不去的不安。來到Chorus,氣氛忽然由冷淡轉向微溫的熱情,muted trumpet營造出多少輕爵士樂的優雅氣氛。

9.女孩
整張專輯中較明顯對John Mayer「致敬」的作品,但充其量,參考了的主要只是那段懶洋洋的輕爵士樂結他前奏,以及Verse部份少許的音樂結構,但進入Chorus後,已經是變成兩回事,旋律的句子較長,「來一個一輩子陪伴自己的倔強,來一個失而復得都不想再逃」是很中國小曲風的。我最喜歡到達中段音樂部份轉調的電結他獨奏與樂隊對話,亦是李榮浩賣力之作,當進入了Bridge,再轉調、乘勢再次接入 Chorus,假音高亢激情過後,最後奏忽然安靜下來「幸福嗎都說不知道怎麼樣都好,有天有個人肩膀可以靠」。

10.宛若新生
接近專輯的尾聲,感覺上,李榮浩也好像變得輕鬆起來,一幕場景設定在小舞台的演出,有點藍調搖滾的韻味,Verse的旋律像邀請了特別嘉賓盧廣仲出來,進入Chorus「宛若新生的,五光十色,要發光發熱,年輕的。」不知是否因為是廣告歌關係,感覺在有點硬銷了。

11.大太陽
電結他營造了一陣氣氛,開首Verse的旋律,令人聯想到趟臥在大草地上,享受著自由空氣的感覺,進入Chorus,旋律卻變得很有北京搖滾的Rock Ballad韻味,尤其是在旋律高處,假音轉換部份嗓音。最後一次進入Chorus前,先來一段Bridge暖身,然後推進往全曲的高潮,最後,當然少不了李榮浩大顯身手,來一段好像不想完結的電結他獨奏。

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Jun 19

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有說,中國人比較含蓄,即使是親人,一般都比較怕表達自己的情感。

又有說,父母的光環總是落在媽媽上,爸爸較少受到子女的表揚。

但其實,雖然相對沉默,但爸爸也是支撐著子女成長的背後男人。

今年父親節,我們公司的團隊,一口氣做了兩個父親節的Campaign。

第一個是為飛利浦電鬚刨製作的企劃,我們嘗試探討父親這角色,在子女的成長中,擔綱著一個怎麼樣的角色。

我們做了一系列的對談,除了四位名人,也從多位公開招募的參加者中,選出了六個動人的溫馨故事,六位爸爸,終於站在spotlight下,接受子女的加冕。

第二個是為Canon製作的父親節短片。

其實靈感是來自去年我們做過的一個Canon企劃,我們訪問了很多位Full Frame相機用家,當中有好幾位,都不約而同告訴過我,或多或少,他們都是因為爸爸已開始喜歡攝影的,而小時候,爸爸的相機嘛,當然都是生人勿近的。

以下這個故事,是他也是你和我,只因為,天下爸爸一樣黑(面)。

拍攝當日,因為借出拍攝場地的陳烘老師不方便出鏡,而我又是在場最老又夠「佬」的一位,導演最後決定,由我來飾演中年陳烘老師的店長一角。

當晚,我獲派了一個飯盒做酬勞,還有追加一杯凍檸茶。

這個父親節,祝各位也很難忘、很快樂。

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