音樂物語

Gwendolyn：網絡安全隱患

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電音歌姬Serrini 當有人頻頻在高呼香港樂壇已死，我反而覺得，如果舊的那一套，在這個時代已經崩壞，正所謂「舊嘅唔去、新嘅唔嚟」，死了又何妨？ 好了好了，舊勢力死了，新勢力有能力接棒嗎？ 如果你還有心留意香港樂壇的話，一定會發現到，過去十年，這股獨立新勢力，早已醞釀得如火如荼，近幾年，多得互聯網多得ViuTV多得KKBox多得Spotify多得AppleMusic，終於來到引爆點。 自去年的音樂頒獎禮之後，坊間多了主流媒體提及Serrini這名字。 但其實，屈指一算，獨立唱作人Serrini已經出道9年，老早累積了一班忠實的粉絲，最近發表《Gwendolyn：網絡安全隱患》，是她的第六張專輯，因為不斷有新粉絲出現，於是，我身邊不少剛認識她名字的朋友，還會以為她是樂壇新人。 數碼時代獨立製作 在這個數碼時代，明明大家可以用串流聽歌，Serrini的作品，卻仍然可以在Apple Music付費下載榜大賣，實體CD更不用說。 當然，今時今日，大賣的標準，不可以和80、90年代相提並論。但正因為這樣，於是還有樂迷願意掏荷包支持，更加難能可貴。 Serrini能夠在這主流媒體大唱片公司以外的平行時空裡大紅，主要都是因為她的作品，有點顛覆有點反叛，於是就能夠成為這個時代的聲音，流行音樂世界的搖滾精神，就是這樣。 在討好別人前，先要討好自己。相信因為是獨立製作，要考慮的政治正確元素，相對較少，難怪Serrini歌曲的題材，可以較任何主流流行樂，來得更自由奔放啜核鬼馬，玩味可以玩得更徹底，有必要時，當然包括了廣東話粗口作助語詞。 但我覺得，大部分情況下，Serrini只是歌名歌詞出位，歌曲風格，其實大部份都非常易入口，是旋律優美的小清新，編曲演繹都偏向民謠Indie。 騎呢小清新先聲奪人 初出道，被譽為「騎呢小清新」，歌曲多數都是有點兒台風的小清新結他民謠作品，《蘇菲亞的波霸珍珠奶茶》、《我在流浮山滴眼水》單看歌名已經是亮點，語出驚人。 近期作品，則逐步走向較華麗的電子樂音，風格接近90年代Synthpop，歌曲如《溝晒啲仔》開始略略走向另類偏鋒，《邪童謠》整張專輯更索性大玩暗黑電子死亡，於是又開始被冠以「電音歌姬」這綽號。 但好像有多重性格的她，又會來一首旋律甜美的《油尖旺金毛玲》和《Don’t Text Him》。 Serrini的唱腔，除了可以用玩味風格演繹騎呢小清新，但認真起來，她又可以充滿騷味，第一次聽，她令我想起當年唱Mercy的電音組合《Sandii & the Sunsetz》的Sandii。 Serrini的嗓音，亦很有個性，唱起來的尾音往往帶點媚，會令我聯想起《野花》時期(90年代初) 的林憶蓮，當然，Serrini又有她獨特如標誌的聲音印記。 全新專輯《Gwendolyn：網絡安全隱患》 說回她的新作《Gwendolyn：網絡安全隱患》，單從專輯主題，已經感受到作品的貼地性，以及與時代脈搏同步。 《燎原》就像是一首舞台劇的序曲，音樂帶點暗黑神秘，電子音效的編曲，如華麗上陣的舞台服裝，Serrini如暗黑女神，置身如陰暗中，同時，卻散發著色彩閃爍變幻的燈光，。 《網絡安全隱患》的編曲，把我們帶回90年代的Pet Shop Boys舞池，Serrini的歌聲，充滿爆炸力，一句「令你令你令你令你令你令你 感覺很安全」，彷彿在向90年代曾稱霸流行榜的《相逢何必曾相識》致敬，令你令你令你發出會心微笑。 《越活越惹禍》再次把大家帶到90年的舞池，肥美的低音Analog Synthesizer，衝擊著進擊中的電子鼓，充滿霸氣，進入副歌，更醞釀著即將進行黑幫大廝殺般的危險氣息，很有畫面感。 《離原》用鋼琴的切分音節奏作前奏，是一首惹人沉思，風格較黑暗的慢板作品，Serrini的歌聲，彷如幻化成周圍Synth Pad聲音的一部分，苦中帶甜，迷幻如軟糖。 《~旋轉with me*》帶點夢幻，Serrini頃刻華麗變身，幻化成日本變身少女卡通的女主角，像是百變小櫻登場，Major 7th chord的電音Appregio，令歌曲增添一片浪漫甜美。 《要做更壞的事》是首華麗的電子Ballad，Serrini實在是媚在骨子裡，歌曲帶點性感帶點壞壞，林振強先生終於找到繼承人，曲風令我想起我的好友亞里安生前創作的Minimal式甜美電音。 《繼續玩》是首電子Chill Out風的沙發音樂，飄渺不定的電子音效，把你帶到外太空的遠處，無重力地漂浮，讓我想起90年代的日本電子組合Dip in the Pool。 《長期浪漫》回到凡間，是一首曲風平凡，旋律令人琅琅上口，帶點J-Pop味道的流行作品，中間日文那段，相信是向久保田利伸當年的《LA·LA·LA LOVE SONG》致敬。 《I’m Fine, Thx》是繼續義無反悔的電子大流行，旋律充滿90年代J-Pop偶像流行風格，但卻不會讓你感到絲毫過時的感覺，副歌部分，跳躍式地把大家帶到星光閃閃的舞池。 《I’d Like a […]

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疫情來了，更要來點好音樂。

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2020年日本樂壇最紅新人－藤井風 第一次聽到藤井風的歌，印象很深刻，是在2020年的夏天。 那是一個陽光燦爛的早上，我帶住口罩，在上班的路途中，透過耳機，在Apple Music的J-Pop推薦清單，第一次聽到《何なんw》(Nan-nan-w) 這首單曲。 輕爵士風的R&B節奏，聽得令人雀躍的Piano Riffs & Licks，跳蹦蹦的低音結他旋律和Guitar Riffs，令我連步伐也頓時變得輕盈起來。 藤井風的歌聲，不是刻意完美修飾的那類，他的嗓子充滿一股自由奔放的能量，後來在YouTube上聽過他的音樂會，發覺現場演出的他，歌聲與在錄音室裡的他，似乎沒有兩樣。 如果你是資深日本流行樂樂迷，你一定知道70s、80s年代盛行的City Pop一派歌手如山下達郎、竹內瑪利亞、松任谷由實等人，聽藤井風的歌，或多或少，會掀起你對這個時代的日本流行音樂的美好回憶。 流行音樂界，先後出現過很多位出色的Piano Man，國際樂壇除了殿堂級的Billy Joel和Elton John，較年輕的就有Jamie Cullum，台灣還有當年紅透的周杰倫，而去年當藤井風一出道，就馬上成為新一代日本樂壇Piano Man的代表人物。 十來歲已經在YouTube靠自彈自唱別人的歌而闖出名堂，藤井風這位天才型鋼琴小子，古典、爵士、流行皆能，既可彈得一手好鋼琴，亦是唱得之人，更喜歡在演譯人家的作品時，加入具個人風格的即興旋律。 到了22歲，藤井風終於被經理人公司發掘，召喚他從岡山縣的家鄉小鎮，向五光十色的大城市東京出發。 還是當YouTuber的時候，本來從未發表過一首原創作品，但藤井風卻以驚人的創作力，成為專業音樂人後，於2019年期間，由《何なんw》(Nan-nan-w) 這第一首單曲開始，一口氣推出了多首曲、詞、奏、唱包辦的數碼單曲，完全沒有新人的青澀，歌曲流行元素甚高，並且大受好評，令我想起當年初出道的宇多田光。 然後，到了2020年中，正式推出《HELP EVER HURT NEVER》這首張個人專輯，個人認為，當中超過一半以上的歌曲，都是單曲的材料。 專輯打上流行榜首之餘，乘勝追擊，藤井風亦於同年登上殿堂級的武道館，開了他的首個大型個人演唱會。 有如平地一聲雷，專輯《HELP EVER HURT NEVER》推出後，藤井風一直沒有怠慢下來，創作力依然旺盛，接連推出了好幾張EP和單曲。 霎眼間，已來到2021年的夏天，藤井風剛剛發表了他的最新單曲《きらり》(Kirari) ，旋律依然精彩，Disco-lite Dance的前進感，像用音樂帶著你往公路上闖蕩，節奏帶點Funk又有點Groovy，令人一聽愛上，難怪此曲被某大汽車品牌用作廣告歌之用。 去年發表的另一首單曲《青春病》(Seishunbyō)，同樣是一首充滿陽光感，R&B節奏的輕快歌曲，最後一段Outro的即興吟唱，感覺上非常大氣，曲式有少許令我聯想起久保田利伸的《LA·LA·LA LOVE SONG》。 《旅路》(Tabi-ji)是藤井風寫給他中學母校師弟師妹的歌曲，本來打算在他/她們今年的畢業禮上獻唱送給他/她們，作為大家展開另一段人生旅程前的鼓勵，但只可惜因疫情關係，他未能如願以償。最後，藤井風在當地新聞電視台的直播節目中，現場用鋼琴自彈自唱了這首歌曲。錄音室的版本，和他的純鋼琴版本，分別很大，有略略的R&B Ballad味道，陽光感更充沛。 說回藤井風2020年的舊作《HELP EVER HURT NEVER》，這實在是一張百聽不厭的專輯(我聽了接近一年了)，雖然擅長節奏輕快的City Pop風歌曲，但藤井風寫起大旋律的作品時，同樣是得心應手。 專輯中，《もうええわ》(Mō Ē Wa)、《優しさ》(Yasashisa)、《調子のっちゃって》(Cho Si Noccha Te) 、《特にない》 (Toku ni Nai)

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2008《Fearless》vs 2021《Fearless (Taylor’s Version)》

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曲目幾乎是一樣的兩張專輯，前後相隔13年，樂迷仍會願意埋單嗎？ 說的是Taylor Swift的「新作」《Fearless (Taylor’s Version)》。 事情是這樣的，因為與前經理人的續約談不合攏，於是被前經理人把她的舊作版權，刻意全數賣給與她素有私怨的樂壇大鱷。 因為仍然擁有所有作品的出版權，於是，在兩年前，Taylor Swift決定把這批被賣掉的舊專輯，逐一重新灌錄。 Taylor Swift的鐵粉甚多，支持她把舊作重錄的聲音甚眾。更何況，她近期的兩張專輯《folklore》和《evermore》，音樂更見成熟，口碑甚佳，收納了不少新一代樂迷。 千呼萬喚，Taylor Swift第一張推出的重灌舊作專輯，先揀來她在19歲那年推出的第二張專輯《Fearless》，這可說是她的成名作，當年亦平地一聲雷，奠定了她成為鄉村搖滾界新星的地位。 我個人並非鄉村搖滾樂迷，但Taylor Swift的歌曲，卻成功吸納了像我這類主流流行樂的樂迷，無論你是那個年齡的樂迷，聽她的歌，除了琅琅上口的輕鬆旋律，你總難以不被她活力充沛的能量感染。 基本上，整張《Fearless (Taylor’s Version)》專輯內的編曲，與原作《Fearless》都幾乎一模一樣，每首歌也是原Key重唱，就連樂隊及和音，都差不多是同一班底。 Taylor Swift的動機，明顯不過，她就是要讓「今天的我，打倒昨日的我」。 因為基本上真的是舊作重錄，那，這張「新」專輯的賣點在那裡？ 年輕時的她，歌聲甜美而充滿爆發力，如今重新演譯舊作的時候，無論唱功和情感的掌握上，她也來了幾個翻的大躍進，每到副歌部分，聲線來得更剛強、更有能量。 事實上，近年Taylor Swift的作品，開始走獨立搖滾的路向，2021年版的《Fearless (Taylor’s Version)》，雖然編曲與2008年的《Fearless》一式一樣，但歌手樂手的演繹，卻微妙地，令歌曲產生了迥然不同的化學作用。 《Fearless》、《Love Story》、《The Way I Loved You》、《You Belong With Me》等當年上榜的大熱作品，可以明顯地令你聽得出，Taylor Swift的歌唱技巧，已提升到另一層次，從前彷似是不知天高地厚的她，如今已變得世故起來，聲線更是剛中帶柔，變得更搖滾。 畢竟是不同時代的錄音，整體而言，新錄音在樂器的聲音效果上，亦顯著地有更強的層次感，低音結他的聲效更是火候十足。 我聽的是24-96的HD Tracks，尤其感到Taylor Swift如脫胎換骨的溫暖歌聲，感染力加持。 除了原作的19首歌，亦追加了一首未有收錄在當年《Fearless》中的同期舊作，《Today Is A Fairytale》當時只收錄在電影原聲專輯，是一首中板的Country Pop，旋律、歌詞和歌手的聲音都點到入心，難怪當年成為了Taylor Swift第一首打上流行榜冠軍的作品。 此外，最吸引樂迷的是，還新增了6首於差不多同期創作(2008年前後)，當時沒有收錄進《Fearless》專輯內，被稱爲”From The Vault”的舊作。 6首舊作雖然並非重新演譯，但旋律曲風和編曲上，還是保留了接近2008年那個時空、較接近主流鄉村搖滾的Taylor Swift的聲音。 找來了Maren Morris搭檔和唱的《You All Over Me》，是回歸鄉村搖滾歌謠之作，兩把聲音的和音重唱，旋律逐步推進，副歌部分感情尤其細膩，令人聽出耳油。

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Kiri T 《CHILI T》 生命是甜美的，生活卻是辛辣的。

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樂壇很悶，不如來點負能量。 並非每位女歌手都夢想成為樂壇天后，也不一定要上什麼流行榜頒獎禮，能夠做些可以說到自己故事的作品，聽眾又有有共鳴就好了，Kiri T可能就是其中一位這類的歌手。 對我來說，Kiri T的歌曲，一點也不另類，加上她骨子的外貌、甜美的聲線，曲詞編皆能，論條件，根本就是樂壇小天后的材料。 但坦白說，她的歌曲題材，負能量滿載，卻未必能夠獲得主流媒體的垂青。 正因為香港主流樂壇的沉悶，我更覺得Kiri T是把不可多得的「放負」聲音，外表還有點孩子氣，但原來她出道已超過十年，這已經是她的第三張專輯。 糖衣包裹著的小辣椒 《Chili T》專輯中有9首歌，大部分的歌曲，恰如其名，我會形容為「糖衣包裹著的小辣椒」。 甜美的旋律和嗓子裡，卻暗藏對社會不公的控訴、對感情世界的創傷、對作為女性所面對的抑壓等等。 透過音樂，Kiri T嘗試讓自身的情緒進行排毒，宣洩的過程中，讓感到有所共鳴的聽眾能獲得片刻的歡愉，用音樂和大家療傷，過程其實很治癒。 我不知道應如何替Kiri T的音樂作品歸類，她的音樂風格，包含了R&B、Chillout lounge、 Emo-Pop、Goth-pop、Electropop、Trip-hop、Acid Jazz等等元素，總之就一定不是典型的Canto-pop，作品的編曲，甜美中又帶點黑暗，亦放進了不同英美風格的音樂材料，是放在外國電台播放也不失禮的歌曲。 《Fuvk the fairytale》的大旋律和展現率真性情的歌詞，完全展現出Kiri T成熟而自信的音樂品味。 《10,000ft》充滿空靈的飄逸感覺，編曲簡約，卻是整張專輯最大氣的作品，我就是最喜歡這兩首歌。

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《McCartney III》 一個人一隊Band

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要數創作生命最「長壽」的音樂人，我認為，非Paul McCartney莫屬。 Macca (英國人普遍對Paul McCartney的暱稱)15歲的時候，就已經認識了他的創作夥伴John Lennon ，之後Beatles的豐功偉績，相信不用我多作詳述。 1970年Beatles 解散後，Macca成立過樂隊Wings，期間亦繼續推出過多張個人專輯，創作無間斷。現年78歲的他，去年年底推出了他的第15張個人專輯《McCartney III》。 先補充一下，但凡是以《McCartney》為名的專輯系列，每一張都是Macca一人分飾多個角色，以多軌混音製作的家庭錄音，是真真正正的One Man Band作品。 雖然橫跨50年，但到目前為止，《McCartney》只推出了三張專輯，而每一次推出的年份，其實都別具象徵意味，同時，亦與他的人生重要歷程有關。 第一張《McCartney》，在1970年推出，那一年，Beatles 剛剛解散，Macca正準備重新出發。 到了《McCartney II》，推出的時間則在1980年，那一年，他的另一隊樂隊Wings亦正醞釀在翌年正式解散。 到了2020年，Macca雖然已經無Band可散，但對於全球大部人來說，這可能是極之難忘的一年，包括他在內。 Macca見反正要長時間逗留在家，於是，便萌生了在家中展開製作《McCartney III》的念頭，前後花了差不多四個月，躲在他位於Sussex家附近的農莊錄音室中，One Man Band把專輯完成。 雖然並非技術超棒的樂器高手，但Macca卻有本事彈奏多種樂器，加上多軌電腦錄音的協助，成就了他的一人樂隊自家製作。 事實上，三張《McCartney》系列的專輯，雖然都有一種像Demo錄音的粗糙感，但卻因為情感真摯，歌曲都有著一股令人聽得嘴角會帶著會心微笑的魅力。 從好幾個專訪中得知，當初獨自創作這個《McCartney》系列時，Macca都會努力嘗試，擺脫他與同期其他音樂單位創作時的風格。 《McCartney》相對較為刻意地擺脫Beatles的影子，嘗試尋找樂隊聲音以外的另一個輕搖滾方向；《McCartney II》則作了較多的實驗性嘗試，包括電子音樂，旋律上，也試圖擺脫他經常被人詬病的靡靡之音。 雖然，作為四分之一的Beatles，而且是靈魂人物，要在作品中完全擺脫Beatles的影子，實在太過艱難，這張專輯也毫不例外。 到了今回的《McCartney III》，Macca反而變得較隨意，整體上，作品也貫徹了他一向Happy Go Lucky的性格，同時，他又好像要一口氣把每件私人珍藏的樂器，逐一拿出來彈一遍，因此，專輯內的編曲，樂器的多樣性，層次感亦相當高。 作為專輯的序曲，幾乎是純音樂的《Long Tailed Winter Bird》，略帶Celtic曲風的Folk Blues，以旋律如刀鋒般銳利的Guitar Lick開首，重複地彈奏，然後不同的樂器加入，不斷推進，然後，一段和唱“do you, do do do you miss me?”像忽然從天而降，歌曲的規模繼續不斷擴張。 《Find My Way》是專輯的第一首主打歌，在MV中，見到Macca一人分飾多角角色，在錄音室內滿場飛，彈奏了多種樂器，歌曲旋律和歌詞，都洋溢他一貫的樂天性情，是Macca在疫情中試圖為大家打打氣的快樂歌曲。 Beatles樂迷一定知道，Macca當年就是樂隊中的低音結他手，在一個訪問中得知，他收藏了一支古董Kay M1 Upright Bass，是當年Elvis Presley樂隊中的低音結他手Bill Black所擁有。在《Pretty

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將小說音樂化的電音組合 － YOASOBI

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因為從事廣告行業的關係，我的辦公室裡，總會有幾名20多歲的年輕同事，我經常會不恥下問，請教他們近期有什麼新樂團新歌手的作品值得一聽。 去年年中左右，他們分享了幾首日本動畫的MV給我，告知我YOASOBI這個組合，只推出了兩三首單曲，在日本社交網絡界的人氣卻很厲害，組合的聽眾，更不止於年輕人。 YOASOBI這個年輕的新晉組合，由兩位90後音樂人組成，整個成名故事，一切都和網絡有關。 創作主腦Ayase一人包辦詞曲編曲和MV動畫製作，與米津玄師一樣，初時都是透過VOCALOID發表音樂，後來，他發表的歌曲在社交網絡上爆紅，於是亦動起了物色歌唱合作夥伴的念頭，來代替電腦發聲的VOCALOID。 後來，Ayase正籌備參與網絡小說網站monogatary.com一個打算把「小說音樂化」的企劃，亦需要尋找一名歌手合作，適逢ikura是一位重唱別人的歌而成名的年輕網絡歌手，Ayase透過Instagram認識了她後，便一拍即合。 因為當時二人都有一份日間的正職，於是，二人索性把樂團命名為YOASOBI（夜遊び），意指在夜間遊玩。 「小說音樂化」，再加上動畫MV，本身已經是一個很有趣的新嘗試，YOASOBI的成名作《夜に駆ける》，內容就是建立於星野舞夜的網絡小說，YOASOBI之後發表的單曲，同樣是基於小說的不同章節。 有不少樂評人認為，《夜に駆ける》更廣為樂迷認識，是因為YOASOBI被邀請了上THE FIRST TAKE這個人氣YouTube音樂頻道，他們經常會找歌手或組合作客，以一Take過現場錄音，是一個實力的競技場。 ikura的甜美得來卻充滿力量的歌聲，加上面對鏡頭時略帶忸怩的神情，很快便俘虜了不少網絡樂迷的心。 說回Ayase這位新生代音樂人的風格，主要是以節奏輕快的電音舞曲節拍為基礎，旋律很有90年代的動漫主題曲感覺，歌手一開口唱，沒有太多鋪排，就馬上是令人琅琅上口、蠢蠢欲動的洗腦式旋律。 Ayase亦很懂得掌握電子與Accoustic樂器間的整合，除了電子舞曲的節奏襯底，編曲上亦常用Accoustic結他的riff，以及密集的鋼琴音符作點綴，予人一種清新跳躍的感覺。 YOASOBI的成名，實在來得太快，還未推出專輯，已經被邀出席2020年除夕夜的《紅白歌合戰》。 踏上了成名的高速列車，2021年1月，YOASOBI終於推出了首張專輯《THE BOOK》，整張專輯的歌曲，都是來自上述的「小說音樂化」企劃，七首歌曲，各有一支動畫，把歌曲的意境和故事內容視覺化。 大叔如我，聽到 的作品時，竟有種如沐春風的感覺，我聽完一遍又一遍，我想起了愛看日本動漫的我的無憂無慮中學時代，我赫然發覺，青春，原來也是可以跨世代的。

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搖滾公路真心英雄Bruce Springsteen

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Bruce Springsteen今年71歲，最近，我除了在Netflix看過他在2016年，現場演出的獨腳戲《Springsteen on Broadway》，還有就是留意到他近年陸續新作推出，螢幕上，他的身形一貫健碩如牛，聲音亮如洪鐘，「波士(The Boss)」這個綽號，依然匹配。 老實說，當年我對他在1984年推出的大熱作品《Born in the U.S.A.》，那時少不更事的我，最初以為那只不過大美國主義者的校歌，到後來，我買了一套五張黑膠片Box Set的Bruce Springsteen & The E Street Band Live/1975–85，我才重新發現「波士」歌曲中的魅力。 Bruce Springsteen的現場演出，聽到他像震遍整個場館的歌聲，總能夠給你一股很振奮人心、很在地草根的美式搖滾氛圍。 他歌曲的旋律並不艱深，他的歌詞，敘事手法亦十分平實。歌曲中描繪的人物，往往就是普羅大眾，尤其是那些在每天在苦幹，追尋美國夢的藍領階層，此外，還有不少在大城市中被遺忘的小人物。 他的歌曲，間中也會有對社會的控訴，但更多的時候，他是會透過歌曲給大家打打氣，難怪有不少美國樂迷，都會視他為搖滾音樂的人民英雄。 《Letter to You》是他的第20張個人專輯，今次再次聯同他的長期拍檔，The E Street Band這音樂班底，一起在他家中的私人錄音室，花了四天的時間灌錄，歌曲的編曲甚至是部分的創作，都是半即興下完成，因此，整張專輯都富饒現場氣氛的活力和空氣感。 有別於迷戀永遠28歲長青不老的香港歌神，Bruce Springsteen卻展現出屬於他那個年齡與資歷應有的感性，由向已故舊樂隊的隊友致意啟發，專輯中，他亦同時探討生與死、年老、人生懊悔等等生命課題。 但不要誤會，整張專輯，風格上卻未有流露太多的傷感，反而是充滿能量，有樂也有怒，部分歌曲，會讓你感到仿如置身音樂場館，想舉手隨著節奏一起吶喊。在這個迷失的時代，「波士」試圖透過搖滾力量，為大家帶來一點實實在在的心靈安慰。 《Janey Needs a Shooter》、《Song For Orphans》和《If I Was the Priest》，無論是旋律和編曲，當中的口琴聲、hammond organ聲、slide guitar、以致是「波士」嗓音的演譯風格，都充滿著一股70年代搖滾的懷舊氣氛，亦有濃濃Bob Dylan薰陶下的情懷，當然，「波士」的能量感卻是十級加持，副歌部分更是分外振奮人心。 「波士」組成E Street Band前，其實還有另一隊樂隊Castiles，但去年，除了他以外，最後的一位成員也離開了，於是，他真真正正成為樂隊的《Last Man Standing》，同時間，《Ghosts》又是對另一位離去的樂隊成員的懷念， 《I’ll See You in My Dreams》基本上就是將懷念摯友的心情，化解成一道心靈雞湯。 專輯主題曲《Letter

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The Mandalorian新紮配樂師 Ludwig Göransson

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星戰迷，出名難服侍。尤其是，當星戰系列的前傳後傳外傳長賣長有時，要從當年原班人馬接棒繼承的製作人，壓力自然更大。 雖然我也是星戰迷，但平心而論，70年代OG的星戰系列，製作其實相當粗劣，始終技術上有太多限制。印象中，始終音樂最長青，唯有John Williams的電影配樂，今天重聽，依然半點都不失禮。 橫跨40年，John Williams先後為9集星戰電影系列配樂，近年已正式收山，並揚言已完成星戰的歷史任務，拒絕再玩。 至於其他星戰外傳，都已經假手於其他作曲人，Michael Giacchino為《Rogue One》配樂，John Powell更為《Solo》一片，撰寫Han Solo的個人主題動機旋律(此乃John Williams的慣例)，似乎，兩位作曲人都不敢跨越雷池半步，作品處處充滿John Williams的影子。 雖然並非電影級數的大製作，但作為Disney+這串流影音服務的主打作品，星戰外傳《The Mandalorian》(曼達洛人)卻成為了不少星戰迷近期的至愛，而為這個電視系列做配樂的瑞典裔作曲人Ludwig Göransson，亦可能成為了John Williams之後，第一個備受星戰迷接受的作曲人。 Disney+還未在香港推出，但為了先睹為快，我老早已千方百計，第一時間看了《The Mandalorian》的第一季。執筆之時，第二季接近尾聲，我正在等最後一集本季大結局。 雖然是古典音樂訓練出身，但本人卻是一名重金屬搖滾及hip-hop音樂的愛好者，Ludwig Göransson的成名作，是Rocky後傳的電影系列《The Creed》，及後他亦憑《Black Panther》的配樂獲獎，實力備受肯定。 此外，話說大導演Christopher Nolan的指定作曲人Hans Zimmer，因為同期要為另一電影《Dune》配樂，於是大導的新作《Tenet》，配樂的責任就落在Ludwig Göransson手上。 看電影時，聽得出他與大導演的合作實在不易為，一如電影中的橋段，作品中有大量高難度的技術性實驗，虛耗的力度很大，迴響卻可能一般。 直至為《The Mandalorian》配樂，Ludwig Göransson才得到最大的發揮。看完此劇的第一季後，我在Apple Music找回這電視片集的配樂來聽，赫然發現，原來作曲人為每一集(合共8集)的內容，都分別創作了大量的音樂素材，合共推出了8張迷你專輯，足證他是如何地投入。 事實上，無論故事的背景和人物設計，《The Mandalorian》都有點像Clint Eastwood的西部牛仔電影，一名浪人，帶著一名小孩，來到不同的不毛之地的荒蕪小鎮，遇上不同的冒險故事，音樂上的孤寂感，像哨子聲的旋律和西班牙結他，都難免會令人聯想起大師Ennio Morricone的作品。 當然，Ludwig Göransson亦嘗試參考了部分John Williams的星戰音樂語言，繼承了兩位大師作品的路向，再加上自己的個人風格，既有新古典意味的配器，亦有原始部落的敲擊，再配合了實驗性的電子音效設計，以及搖滾音樂節奏，成就了這新一代的星戰音樂風格。 樂器方面，作品中常用幾支不同音調的Bass Recorder，只有兩個音符的低音鋼琴音樂動機，便成為了主角每次登場時的主調，此外，亦有兩件70年代搖滾樂隊常用的電子樂器，Mellotron和Fender Rhodes，以及大量充滿exotic色彩的結他彈奏。此外，典型John Williams以銅管樂器威武進行曲作主調的管弦樂，亦令作品繼續與經典的星戰音樂對話。 據說，Ludwig Göransson創作此劇的配樂時，盡量以自己在家中的錄音室的一人樂隊包辦，來到製作第二季，因為社交隔離，難以邀請管弦樂團錄音，於是，這二季的配樂，個人演出的比重多了。而且，為了兩手準備，同一樂曲，就分別有獨腳戲和管弦樂兩組版本的編曲，這可能就是新一代作曲人優勝之處。

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自己的歌自己派台，這是一個屬於Outliers的時代。

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從老友袁智聰的面書得悉，HK01的「扭耳仔」突然死亡，他慨嘆，又一個寫音樂的地盤消失了。 翌日晚上，我湊巧在ClubHouse亂入，聽到了一班前「扭耳仔」員工的分享，聽得出，他們是如何熱愛這份可以推動音樂的工作。 只可惜，在香港，靠做音樂創作維生太難，靠做推廣音樂維生，更是難上加難。 大家都都有點唏噓，深感這麼多年來，大唱片公司大傳媒大台等的娛樂圈文化，都一直在扼殺了每一代的新晉音樂人的心血，也白費了許多想透過文字或媒體推動音樂的朋友們的努力。 唱片公司好、經理人公司也好，由從前很有資源到現在沒甚資源，卻以為可以繼續做其幕後玩家，仍然把精力花在操控頒獎典禮及流行榜的遊戲上。 很多時候，大家卻忘記了音樂的本質，就是每個時代都需要有代表那一個時代的聲音，小眾不小眾、動聽不動聽，為何總要被受人操控的頒獎典禮或流行榜決定？ 實際一點說，到底歌手獲獎、歌曲上榜，真的是這麼重要嗎？當中有否直接幫到音樂人的音樂事業？ 基本上，以上的老掉牙問題，無論是大台細台，實在有很多人還是循同一條生產線的模式，製作和推廣音樂，到頭來，轉來轉去，都只是原地踏步。 唱片公司或媒體老闆們的死症，就是很多還在努力地食老本，期望沿用同一條方程式，捧紅下一棵搖錢樹。 本地音樂市場跌進谷底，於是又有人就大聲疾呼，呼籲樂迷要支持本地音樂，但我覺得，本地音樂只是一個偽命題，有好音樂有新聲音，樂迷就自然會支持，那會理音樂本地不本地？ 這個世代的樂迷，是屬於全世界的，他/她們上Spotify上Apple Music上KKBox上Tidal上YouTube，天大地大，音樂市場的競爭，老早已是全世界。 可惜的是，串流音樂的版稅太低，養活不到音樂人。 但這個時代，網絡及社交平台的商機無限，進入門檻甚低；製作音樂，成本亦不一定要像從前般高昂，有實力的話，發表歌曲，要成名，不需要再靠攏任何大機構；成名後，就可以自行找商業合作，不一定要有中介人。 雖然，我還是沒有明確的解決方案，我亦心知肚明，香港的生活成本太高，所以，我實在不忍心，隨便和大家說：「請努力加油」。 我只希望，如果大家真心喜歡音樂，請你繼續按自己的方式，做自己喜歡和音樂，以及和音樂相關的工作。 但你千萬不要參考其他人的所謂成功例子，前車並不可鑑，前車隨時只會堵塞道路。 樂壇只屬於樂迷，不是屬於唱片公司、流行榜、和音樂頒獎典禮，或甚至是任何傳媒機構。 這是一個屬於Outliers的時代，只要你有能力，始終會找到自己的出路。自己的樂壇，要自己創造。 最後，我亦期待，「扭耳仔」會以另一個形式，繼續在網絡世界，和大家相遇。

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Guitar Calling 召喚全港結他英雄

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上世紀的80年代初，香港曾經出現過一本《結他雜誌》，主腦人是黑鳥樂隊的郭達年先生，1982年，該雜誌舉辦過一次《Guitar Players Festival 結他大賽》，事後亦推出了一張專輯《香港結他比賽冠軍精英輯》，當中出現了的名字，包括了組成Beyond前的黃家駒、還是以獨立單非結他手身份出現的劉以達，以及現今已經是國際級的爵士結他手包以正。我還記得當日在Walkman聽到這專輯時的震撼，當時我赫然發現，原來香港樂壇有這些音樂高手和非主流聲音。 即使老一輩樂迷經常批評本地樂壇是如何一蟹不如一蟹，但我還是覺得，真正有能力的新一代樂手，因為吸收資訊與正規學習的渠道比從前多，再加上音樂科技上的普及，他/她們在音樂造詣和製作的能力上，只會一代比一代更青出於藍，最近經在聽《Guitar Calling》這張專輯，正正讓我感受到，老中青幾代的樂手，大家其實都一起在進步。 純音樂製作的本地專輯，非常罕有，更何況，這是以號召9位本地結他精英為主題的作品？這班來自不同背景年代的結他手，當中有著名的唱片製作幕後舵手、編曲和作曲人，也有新晉獨立樂隊的主音結他手，他們有一個共同點，就是全部都是技術派。 李小龍經典電影《Enter the Dragon》電結他前奏甫一響起，大家就會感到渾身是勁，Tommy Chan這趟向經典的致敬，更加入了大量的和弦改編及創新技術元素，結他、Hammond Organ和鼓的solo交戰，既熟悉又又新鮮感，令人聽得熱血沸騰。 《長髮》本來是Barry Chung本人作曲的90年代經典K歌，但這版本卻成為了一次由他一人分演多個結他手角色的結他大合唱，編曲充滿層次感，魚絲結他甜美得尤其令人聽出耳油。 光陰似箭，《刺客》原來是劉以達30多年前寫給譚詠麟的作品，這個全新結他版本，依然充滿達哥一貫的糜爛風格，Les Paul彈奏的主旋律，亦帶領我們到達一個迷幻境界。 樂隊觸執毛的Mike Orange，是我個人最欣賞新一代香港結他手，他選來80年代的《不羈的風》重新演譯，令我有點始料不及，原本的日系偶像曲風，居然可以變成這個炫技的搖滾流行版本。 Goro Wong用了大量結他音效演譯的《張氏情歌》，把原本陳奕迅滄桑悲情的聲音，變成一首動漫主題曲般的電子搖滾舞曲，很多你以為是電子合成器的聲音，原來都是電結他製造的音效。 崔展鴻把王菀之原作《畫意》的旋律，賦予了另一種人聲以外不可觸及的領域，結他的聲音，像充滿層次感的油彩，同一個旋律，卻調較出不同的色調和質感，音樂有畫面，充滿電影感。 又來一首陳奕迅的好歌，《白玫瑰》原曲是一首輕描淡寫Rock Ballad，Andrew Cheung卻把樂曲注入一股瘋狂的血，一支七弦電結他，加上重金屬搖滾的進擊節奏，熱血得令耳朵冒汗。 《荒蕪中起舞》是盧凱彤具有懷舊味道的輕搖滾歌曲，Jeff @Dusty Bottle和Tin Hang@ONE PROMISE兩位雙結他上陣，先以Flamingo結他啟動，然後再以Fender Strat電結他在副歌回應，再聯鼓花如浪花拍岸的鼓手Steffunn勳，你一邊聽，就會自自然然地舉起無形結他跟著揮舞。

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