Sep 09

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有別於電影主題曲,一齣電視劇的主題曲,其實又有另一種特定的功能與魅力。因為是連續多個星期的追看,集與集之間,又最少通常有一個星期(當然你看的是Netflix的話又另作別論),每集開首都要重溫一次,就像要大家擔定凳仔,乖乖地坐下來等開場。

所謂的特定功能性,就是一般的電視劇的片頭曲,雖然只是短短的一分鐘,卻是一次幫助觀眾重新入戲及暖身的過程。

除了我小時候最愛看的《Batman》、《Star Trek》、《Six Million Dollar Man》等等,到了80年代,又有《Knight Rider 》、《Miami Vice》、《A-Team》等等,踏入90年代,開始有讓我追得廢寢忘餐的《Twin Peak》、《X-Files》、《Friends》和《The Simpsons》。

踏入大美劇年代,優秀的電視劇片頭曲更是不勝枚舉,《Sex & The City》、《Mad Men》、《Breaking Bad》、《30 Rock》,至於紅到發紫的《House Of Cards》和《Games Of Thrones》,當然不用我多說吧。每首音樂甫一開始,就好像會帶著觀眾馬上入戲,聽到音樂旋律響起,猶如見到劇中人物登場。

有別於香港電視台的師奶劇,大部分美劇的片頭曲都是量身定制,很少是某某歌手專輯內的主打歌,而當中,又以純音樂的居多。

印象中,日劇也有類似的例子,自己上YouTube搜尋服部隆之及千住明這兩個名字,他們都是以撰寫純音樂日劇主題曲的大作曲家,你可能會感到詫異,他們的作品,雖然編曲不特別新穎夠潮,反而更有點復古氣氛,可是,當配上木村拓哉或竹野內豐等偶像派演員的片頭,卻依然不會感到突兀,反而,更間接令人感到該劇的認真製作。

話題扯遠了,其實我要說的,不是什麼電視劇主題曲巡禮,而是最近一齣教看得我入神,一發不可收拾的美劇《Stranger Things》的配樂。這是一齣以80年代為背景的科幻奇情劇,是Netflix的自家製劇集,首季8集,已經一口氣上架。

很多影評人已經作過深入報導,認為此劇是製作人對Steven Spielberg和John Carpenter兩位電影製作人,以及驚慄小說大師Stephen King等一次過的濃縮致敬。不打算劇透了,但我認為此劇除了橋段引人入勝、遍地彩蛋(外國已有不少影評網站逐一指出劇中細節出處)、久違了的Winona Ryder,此外,我覺得該劇的主題曲及配樂,還有片內插曲的選曲也甚有經典大劇之風。

先說主題曲,這可能是自《X-Files》以來,最洗腦的科幻劇片頭曲,擔綱製作的,是來自美國德州的S U R V I V E(這個名字一定要是全大楷然後每個字母之間都有SPACE),一隊名不經傳的電音組合的兩位成員Kyle Dixon & Michael Stein。話說《Stranger Things》的製作兄弟孖人組合Duffer brothers在賣橋給Netflix的時候,已經採用了S U R V I V E作為試片的主題音樂,及後賣橋成功,Duffer brothers便馬上直接聯絡了S U R V I V E的兩位核心成員,要求合作。

這是一首相當典型、屬於80年代電子Cinematic樂風的作品,全曲氣氛像個陰暗漩渦,第一個音符開始,就會把你帶進劇內平衡宇宙的深淵。而全曲的音樂框架,則建基於幾個Analog Synthesizer重複彈奏的1/16節奏Arpeggio,以及層層疊疊的Synth Pad霧氣聲音。Arpeggiator是當年Analog Synthesizer的指定功能,話說當樂手在琴鍵按著不同的和弦,Synthesizer就會自動彈奏出的Arpeggio的功能,像密碼般重複的音符,成為了當代電子音樂的標誌編曲手法。

有朋友認為此劇的片頭曲,部分旋律參考自經典科幻片Tron重拍版本的配樂,當時演出單位是Daft Punk,但我卻覺得只是大家都採用了Arpeggiator,以我認為,很難說這是抄襲,反正Daft Punk這配樂也大有Giorgio Moroder影子。

據一篇Rolling Stone雜誌的訪問報導,Kyle Dixon & Michael Stein二人向來鍾情於「古董」電子樂器,譬如MicroKorg和Roland SH-101等等,為了重塑出80年代情懷的電音迷離效果,這正好就是他們的秘密武器。無獨有偶,Michael Stein的正職,就是在一家中古電子樂器店當技術維修員。

事實上,此曲於配樂方面展現出的氣氛,的確很容易能帶領觀眾入戲,也有洗腦及催眠的效果。既然導演和監製的致敬偶像是Steven Spielberg與John Carpenter,擔綱配樂的Kyle Dixon & Michael Stein的致敬目標,我相信卻是60、70年代的德國電子組合Tangerine Dream、希臘電子音樂詩人Vangelis,意大利電音電影配樂大師Giorgio Moroder等等,各人的音樂都充滿獨特的迷幻氣息,亦間中略帶冥想意味。

除了Kyle Dixon & Michael Stein二人的配樂,劇中選曲也很花心思,除了上述單位Tangerine Dream的《Exit》和《Green Desert》,以及Vangelis的《Fields Of Coral》,也採用了New Order的《Elegia》,混入Kyle Dixon & Michael Stein的配樂中,卻是像同一個時代的產物。

此外,《Stranger Things》劇內也選用了多首80年代的搖滾作品,當中最突出,以及出現次數不止一次的(因為與劇情有關哦),就有The Clash的《Should I Stay or Should I Go》,由於角色之一是Joy Division的粉絲,所以也有樂隊《Atmosphere》一曲的出現。

其餘出現過的經典搖滾名曲實在太多,不能盡錄。但當中,又以某集的結尾曲讓我留下深刻印象,就是David Bowie的經典名作《Heroes》,而劇中卻選用了 Peter Gabriel於2010的翻唱版本,這個版本採用了純弦樂的編曲,弦樂部份的簡約節奏,富有點像Minimalism大師John Adams的現代音樂意味,營造出的聲音,有一種令人說不出的陰暗、壓抑、沉重。

執筆之時,《Stranger Things》的第一輯配樂,以Kyle Dixon & Michael Stein(而並非S U R V I V E)的名義,剛好在iTunes Store上架,聽罷整張專輯,電氣化的Cinematic霧氣貫徹始終,雖然有少許Vangelis與Tangerine Dream的影子,卻仍有一股獨特的新生代氣息。除了片頭曲外,描述超能力少女的主題旋律《Eleven》、一步一驚心令人有股窒息感覺的《The Upside Down》和《Walking Through the Upside Down》、如進入異度空間的《One Blink for Yes》等等,都是上乘佳作,很難想像,這是該電音組合首次登上大舞台的作品。

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Sep 09

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也許,世間上值得你期待的事物已愈來愈少,等一個人的咖啡,亦可能只是存在於某齣電影裡面的情節。

可是,只要你心存希冀,世間上永遠有一些還值得你期待的美好事物,譬如音樂。

2016年5月9日,全球有不知多少樂迷,都在社交網絡上緊貼來自@radiohead這個Twitter帳號,守候著一張事先張揚的新專輯的有關消息。

這個年頭,相信亦已經沒有多少隊樂隊還有這種魅力,足以讓樂迷如此這般地望穿秋水,就在那一天,香港時間大概凌晨1點56分,Radiohead正式宣布,樂隊的第九張錄音室專輯《A Moon Shaped Pool》推出了,並且一口氣公告發行的渠道。

首先,你可以第一時間擁有這專輯的,是在Radiohead的官方發行網,購買並下載專輯的數碼音樂檔。實在與時並進啊,你除了可以選購為320kbit的MP3,更有16-bit 或 24-bit的高清WAV檔案以供選擇,迎合像我這類早已放棄了實體CD,但卻對音質有一定要求的樂迷。

當然,還是會堅持實體唱片的死忠粉絲,也可以預訂CD、黑膠,以及特別版具收藏價值的Boxset,三個實體版本,分別在6月和9月送貨。

此外,樂迷也可以在iTunes Store、Google Play及Amazon等直接購買數碼音樂檔,至於音樂串流服務,Apple Music、TIDAL及Rhapsody也在名單上,一如所料,曾一度鬧翻了的Spotify,除了專輯第一首單曲《Burn The Witch》,暫時未見其實音軌的影蹤。

事實上,由2007年《In Rainbows》這張專輯開始,由於剛剛結束和EMI的賓主關係,Radiohead已索性自訂專輯發行的遊戲規則,不想再讓大唱片公司的面色,任由他們從中取利。除了先在網絡發行數碼音樂檔的版本,Radiohead更想與樂迷賭了一鋪,看看大家對他們的忠誠度,可以去到有幾盡。

專輯剛推出時,Radiohead採取「樂迷自定價格」制,下載者覺得這專輯值多少錢,就付多少錢,覺得一文不值的話,甚者,你更可以免費下載。

這個世界最大的力量,莫過於給予別人自由,最後,據稱,Radiohead這張專輯網絡音樂檔的平均定價(即樂迷下載及付費總數平均結算),與一般正價CD無異,真正有賺。

以一隊成軍超過30個年頭的樂隊來說,Radiohead產量算少,難怪每次發片都惹來極大關注,這一次,當然也不例外。一如既往,除了在發片前數個月玩失蹤,直至4月30日,曾經在其官網買過東西的粉絲,紛紛收到印有《Burn The Witch》歌詞的明信片;可是,在一夜之間,到了5月1日,Radiohead一口氣刪除了他們所有在官網及社交網絡帳號的內容,象徵化樂隊的「重生」意味,也好像回應了樂隊舊作《How To Disappear Completely》;5月3日,《Burn The Witch》單曲開始可以下載,同時亦在YouTube發行了官方的音樂錄像;5月9日,專輯正式網絡發行。

我也第一時間聽了,由於我沒有Apple Music和TIDAL的帳號,我聽的,是在iTunes Store買回來的版本。題外話,Mastered For iTunes的音響質素出奇地高,隨時比我平時自己用CD rip的AAC檔好。

二話不說,戴上耳筒,一口氣把整張《A Moon Shaped Pool》聽完,由第一條音軌《Burn The Witch》開始,直至第十一條音軌《True Love Waits》結束,我像到了一個遙遠的地方,欣賞了一望無際的美好風光,去了一趟離現實生活很遠的旅程。

有別於上張專輯《The King of Limbs》的抽離、冷漠,今回的部分歌曲,Radiohead稍稍回歸到一如《In Rainbows》專輯般較旋律化的靡靡之音,再混合上Kid A般糅合了Neo-Classical管弦樂和電子樂音,節奏以中慢版為主,如果聲音有顏色,這大概應該是黑白灰,是有點迷幻色彩的Psychedelic Folk。

1.《Burn The Witch》起首的1/16弦樂節奏,樂手施展col legno battuto弓法,弦樂聲像敲擊,展開了一個視野遼闊的音樂序章,是一首電子搖滾音樂交響曲。

2.《Daydreaming》以3/4和6/8拍子交替的鋼琴伴奏,同時用了不少聲音音軌逆向播放的音效,同時,歌詞卻唱出”Beyond the point of no return/and it’s too late, the damage is done” ,像甜夢,也像惡夢。

3.《Decks Dark》可能是整張專輯中,旋律及歌曲結構最具流行意味的作品,這是一首低調、沉鬱,慢版節奏的輕搖滾作品,柔弱的電子鼓節奏,襯著鋼琴與歌聲,樂曲後半部電結他節奏籠罩在電子聲效的霧氣中,聽得我元神出竅。

4.一歌未平,一歌又起,緊緊相連的《Desert Island Disk》,guitar riff的音樂動機不斷重複,folk rock配上電子,算是專輯中略具陽光感的歌曲。

5.《Ful Stop》展開,電子低音及電子鼓循序推進,算是專輯中速度感較強的聲音,但令人充滿不安的和弦及旋律,歌曲展開了三分鐘,去到3:10才進入戲肉,是一首對大自然環境充滿焦慮的交響詩。

6.開首的弦樂及鋼琴伴奏,讓《Glass Eyes》的聲音富有相當的電影感,是一首充滿Cinematic味道的Ballad。

7.主音部分採用了很奇特的混音手法錄製的《Identikit》,算是另一首旋律感及流行意味較強的歌曲,副歌的確是琅琅上口,但尾段結他獨奏的迷幻旋律,又把作品帶到另一個層次。

8.《The Numbers》開首的Acoustic Guitar,再加上充滿爵士樂味道的Bass Guitar,即興意味很強,十分富有Radiohead早期的迷幻實驗味道,後半部的弦樂則充滿東方韻味的異國情調。

9.幽怨的中板節拍的Bossa Nova展開,《Present Tense》馬上令人想聞歌起舞,歌者遲遲未出場,一分鐘才開金腔,甜美的結他節奏,卻帶有少許苦澀味。

10.《Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief》是首充滿實驗味道的作品,歌曲開首有點像Brian Eno的環境音樂實驗作,歌曲後半部,則以Cinematic Folk Rock為核心。

11.曾經只作過現場演出的《True Love Waits》,是一首最簡單不過的Acoustic Ballad,重複出現的鋼琴旋律動機,貫穿了整首歌曲,然後,更多層次的鋼琴旋律動機進入,配合電子音效,嘀嗒嘀嗒,既和諧,又充滿色彩上的衝突,最後,一個Major 7和弦,令人念念不忘,必有迴響。一曲既畢,已經期待下一張Radiohead的專輯。

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Sep 09

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在東莞電擊的士高出現之前,電子音樂曾經是一個優雅的音樂品種,是七十、八十年代文青的有品味另類選擇。

不要以為我信口開河,我是非常認真的。

那個年代,不要說電子樂器,就連電腦也尚未普及,玩得起電子音樂的,我都覺得應該是富二代的音樂人、又或者是嚴肅音樂界的前衛音樂人。而玩電子音樂又有別於夾Band,通常都是很孤獨,大多數都是一個人躲在蝙蝠洞的。

那個時代還在讀初中的我,當然玩不起電子音樂,而那些大大台的電子樂器,基本上是如聖殿中高不可攀的聖物,只不過,每一次當我能夠隨便在書友仔面前拋出一堆名字,Kraftwerk、Tangerine Dream、Brian Eno、Vangelis,以及來自日本的Tomita及YMO(Yellow Magic Orchestra),我便不難看到一些為之傾慕的眼神。

七十、八十年代的電子音樂,遊走於古典、前衛、搖滾、的士夠格之間,集科幻及夢幻於一身,除了上述一大堆名字,能夠以純樂器演奏而能夠晉身流行榜的第一人,非Jean Michel Jarre(以下簡稱JMJ)莫屬。

出生於法國的JMJ,今年已經68歲,1976年令他爆紅的一張專輯,雖然是家庭式Home Studio製作(的確係有錢人的玩意),卻成功賣出一千二百萬張,及後每張專輯都大賣,我手頭上已找到一項據2004年為止的統計,當年,他已經累積了賣出超過八千萬張專輯的紀錄,名副其實是電子音樂界勁歌金曲的第一人。

即使你未必聽過JMJ這名字,但因為他的作品廣泛地被應用於廣告,以及不同的紀錄片配樂(情況有點像後來的Moby),所以你應該或多或少都會接觸過他的音樂。

踏入80年代,當時得令的JMJ,最備受談論的,就是他配合雷射激光及舞台效果的大型現場演出。話說於1981年,他已經在北京、上海舉行過大型電子激光音樂會,配合中樂團,現場演出的一曲電子版本的《漁舟唱晚》,林子祥後來也有改編。想像一下,那是八十年代初, 是那個在中國買舶來貨品,還需要用外匯券的時代,北上搵人仔的外國音樂人,相信沒有多少人可以和他比。

1994年,JMJ也曾經來過香港大球場開音樂會,六百萬的製作費,想當年曾一度備受批評太貴(以當年的標準),並且成為城中話題,事事關心的無綫新聞也有報導,但當時他的幻彩詠香江式激光演出,實在是劃時代,相信亦令不少人留下深刻印象。

JMJ的純音樂作品,早期因為應用了大量的Sequencer:一種在電腦出現前廣泛被使用的電子音樂記錄工具,大致上是將樂器彈奏的元素,記錄成可重播、重複使用的片段,作品中有不少機械式的音樂素材,譬如,一些序列的琶音(appreggio),井然有序地重複出現,電子鼓擊節奏當然也不再話下。

但同時間,亦因為JMJ的古典音樂背景,他亦喜歡把電子樂器管弦樂化,配合純效果的電子聲音,營造出大規模的音場,有種像交響詩或者是電影配樂的味道。

此外,值得留意的是,早期的電子樂器,罐頭聲音選擇近乎零,所以,大部分電子音樂人都是會千方百計,用自己的方式製造聲效的。正如JMJ,他那個時候製造的原創聲音,不少都成為了後人的罐頭聲效。

雖然年紀老早超過半百,JMJ一直都沒有養尊處優,停下腳步,依然演出頻頻,間中還有新作面世。

先後於去年和今年推出的《Electronica 1 & 2 》,就有點像他回顧過去音樂生涯的作品展,找來的大批著名電子音樂人合作,更彰顯出他大師中的大師傅這地位,致敬意味甚濃。

《Electronica 1 :The Time Machine》就找來了法國電音新貴Air、前Depeche Mode主將Synthpop界殿堂級人物Vince Clarke、電子搖滾怪傑Moby、德國電音先驅Tangerine Dream、電子音樂女神Laurie Anderson、Trip Hop啟蒙Massive Attack的領軍人3D,老中青跨代跨界別,透過電子樂音,像與我們展開了一趟時光旅程。

來到《Electronica 2 :The Heart Of Noise》,同樣是星光熠熠,陣容一時無倆,18首歌曲,看見名單,未聽都興奮。

先負責暖身的,有來自法國的新進電子音樂人Rone,主題曲《The Heart Of Noise》分為兩個部分,同一主旋律,編曲截然不同,Part 1較為Cinematic,Part 2則節奏感較強,把聽眾帶進去不同畫面的世界。

Pet Shop Boys擔綱主唱的《Brick England》,是該組合一貫舞曲風格,只是程序化的電子聲效,變得較為JMJ化,副歌旋律相當琅琅上口,標準的流行榜作品。

來自加州的新一代女唱作人Julia Holter主唱的《These Creatures》,聲音像仙女下凡,Sample了的女聲,融入成為樂器的一部分,Minimal的音樂架構,帶來了一霎驚艷美感。

《Here For You》是典型的Gary Numan風格多於JMJ,中板Post-Punk加SynthPop舞曲,另類聲音,帶點陰暗、沉淪。

與電影配樂大師 Hans Zimmer聯手,JMJ又帶來了氣勢磅礴的《Electrees》,層次逐步推進,到樂曲中段,我已分不清究竟是電子音樂管弦樂化,還是管弦樂電子化。

除了Pet Shop Boys,整張專輯最具流行元素的,首推Sebastien Tellier的《Gisele》,但這流行元素,卻是來自八十年代的Synthpop樂類。

擅長玩電子Soundscapes的The Orb,炮製出來的《Switch On Leon》,糅合了其標誌性的Dub Basslines,再加上70年代迷幻電子樂音,有點像在向早年的JMJ致敬。

Cyndi Lauper現身於《Swipe To The Right》,曲風雖然有點八十年代,題材卻是有關時下交友社交APP Tinder,是一首令人聽得賞心悅耳的作品。

最後,配上了Edward Snowden驚世告白的《Exit》,高壓電子節拍,聲效也非常壓抑,是一首令人透不過氣的作品。

專輯中較為令人失望的,反而是Primal Scream的《As One》,不知道是否刻意大玩80年代後期的的士夠格音樂,風格不見突出之餘,還要有點老土。

感覺上,《Electronica 2》比《Electronica 1》精彩,亦納入了較多流行元素,但作品的水準卻較為參差,如果要你一口氣聆聽整張專輯,會有點難度。

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Jul 08

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20世紀的爵士音樂界,曾經也出現過東邪西毒,他倆的音樂武功,各走偏鋒,你很難用世俗人的角度,去判斷他們的音樂技巧,是否真的如何地登峰造極,但可以肯定,無論音樂與造型,甚至是他們如流星掠過般的人生,都同樣地可以追魂奪魄,抓住萬千聽眾/觀眾的神經。

回想當年我還在上大學當全職樂評兼職學生的時代,我使勁寫了很多篇關於Miles Davis和Chet Baker的長篇評論文章,而且一直還覺得永遠寫不完,我更加是三生有幸,八十年代末,為了一睹偶像風采,曾經在香港舉行的Mild Seven Live Under The Sky爵士音樂節中,我跑了去當後台小工,在近距離見過Miles Davis真身。

無獨有偶,有關Miles Davis和Chet Baker生平的兩齣傳記式電影,《Miles Ahead》和《Born to Be Blue》,最近都相繼在美國上畫,香港的戲院,相信都未必會上了,在我苦等著Blu-ray或者是iTunes Store出現之前,執筆之時,我正開始在炮製了兩個Spotify Playlist,作為自己重溫這兩位爵士樂東邪西毒的懶人包,順便作為電影前的熱身前奏。

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先介紹一下Miles Davis(1926-91)。

Miles Davis之於爵士樂,基本上就如David Bowie之於搖滾樂,他的影響力,是跨世代、跨類別的。由早期的Swing、Bebop、Cool Jazz、Third Stream、Modal Jazz、Post-bop、Jazz Fusion、Jazz Funk、Jazz Rock、Hip-Hop等等,他都不單止涉獵過,他更加是箇中領域的先行者、領導人,新音樂方向的話語權,永遠好像都屬於他的。

作為經常性的樂隊領隊,被他提攜過或因為與他合作過而成名的樂手,不單止不勝枚舉,而且是星光熠熠,隨便拿堆名字出來,John Coltrane、Wayne Shorter、Kenny Garrett、Horace Silver、Bill Evans、 Herbie Hancock、Joe Zawinul、Chick Corea、Keith Jarrett、John McLaughli、John Scofield、Mike Stern、Ron Carter、Dave Holland、Marcus Miller、Tony Williams、Jack DeJohnette,全部獨當一面,而且後來也開枝散葉,七十二家房客也嫌少。

因為音樂風格甚迥異,近乎神經分裂,單單錄音室專輯已經有48張,現場錄音更不計其數,可以想像,要形容Miles Davis的音樂風格,絕不可能可以三言兩語說完。如果有人告訴你他很喜歡Miles Davis的作品,你一定要問清楚他/她說清楚是哪一個時期的Miles Davis,否則,經驗告訴我,這位仁兄/姐九成是在「吹水」,但如果你逼我推薦,雖然取捨太難,但以下五張專輯,我認為是必聽的。

《Walkin’》:早期的經典作品,以Miles Davis All-Star的名義推出,領袖魅力,漸露頭角,當時爵士樂由Bebop伸延出來的Hard Bop,節奏與旋律都更狂燥,更急進。

《Round About Midnight》:把原有的Wow-Wow Mute前端的漏斗配件拿走,就成為了後來大家稱為的Harmon Mute,這帶有點壓抑孤獨感的獨特聲音,就是由他開創,《Round Midnight》這首主題曲則為完美示範,那種在音樂現場的煙霧彌漫、醉生夢死的陰暗沉鬱,無人演繹得比他好。

《Miles Ahead》:與Gil Evans的合作,樂隊編制較華麗,配器有點像古典室內樂,Miles Davis則像是協奏曲的主角,罕有地全程吹奏Flugelhorn,但有趣的是,他圓渾的小號聲,本身已帶幾分Flugelhorn的味道,不告訴你,一般人應該分不出來。

《Porgy and Bess》:再度與Gil Evans攜手,將Gershwin的爵士樂歌劇改編,樂隊編制更華麗,同時亦是Modal Jazz的開端,不要只聽《Summertime》,也要聽聽《I Loves You, Porgy》,這時期的他,在編曲上作出很多嘗試和實驗 。

《Kind of Blue》:把Modal Jazz的實驗性推到極致,樂手進入錄音室前,每個人只被派發一堆譜上面只有幾條不同音階和旋律的樂譜,除了《So What》之外,遊走於五個Modal音階上循環即興的 《Flamenco Sketches》,淺嚐一兩口不加冰的威士忌,隨時會讓你聽到元神出竅。

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說完東邪,西毒要出場。

被譽為是爵士樂界的James Dean,Cool Jazz的標誌性人物,Chet Baker(1929-88)幾乎可以稱得上是一名偶像派樂手,雖然絕無貶義。事實上,1953至1954年,他便連續兩年在權威爵士音樂雜誌《DownBeat》,被讀者選為最佳小號手,贏了Miles Davis,難怪傳聞他倆不和。以風格論,Chet Baker不及Miles Davis多樣化,但演奏Bebop及Swing一類音樂時,技巧仍可相提並論,雖然,這只限於他早期剛成名時期(五十年代)的演出。

事實上,Chet Baker不算得上是一名技術型樂手,聽他的現場錄音,總會聽到他好像危危乎、快要倒下來的吹奏,但他的小號吹奏卻充滿個人風格,音色清亮筆直,即興的旋律充滿歌唱性,很少顫音修飾;而他那慢條斯理、憂怨醉人的「病態美」歌聲,才是迷倒萬千少女心的必殺技,難怪大家總是最愛他演奏的Jazz Ballad,其懾人電力,直情勁過國產凌凌漆唱《李香蘭》。說他是Cool Jazz的最佳代言,真的並非浪得虛名,因為,他的Cool,真的是入心入肺,也包括了他本人浪蕩不羈、糜爛頹廢的一生。

相比起Miles Davis,Chet Baker推出過的專輯則較為零碎,有不少都是曲目重複的精選合輯,又或者是大量的現場錄音,版本多得有點混亂,而他最經典的作品,大多在Pacific Jazz及Riverside兩個Label出現。

《West Coast Live》:1953年與Stan Getz及Russ Freeman同台演出的經典錄音,是West Coast Jazz的最佳入門作品之一,那個時代大家雖然未有優皮這概念,但這些音樂,永遠聽起來都覺得很優皮。

《Jazz at Ann Arbor》:以一個標準的爵士四重奏組合,於1954年與好拍檔Russ Freeman出現在東岸的密歇根大學,剛被Down Beat讀者選為最佳小號手的他,無論自信、技術都是處於巔峰狀態,《Stella by Starlight》中他使出了最Swing的造句。這張專輯極之罕有,早期只有出現過日本版,但如今Spotify上居然出現了,Apple Music反而沒有!

《The Chet Baker Sextet》:這其實是一張精選合輯,收錄了他於1954至1957年期間在Pacific Jazz旗下的六重奏錄音,同樣是典型的West Coast Jazz,但樂隊的編製卻來得多了一點實驗性,加入了法國號、巴松管、低音單簧管、大提琴等等,在50年代來說是很創新的嘗試。

《Chet Baker Sings》:初試啼聲當歌手,老拍檔Russ Freeman全力支持,他一開腔唱出《My Funny Valentine》,世界就像要停頓下來,大家不禁會問,究竟他是一名懂得唱歌的小號手,還是一名懂得吹小號的歌手?

《It Could Happen to You》:吹而優則唱的Chet Baker,繼續以西岸爵士的靡靡之音,讓人陶醉,可能是他最重要的專輯,歌唱風格和技巧亦更見成熟,《Do It the Hard Way》完美示範了即使手上沒拿著小號的他,Scat Singing的即興旋律,也可以媲美樂器演奏。

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Jul 08

李榮浩 - 有理想

2014年當他拿到台灣金曲獎最佳新人時,作為樂迷的你,可能還不知道李榮浩是誰。

後來,聽到歌姬王菲盛讚他的歌為「帥歌」。

最近,八卦新聞又頻頻報導他和楊丞琳的戀情。

但坊間有關他的新聞,聽得最多,還是John Mayer鐵粉大罵他的歌褻瀆了大家的音樂偶像,包括同樣自認是John Mayer粉絲的李榮浩本人。

除了抄襲John Mayer的指控,網上抨擊他的抄襲指控還層出不窮,還包括E神唱腔(大家只是音域相似哦)、姐卵「矇豬眼」及談吐氣質(吓?咁都得?)。

事實上,這位來自安徽的中國音樂創作人,19歲入行,出道已經11年,曲詞編全包辦,除了唱歌,還彈得一手好結他,可能由於喜歡John Mayer喜歡到入血入骨,作品中尤其是Guitar Riff及Chord Progression,的而且確,經常流露著少許對偶像「致敬」式的影子。

可是,以歌論歌,無論大家批評他如何帶著別人的影子,但我仍實在難以否認李榮浩的才華,更何況,短短三張專輯,來到這第3張《有理想》,音樂上的驚喜,整體不及上兩張專輯,但「榮式帥歌」風格已經成形。

當然,如果你硬要挑骨頭出來,你總是有辦法找到少許人家的影子,因為在這個太陽之下無新事的世代,已很難再有什麼音樂新元素是由石頭爆出來,完全沒有出處的,但如果大家因為這些因素而抹煞了李榮浩音樂的可取之處,我覺得會是太可惜哦。

1.野生動物
唯一並非曲詞包辦,由黃偉文填詞的歌曲,為這張專輯打開序幕,一個沉鬱的minor key鋼琴前奏展開這歌曲,verse 1進入,原來是與前奏同一個的旋律,短短重複的幾個音符,旋律變化不大,於窄幅徘徊,有點像喃喃自語,「慾望的魔都」這句旋律動機,伸延至Pre-chorus一段的「等待著追捕」 ,一直伸延至副歌,才開始略帶激昂,高潮之處,「所謂的深愛或孤獨」這句假音轉得不費吹灰之力,嗓音帶點孤獨傷感。

2.滿座
Distortion電結他Broken Chord與鋼琴展開輕輕的咆哮,另一邊廂,另一支電結他加入在搭訕,有點像在控訴,慢板的輕搖滾序幕,Verse重複了兩次後,短短的Pre-chorus展開,很快便進入Chorus,「一生未必會滿座,都曾經來過」這兩句的Major7 Chord,旋律進入得實在太悅耳。中段電結他Solo再次進入Chorus,情緒一直被旋律牽引著,「我們向右偏左的墜落,琢磨著尋求自我,連帶愛人親友你我都包括」這Chorus尾段,歌者像在驀然回首。

3.有理想
這是一首較為輕快佻皮的歌曲,前奏口哨加吟唱的半音階旋律已經定調,「穿的也不算貴,黑白灰,儘量自費」有點像在自嘲,這段Verse重複了一次,便直接進入Chorus,「其實都算是有理想啊,都是廢寢食忘啊」都是前奏音樂的旋律回應,李的唱腔也顯得較平日隨意不羈。

4.爸爸媽媽
這是整張專輯中我最喜歡的一首歌,除了是因為歌詞中訴說對父母親的感恩寫得太好外,這首歌中所演繹出的情感,亦是相當真摯動人,Chorus的「爸爸媽媽給我的不少不多,足夠我在這年代奔波,足夠我生活,年少的輕狂不能用來揮霍,也曾像朋友一樣和我訴說。」旋律非常琅琅上口,加上歌詞的感染力,唱得肉緊之處,實在很難不跟著唱。但拜託不要再說他的唱腔像陳奕迅了,兩者音域實在太接近,我反而在幻想,如果這首歌交由陳來演繹,可能又會有另一番滋味。

5.流行歌曲
很中國流行小調的味道,以Chorus來開首,電結他彈奏的前奏,卻來點Country Rock的功架,來到主菜的Chorus,旋律反而變得有點平板,曲名是流行歌曲,好像有點反諷意味。

6.優點
這是整張專輯第一首讓我聯想到John Mayer的歌曲,Country Rock的慢板前奏,結他的彈奏處理手法也像在向JM致敬,進入了歌唱旋律,卻回到不折不扣的中文歌曲風貌的旋律,除了到達Chorus旋律尾段,激昂聲嘶力竭之處,才終於有點西方流行曲的味道。

7.不將就
這是一首大旋律的情歌,一開首前奏已感覺很大氣,流行情歌的意味很濃,鋼琴伴奏獨唱的Verse,令我想起周杰倫的情歌,Chorus的旋律高潮拿捏得很準,「互相折磨到白頭,悲傷堅決不放手,開始糾纏之後,才又被人放大了自由」,很難不被一擊即中,中段純音樂的弦樂間奏,初次回到Chorus,最後一次重唱「如果我說,不吻你不罷休」,感覺實在是太過周氏情歌。

8.心裡面
前奏及verse的旋律帶點曖昧,令人有點不明確的感覺,像是對不穩定的愛情,亦有點揮之不去的不安。來到Chorus,氣氛忽然由冷淡轉向微溫的熱情,muted trumpet營造出多少輕爵士樂的優雅氣氛。

9.女孩
整張專輯中較明顯對John Mayer「致敬」的作品,但充其量,參考了的主要只是那段懶洋洋的輕爵士樂結他前奏,以及Verse部份少許的音樂結構,但進入Chorus後,已經是變成兩回事,旋律的句子較長,「來一個一輩子陪伴自己的倔強,來一個失而復得都不想再逃」是很中國小曲風的。我最喜歡到達中段音樂部份轉調的電結他獨奏與樂隊對話,亦是李榮浩賣力之作,當進入了Bridge,再轉調、乘勢再次接入 Chorus,假音高亢激情過後,最後奏忽然安靜下來「幸福嗎都說不知道怎麼樣都好,有天有個人肩膀可以靠」。

10.宛若新生
接近專輯的尾聲,感覺上,李榮浩也好像變得輕鬆起來,一幕場景設定在小舞台的演出,有點藍調搖滾的韻味,Verse的旋律像邀請了特別嘉賓盧廣仲出來,進入Chorus「宛若新生的,五光十色,要發光發熱,年輕的。」不知是否因為是廣告歌關係,感覺在有點硬銷了。

11.大太陽
電結他營造了一陣氣氛,開首Verse的旋律,令人聯想到趟臥在大草地上,享受著自由空氣的感覺,進入Chorus,旋律卻變得很有北京搖滾的Rock Ballad韻味,尤其是在旋律高處,假音轉換部份嗓音。最後一次進入Chorus前,先來一段Bridge暖身,然後推進往全曲的高潮,最後,當然少不了李榮浩大顯身手,來一段好像不想完結的電結他獨奏。

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Jun 19

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有說,中國人比較含蓄,即使是親人,一般都比較怕表達自己的情感。

又有說,父母的光環總是落在媽媽上,爸爸較少受到子女的表揚。

但其實,雖然相對沉默,但爸爸也是支撐著子女成長的背後男人。

今年父親節,我們公司的團隊,一口氣做了兩個父親節的Campaign。

第一個是為飛利浦電鬚刨製作的企劃,我們嘗試探討父親這角色,在子女的成長中,擔綱著一個怎麼樣的角色。

我們做了一系列的對談,除了四位名人,也從多位公開招募的參加者中,選出了六個動人的溫馨故事,六位爸爸,終於站在spotlight下,接受子女的加冕。

第二個是為Canon製作的父親節短片。

其實靈感是來自去年我們做過的一個Canon企劃,我們訪問了很多位Full Frame相機用家,當中有好幾位,都不約而同告訴過我,或多或少,他們都是因為爸爸已開始喜歡攝影的,而小時候,爸爸的相機嘛,當然都是生人勿近的。

以下這個故事,是他也是你和我,只因為,天下爸爸一樣黑(面)。

拍攝當日,因為借出拍攝場地的陳烘老師不方便出鏡,而我又是在場最老又夠「佬」的一位,導演最後決定,由我來飾演中年陳烘老師的店長一角。

當晚,我獲派了一個飯盒做酬勞,還有追加一杯凍檸茶。

這個父親節,祝各位也很難忘、很快樂。

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Jun 12

帶著智能手機去做運動,老早已經成了不少現代人的生活習慣。

由最初的跑步app,譬如較流行的Nike+、RunKeeper及Runtastic等等,以至近年流行與Wearable整合的Apps,譬如Fitbit、UP by Jawbone,或甚至是Pebble等,有關於運動健身的Apps,選擇多不勝數。

近年另一趨勢,就是由從前的瑞士軍刀全方位式,到近年進一步的分眾化,運動健身Apps開始會為針對某一類型的運動需要,新增更仔細的功能,甚至是追加輔助運動鍛煉的內容,像個隨身的虛擬教練。

2009年成立的Runtastic,來自奧地利,算是早期Android平台尚缺運動Apps的時候,較早支援這平台的軟件開發者。

雖然,去年(2015年)被德國運動品牌adidas收購,但目前見這家以跑步App起家的軟件公司,暫時仍未見得怎麼樣地「adidas化」,起碼我見他們在YouTube上的內容,某些健身教練還是可以穿著其他品牌運動鞋的。

有別於大部分的免費運動Apps,Runtastic走的是較高階的In-app購買路線,當然,部分的Apps你還可以享用其免費基本功能,但如果想更上一層樓的話,便必須要付費進階成貴賓用戶,天下哪有免費的午餐哦?更何況,Runtastic一般的Apps才賣US$4.99(即HK$38),我覺得物有所值。

目前,Runtastic旗下分別有19款運動健身Apps,有點像運動健身Apps超級市場,當中分為三大類:Tracking Apps、Fitness Apps,以及Health Apps,平台方面,除了主流的iOS和Android,就連Windows Phone及少部分的Blackberrry也照顧到。

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第一類Tracking Apps:都說Runtastic走的路向並非瑞士軍刀式,所以,在追蹤運動進度這方面,也是做得相當仔細的,即使是跑步及步行、普通單車和爬山單車,都有不同的專屬App。

第二類Fitness Apps:其分類的仔細,實在嚇了我一跳,就連Push Up、Sit Up和Squat,也會配合智能手機的體感控制,從而有不同的專屬App,當然,你也可以買一個套餐,一口氣進行不同的練習。

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而其中,較有看頭,功能及內容亦較為全面的,我覺得是那個名為Results的App,內裡包含一個為期12星期的虛擬健身課程,除了提供了多段拍攝水準不俗的影片外(全部下載的話,合共996.9MB),你更可以根據指引,按步就班去練習,同時透過此App有系統地和你跟進健身進度。

第三類Health Apps:個人覺得歸類較為鬆散,除了較為大路的睡眠、心跳及營養指南外,就連腹肌、小腿、及臀部運動的鍛煉也歸類於此。

總括而言,如果你已經玩厭了你的普通跑步App,開始打算作進階的運動鍛煉,兼且你自問Discipline夠又不想找Personal Trainer的話,不妨看看Runtastic的Apps,這個運動健身超級市場,相信總有一款App會適合你。

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Jun 09

A Head Full of Dreams

2014年,經歷婚變風波,樂隊Coldplay主將Chris Martin以治癒系的沉鬱聲音,創作了一張內容極為私密的【Ghost Stories】專輯,如果我稱之為【年度最佳掟煲專輯】,相信沒有多少人會反對。

人總需要勇敢生存,【Ghost Stories】專輯推出後,Chris Martin馬上收拾好心情,極速反彈,就連巡迴演唱也沒有,便馬上與樂隊開工籌備緊接下來【A Head Full of Dreams】這一張專輯,典型Coldplay正能量陽光氣息,再次湧現,但可能令樂迷失望的是,與此同時,坊間亦傳出消息,話說這極可能會是樂隊的告別作。

「這是有關於愛、接納與包容任何發生在你身上的事情(It’s about love and acceptance and embracing what happens to you)。」Chris Martin如是這樣形容這專輯。

此外,除了老拍檔Rik Simpson,亦找來了Beyoncé及Rihanna背後的製作單位Stargate,據聞監製對樂隊非常嚴謹,要求樂隊製作了大批demo錄音,然後才逐一甄選,交上十首demo,隨時有八首被監製打回頭。難怪Chris Martin也自嘲地說:「感覺上,我們像回到未有唱片公司簽約前的時候了。」

參與客串的樂手歌手,亦可謂鑽石級陣容,隨便數幾個名字,Beyoncé、Merry Clayton、Tove Lo、Noel Gallagher(Oasis主音結他手),甚至是前妻Gwyneth Paltrow等等,最後隆重介紹,還有特別嘉賓(雖然只是新聞片段錄音),自稱為Coldplay粉絲的美國總統Obama。

不理三七廿一,我第一時間把整張專輯一口氣聽完,就直接地覺得,就好像它的封面設計一樣(令我聯想起橫尾忠則的經典海報),這是一張色彩斑斕的專輯,像要一口氣向很多音樂單位(包括Coldplay本身)的樂隊聲音致敬,同時間,亦注入了更多的電子舞曲元素。

琅琅上口的旋律,大多洋溢著快樂氣氛,令你很難不邊聽邊手舞足蹈,除了保證你會按捺不住開始自彈無影結他,你也許最低限度也會跟著節奏去拍手、彈手指,當然還有一齊唱oh-oh-oh,似是要在告別前鄭重告訴大家,Coldplay是一隊不折不扣的流行樂隊。

1.”A Head Full Of Dreams”
前奏先以霧氣籠罩的Ambient電子樂音啟動這趟音樂旅程,氣勢磅礴,然後,電子舞曲節拍徐徐邁進,你會以為是Brian Eno進入了Coldplay的Studio坐鎮,重複節奏的Guitar Delay Effect展開,又有點像向U2的The Edge致敬。作為專輯的序幕曲,感覺就像展開一段快樂的旅程,副歌尾段的大合唱”I sing, Oh-ohohoh Oh-ohohoh Oh-ohohoh”,就是對美好未來的憧憬,專輯的主題,可說是一錘定音了。

2.”Birds”
上一首歌曲還餘音嫋嫋,下一首歌的輕快節奏已經啟動,似是繼續向另一隊的樂隊致敬,樂曲開首的鼓擊節奏像是受樂隊The Cure的”Close To Me”啟發,與結他節奏不斷推進,樂隊像開著開篷車,於高速公路上暢遊,進入副歌後,更是洋溢一片嚮往陽光的自由氣息。

3.”Hymn For The Weekend”
由R&B女王Beyoncé為樂隊打頭陣,清唱吟詠一段副歌,”Drinks On Me”這歌詞已直接道出來意,正如Chris Martin所言,這是一首Late-night Club Song。愉快的節奏響起,鋼琴節奏是Coldplay的標記,Horn Section響起,引領全場氣氛進入Chorus,人人投入舞池中,”Ah-oh-ah-oh-ah I’m feeling drunk and high”,還需解釋更多嗎?

4.”Everglow”
對前度沒有死纏難打,除了致以祝福,更默地裡只想將最美好的感覺留住,這,就是為之”Everglow”,這是一首不一樣的情歌,歌曲用一個簡單Piano Riff展開,Verse 1完結後,簡單的節奏加入,進入Chorus,一路主要還是由歌聲帶領,高亢的尾段,唱得聲嘶力竭,交替用假音唱出,纏綿不斷的電結他節奏,襯托著低調現身的Gwyneth Paltrow的歌聲Sample,站在遙遙一角,身影朦朧,捉不到摸不著。

5.”Adventure of a Lifetime”
話說Chris Martin是Guns N’ Roses粉絲,一直希望自己的樂隊也會有一首像”Sweet Child O’ Mine”般,有一個標誌性的Guitar Riff的作品,苦苦哀求下,樂隊主音結他手Jonny Buckland終於使出看家本領,這首歌的舞曲節拍,尤其在電子低音部份,亦甚有如Daft Punk “Get Lucky”般的功架,糖衣旋律的流行包裝,難怪成為了專輯的第一首主打歌,MV中,樂隊成員化身成紮紮跳的猿人,在森林中自由地既唱又跳,一派歡樂派對的氣氛。

6.”Fun” (featuring Tove Lo)
樂曲先以一段旋律浪漫的Guitar Riff展開,歌詞向舊愛訴說和平分手你好我好,進入Verse 2及Chorus 2,樂隊加入了瑞典女唱作人Tove Lo的和音,”Didn’t we have fun? Don’t say it was all a waste”,就連分手歌都要大唱喜劇收場,「不准不開心」似乎就是這張專輯的規則。

7.”Kaleidoscope”
古典樂風的鋼琴前奏,然後由美國詩人Coleman Barks徐徐道來,朗誦了一段來自13世紀波斯詩人Rumi作品”The Guesthouse”中的詩句,“This being human is a guest house. Every morning a new arrival”,蕩漾中的鋼琴節奏襯托下,叮叮咚咚的鋼片琴來寫點綴,不足兩分鐘的音軌尾段,群眾唱起”Amazing Grace”,當中出現了一位神秘嘉賓的歌聲,是為美國總統Obama。

8.”Army of One”(hidden song “X Marks the Spot”)
Vocoder的電子合成音效展開,本身和Coldplay的風格格格不入,但當歌聲響起,卻又顯得出奇地合拍,後半段的Bridge部分,重複唱出”Cause your eyes”,然後再回到Chorus,是典型令人討好的Coldplay快樂旋律風。Hidden Track是一首R&B風格的歌曲,可能是整張專輯格調較陰沉的一首,旋律也偏向低調,音域較窄,Chris Martin混合了Vocoder的歌聲更是刻意的機械化,接近是吟唱。

9.”Amazing Day”
6/8拍子的Rock Ballad,旋律悠揚動聽,充滿陽光感,在此曲中,Coldplay嘗試尋回初衷,找到Parachutes和A Rush of Blood to the Head 那個時代,去年9月在紐約舉行的Global Citizen Festival,我已經在YouTube上看過這首歌的現場視頻演出,相信是這張專輯最早公開演出的作品,亦是當日演出的告別曲,前奏及間奏的結他主旋律,去到尾聲部分,又順理成章地成為副歌完結後的Ah-ooo Ah-ooo全人類大合唱。

10.”Colour Spectrum”
夢幻色彩的電音間奏,隱約再次聽到Coleman Barks的朗誦,蹤影一瞬即逝。

11.”Up&Up”
總結整張專輯,Coldplay找來他們大學時代的偶像,Oasis的主音結他手Noel Gallagher來客串,把大家帶回Morning Glory那個美好時代,可謂別具象徵意義,Chris Martin的Piano Riff遇上Noel Gallagher的Guitar Riff,產生奇妙的化學作用,帶點90年代英倫搖滾味道,末段電結他獨奏,更把歌曲推進最後副歌大合唱的高潮,曲終人散,只留下Chris Martin一人,叮嚀地唱著”Don’t ever give up”,唱到這裡,意味實在不言而喻。

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May 30

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New Balance(1906)、Puma(1924)、adidas(1949)、Nike(1964)….。

不是最近看見New Balance的110周年企劃,我從來沒留意過,這個來自美國波士頓的品牌,原來較諸其餘的經典運動品牌,更老。

想當年,New Balance 990推出的時候,便是以一百元美金的標價及Made In USA作定位,事隔30多年,目前在美國標價平均一百七十元美金左右,加幅不算離譜。

雖然,我自問是一名波鞋控,但實不相瞞,我從來沒有買過一雙超過一千塊(港幣)的波鞋。

不是我負擔不起,而是,我總覺得,花一千塊買一雙波鞋,說到底,都是用來穿得很粗的,實在有點兒奢侈。

更何況,對於那些大熱潮款,我從來都沒興趣追捧,人人都覺得潮的,也通通不要預我。

可是,如果有一天,我真的想放縱自己,奢侈一下的話,我唯一的選擇,一定會是這一雙New Balance 990。

這一雙灰色的「阿伯」鞋,1982推出,至今已經來到第四代,但款式,其實都好像沒變過。

無他,這可能並非像余文樂那類潮人會穿的款式,而是那些像坂本龍一、李宗盛,美國總統奧巴馬、又或者是Steve Jobs這類人士獨沽一味愛穿的長青款式,有關於潮流,他們都沒興趣和大家一追再追。

時日如飛,我也終於到了這個成為大叔的年紀,亦好像開始懂得欣賞New Balance 990的成熟低調,還有那堅持美國製造的人手工藝,對於一個品牌來說,頑固,是一種美德。

最近990的第四代推出,#‎990V4‬ 這個hashtag充斥了整個網絡,在社交網絡上,也有些紀錄片開始流出,令我對這個品牌,以及這個經典款式背後象徵著的品牌精神面貌,產品了強烈的興趣。

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首先打頭炮的,是New Balance Logo及品牌定位的原創人Terry Heckler。

在以下片中,這位品牌設計大師,如數家珍地,解釋了New Balance鞋款以數字命名的由來。

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坂本龍一已經當了New Balance的代言一段日子,那個年頭,New Balance的slogan是單一個字Achieve。

而事實上,以下這支廣告片中,我始終覺得坂本龍一一身黑色西裝內襯黑TEE、然後腳踏一雙灰色的New Balance,絕對是型到無朋友的。

以下這支短片,坂本龍一和大家分享他對「一」這個數字的觀點,在片中,他正在彈奏的音樂,正好是差不多10年前,他曾經拍攝的New Balance廣告的配樂。

那首作品名為Ngo,這首歌曲,在他的專輯《Chasm》出現過,但我不喜歡專輯內的混音版,這個出現在廣告內的版本,只有在單曲唱片中出現。

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最後,來到李宗盛,初時看見,有點詫異,因為這條「短片」,足足長達十多分鐘。公司的年輕同事說:「我只可以捱到一分鐘。」

這支不知應該算是紀錄片還是廣告的網絡影片,打正旗號的,不是990,而是一個名為《New Balance 110周年 X 李宗盛 “每一步都算數”》的特別企劃,在網絡只是看到簡體字的版本,相信是為內地市場而製作,片中李宗盛也是穿著一雙990,一灰一黑。

在片中,李宗盛與我們一起回顧了他創作生命中路經的五個城市,由東京、溫哥華、香港、吉隆坡出走,最後回到台北老家。

也許,來到某個年紀,人總會開始回望過去,審視自己走過的每一段路,這個故事,由李宗盛娓娓道來,尤其有說服力。

「人生沒有白走的路,每一步都算數」這句廣告標語,有點文青的感覺,有網友批評:「這和賣波鞋有什麼關係?」。

的而且確,這個系列的「廣告」,令我想起了”Keep Walking”的Johnnie Walker,我不會說它是抄襲,但大致上是英雄所見略同吧,是看後感覺猶有餘韻的那一類品牌概念,這個年頭,可恨已見得太少。

也許,這個年頭,大家都喜歡追捧能找到那位最潮最吃香的大明星代言的廣告,運動品牌,不是要說什麼運動精神、更不要說品牌內涵,卻要紛紛追趕潮流,我暗地裏覺得,這個時代的運動品牌,總缺乏了一點能鼓舞人心的溫度。

出現了日本的坂本龍一、台灣的李宗盛之後,我在想,如果來到香港,我們可以找誰來說個故事?

我的心頭,開始有點納悶。

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Apr 23

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已經忘記了,我有多久沒跟著電視台的節目時間表看節目,人生苦短,追劇也最好一口氣追完,電視台節目時間表,什麼來的?

我不知道多少位Netflix試用用戶,試用完一個月後,有否續約幫襯,老老實實,即使沒有Netflix的公關送我一年會籍,我老早也打算自投羅網。

我揀了的,是每個月HK$78的標準計劃,我的家沒有4K電視,這個計劃,夠用。

Netflix可以取代NOW TV嗎?對於我說,基本上,這不可以是像Apple To Apple般比較的一回事,因為最低限度,我還要看HBO和TLC,但說到未來,沒有人可以保證任何事。

尤其是,我最愛看的紀錄片和英美劇集,現在於Netflix上看,我相信,即使我每個周末像返教會般乖乖地騰時間出來,我隨時看足一年也未必看得完,況且,好看的節目愈來愈多,每天依然只有24小時。

不幸中的大幸,目前,Netflix最弱的一環,是電影,很多電影不是太舊就是太不入流,較好看的,通常你又已經在戲院看過。

但自從我買了新的Apple TV後,其實我愈來愈不介意幫襯iTunes Store,HK$38看一齣首輪剛推出影碟的新戲,反正NOW現在的Movie On Demand,較新的電影都要另外付費。

至於Netflix的英美劇,除了自家製的Daredevil稱得上是首輪內容,其他暫時大部分都是慢了半拍的。我最喜愛的House Of Cards,卻因為香港區版權賣了給RTL CBS,想看最新一季的話,暫時還要等一等,或者可幫襯LeTV或Now TV,未看的,可以先看頭三季。

之不過,如果你不是追英美劇追得很貼的朋友,還有幾套鎮台之寶是值得大家回帶收看的,其中,我會首選我老早看飽了的Breaking Bad,以及BBC製作的Sherlock,我看了大半而又已經收了進My List的,還有蝙蝠俠前傳Gotham和福爾摩斯現代版的Elementary。

我知,我知,紀錄片未必是你那杯茶,但我個人就覺得,這才是我坐在電視機面前攝取的真正精神食糧,而這方面,Netflix實在是太強。

歷史天文地理流行文化社會政治議題,你要多有養份就有多有養份,其中有一些,娛樂性更是不俗,如果你像我,家中有Apple TV再接駁大電視和環迴音響的,那些大自然主題相關的高清紀錄片,更是不可多得的視覺與聽覺享受。

朋友問:紀錄片會很沉悶嗎?

我說:會呀,尤其是,如果你覺得「愛回家」才是你杯茶的,你一定會覺得很悶很悶,而且隨時會悶到你死,因為你已經習慣了不用腦,你也認為看電視時不想或不需要用腦。但凡一些稍為有養份的東西,你也會覺得很難入口,甚至是會產生生理排擠,情況就像大部分營養不良的小朋友般,一見到蔬菜生果就想吐想反胃一樣。

Netflix上有很多PBS (Public Broadcasting Service)製作的紀錄片,PBS是一個70年代在美國成立的非牟利電視台,所有Funding都是靠募捐而來,但由於其製作的獨立性和客觀性,向來獲得不少觀眾的愛戴。無論是中學和大學,也很喜歡用PBS的節目來做教材。

我在美國和過一些念電影的大學生閒聊,好幾位都告訴過我,他們正在努力寫劇本和四出尋求金主,希望能製作一齣紀錄片,然後成功把作品送上PBS播,聽說,這是美國電視製作人的一份榮譽。

由於是美國本土的電視台,不少PBS的紀錄片都和美國歷史有關。而當中,我最喜歡看的是Ken Burns的作品,他絕對是紀錄片界的殿堂級人物,贏過無數次的奧斯卡及艾美獎。

第一次接觸Ken Burns的作品,是我一位深知我心的中學老友送給我的生日禮物,是一套一共十集,2001年推出的Jazz(可惜暫時香港Netflix沒有,我在此鄭重呼籲希望他們能夠快些上架),如果你想認識爵士音樂的歷史,我肯定這是目前坊間唯一最齊全、整理得最好的作品,看完十集,像上完一個很有系統的爵士音樂史課程。

更重要的是,表面上雖然是說爵士音樂史,但這其實也是一套講述美國近代史的紀錄片,不說不知,如果沒有30年代的經濟大衰退,爵士音樂未必會發展得如此蓬勃。

較為近期而又有在香港Netflix上架的Ken Burns作品,是一共七集的THE ROOSEVELTS: AN INTIMATE HISTORY,這是關於三位ROOSEVELTS,包括兩位已故前美國總統Theodore Roosevelt和Franklin Roosevelt,以及Franklin Roosevelt的髮妻Eleanor Roosevelt的故事。

你大致上可視之為一套橫跨一、二次世界大戰的人文歷史來觀看,我尤其喜歡Eleanor Roosevelt的部分,這位充滿智慧、剛柔並蓄,首位積極參與國家事務的美國第一夫人,特別令人值得敬佩,有趣的是,負責聲演的,是Meryl Streep姨姨,見微知著,製作是如何地認真。

除了美國的PBS,BBC的紀錄片節目也很值得看,Planet Earth、The Blue Planet、Frozen Planet、Life等等大自然題材的紀錄片,都是些不少朋友會買Blu-ray或DVD珍藏的好東西,現在,固然也可以On Demand在大電視看。

看準紀錄片這個市場,Netflix也推出了好些自家製的紀錄片,當中,我會強力推薦Chef’s Table這一套有關名廚美食之旅的作品,如果Jiro Dreams of Sushi是你的那杯茶,千萬不要錯過這兩套,看後你會體會到,有關美食,其實背後蘊藏十分引人入勝的人生哲理、社會科學。

說起Jiro Dreams of Sushi,雖然Netflix沒有上架,但最近推出的一套The Birth Of Sake也相當值得推薦,此紀錄片拍攝不僅優美得令人驚嘆,藝術成份亦十分高。故事以極其「安靜」的手法,講述一班日本清酒匠人,如何每半年在冬天相遇一次,如苦行僧般,密集式艱苦地釀酒好幾個月,令人覺得,「謙卑」原來是最大的力量。

要說Netflix的紀錄片,我隨時可以和你談足三日三夜,但在這之前,我想我要回去打開電視,坐下來繼續享受了。

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